学文网心理方法
・主张自然的呼吸
《歌唱术语辞典》(The Singer'sGlassary)将“自然的呼吸”定义为“没有受过任何直接的技巧训练或身体局部力量影响的呼吸。”30位作者主张运用这种与生俱来的呼吸方式。如下观点代表了他们的看法：
尽管许多人都提出了各种详尽的理论，在呼吸上却用不着思考，用不着肌肉的控制(威廉姆逊)。
首先要避免按照―定方法机械地练习“系统性的呼吸方法”。它们大都与自然背道而驰(胡斯勒、罗德马林)。
根本上说，我们不是要学习正确的呼吸方法――而是要重新温习儿时无意识的自然呼吸(瓦奈)。
・在歌唱中发展呼吸
中心内容是：只要不断对歌唱练习和表演提出要求，就能提高呼吸技巧。这种观点与自然的呼吸并非毫无关系。“呼吸的同时要想着你是在向听众倾诉着、述说着什么。这比任何方法都能让气息自如流畅，让呼吸、发音和吐字完全放松――并使人进入忘我的境界”(弗伦斯・麦克多)。“歌唱呼吸最好的教学方法是将它与唱歌的声音协调起来”(艾波曼)。
・通过歌曲的诠释控制呼吸
通过正确的乐句划分――“对想表达情感的歌唱演员来说，气息的供给是自动的，因此它自然也是歌曲诠释和乐句划分的一部分”(彼德森)。这种观点的意思是，歌曲的乐句决定呼吸的习惯。“呼吸控制是‘间接实现’的，要将精力集中在想唱的音和乐句上”(克里斯蒂)。“如今由于换气太多，演唱乐句时总是气喘吁吁的!让我们明确这样一点：当大多数歌唱演员‘需要’吸气时，实际上是要放松，而不是补气”(惠特洛克)。
与乐曲和音乐表现相吻合――歌唱呼吸应符合音乐表现的需要。“通过有意识的呼吸训练，歌唱演员要能够在不影响乐曲意义表达的前提下，迅速而毫不费力地吸气，然后逐渐放松地、游刃有余地呼气，动情地演唱每一个乐句”(麦卡罗斯基)。斯坦利认为，在歌唱中，“节拍”是最基本也是最重要的。歌唱演员改变音高和力度的紧张度时一定要非常小心。千万不要在音与音之间放松，只有换气后，才能尽量完全放松下来。
加强气息控制的其他方法――克莱和施佳德认为，刺激声门关闭的反射作用的一个好方法是快速喘气，然后尽量把气全部吐净。莱文森建议张开嘴并放松，像吃惊那样吸一口气。演唱每个乐句前都应该像吃惊一样吸一口气。与此相反，威廉・琼斯告诫歌唱演员不要急促地喘气，因为这会在很大程度上影响歌曲的诠释。
维那德认为霍夫曼为较长乐句演唱的呼吸控制提出了一个好办法。霍夫曼让学生从后往前唱，也就是说，先把最后两小节练习几遍，然后将乐句逐渐加长，直到没有任何呼吸困难地把它从头至尾唱下来。
技巧方法
・姿势的控制
全国声乐教师学会了一份关于声乐教育的原则和规定的基本主张，题为《嗓音乐器的训练》(Training the VocalInstrument、)，它对歌唱的姿势做了如下解释：
这意味着身体的姿势要高雅自如，使嗓音乐器的每个部分都达到完美的平衡，与其他部分协调融洽。头部端正而不僵硬，脊柱伸直而不松垮，胸部稍稍抬起，双脚站稳，使整个身体都被支撑起来，显得生气勃勃。
巴赫尔认为正确的姿势对优美的歌唱非常重要。他说，正确的姿势总会使你拥有自如的发声方法。韦斯特曼详述了歌唱时的一系列连锁反应：吐字不好是由于共鸣时肌肉调节不理想；共鸣不好是由于发音时肌肉调节不理想；发音不好是由于呼吸习惯不佳；呼吸习惯不佳是由于身体姿势不正确。***西勒和沃尔特又补充道：“正确的姿势是有控制的呼吸的基础，只有控制好呼吸，才能歌唱。”莱斯特指出：“我反对学生采用拘谨而正式的姿势。这种姿势需要精神的集中，而这集中也许用在别的地方更合适；另外，学生恐怕会逐渐喜欢起这一种姿势。”
研究用嗓错误对喉部器官造成的损伤时，弗格森对身体姿势提出了建议。他的理论是，将头部和脊柱伸直对发声非常重要，因为此时喉部通向外界的通道是直的。如果头部微收，颈部肌肉就能放松，不会变得紧张。纽约德高望重的声乐教师伯那德・泰勒同样强调歌唱演员要有脊柱意识。为了做到这一点，我们必须感觉作为主要支撑结构的脊柱承受着身体的全部重量。
下面是一些有关正确姿势的代表性看法：
歌唱演员的呼吸就是站直后，通过横膈膜和肋间肌的扩张吸气，并通过腹肌呼气(雷格兹)。
最理想的姿势是保持直立――胸部稍稍抬高，吸气时收腹，头部要和脊柱在一条线上，而不是在它的前面(瓦仑斯)。
无论呼气还是吸气，胸部都不要起伏(福斯)。
保持良好姿势的三个基本要领是：1 吸气前，胸的上部要抬起；2 歌唱时，胸部抬得很舒服，但又不起伏；3 从脖子一直向下伸展的脊柱要灵活自如(克里斯蒂)。
・自觉与不自觉的呼吸
33位作者讨论了自觉而有意识的呼吸和间接控制的呼吸这一对有争议的问题。大家更偏爱间接控制的呼吸技巧。“歌唱时，我们对呼吸器官没有直接控制”(贝克曼)。“呼吸是自动的，所有肌肉都是敏感而富有弹性的”(弗伦斯・麦克多)。“呼吸会在歌唱演员的意愿和发声器官的共同作用下，变成声音”(麦克雷)。“发声过程中不应该有意识地去‘控制’呼吸”(威尔科克斯)。“下意识地呼吸更合乎逻辑”(库尔、瑞丽)。
下面的观点是主张“有控制的呼吸”：
你要知道，歌唱呼吸总是有控制的、稳定的呼气；不像日常生活中那样被动(艾波曼)。
歌唱呼吸对声音的支持和乐句的演唱非常重要。它是横膈膜式的、大面积的呼吸运动，充满了整个肺部。要有意识地、自觉地掌握它(雷斯尼克)。
有控制的呼吸很大程度上在于，呼吸的速度和深度能够随着自己意愿的改变而改变，并在有限的时间内，呼吸可以完全停止(堪培尔)。
・横膈膜的控制
一些教师和作者认为，有意识地控制横膈膜是最基本的歌唱技巧。39个观点对此表示支持，18个观点表示反对。弗莱切和罗宾逊认为横膈膜对有控制的呼吸非常重要，因为它能使声音更加深沉。尤雷斯认为，良好的发声依赖于横膈膜以及支持它的肌肉的控制。“要牢记，呼吸的起点或者说基础是横膈膜”(马尔蒂诺)。
戴喻则主张不要去理睬横膈膜。这一点很重要，只有这样它才能发挥作用。下面是一些反对直接控制横膈膜的观点：
横膈膜并不以演唱者的意志为转移。它痉挛性的收缩会使人打嗝儿，主观意志是控制不了的(布里格)。
有意识地控制横膈膜不仅是错误的，而且十分危险，因为它会使肌肉僵化，这本身就是灵活自如的大敌(贝克)。
・用嘴呼吸还是用鼻呼吸
歌唱呼吸是用口、用鼻还是两者并用?这个问题常常引起争议。
以下是对这一问题的三种不同看法：
要用嘴呼吸――“用鼻子呼吸时，吸人空气的速度较慢，快速讲话和呼吸时就不够用了”(布洛得尼兹)。维那德说空气是通过鼻子或嘴吸入胸腔的，不过最好用后者。“大多数情况下，用鼻子快速吸气会使鼻孔明显扩张。此外，用嘴吸气能够通过反射作用恰当地调节共鸣器官。”维那德进一步强调，鼻子是一个非常理想的过滤器和暖化吸人空气的器官，“但它却不能快速吸气，也不能美化和加强声音。正因如此，多数歌唱演员既用嘴吸气，也用嘴歌唱。”菲尔海蒂认为，反对用鼻吸气的原因与其说是在同样时间里，用嘴吸入的空气量更大，不如说是在乐句之间换气时，舌头和软腭能够不断进行调整。
要用鼻呼吸――“千万千万不要用嘴呼吸，不然发音会非常难听，因为吸入的空气会把喉咙弄干”(吉利)。“用鼻子呼吸合乎自然，与用嘴呼吸相比，它能在更短的时间内为肺部提供更多氧气”(莱斯)。“有可能的话，尽量用鼻子呼吸。这样的呼吸更有深度，对喉咙更有好处”(布鲁尼)。
要口鼻并用――“要用鼻子和嘴同时吸气”(莎诺娃)。“用嘴和鼻子同时呼吸能使软腭和喉咙后部处于打开的状态”(克莱、施佳德)。
关于气息摄入量的问题
42位作者讨论了肺活量与歌唱时所需的空气量的关系。这一问题的核心是气息节省原则，气息摄入量的讨论都是围绕它展开的。
气息节省原则――著名的喉科专家布洛得尼兹认为，把歌唱好的最有效的方法是将吸入的气息量减少到最小：“唱某个音所用的气息越少――不论强音还是弱音――效果越好。”下面的观点也主张歌唱时运用最少的气息：
要学会尽可能少吸气。吸气多少并不重要，关键是如何运用它(贝勒斯)。
歌唱时运用气息的控制就意味着在歌唱时遵循气息节省原则(彼尔西)。
歌唱时吸入太多空气会使喉咙、横膈膜以及身体的其他部位处于紧张状态(拜罗)。
运用气息节省原则对气息量进行控制――“初学者吸气时千万不要把肺部填得满满的。这不仅多余，还很有害，因为它会给喉部带来不必要的损伤”(弗兰克佛特)。“极力主张增加空气摄入量的人呼吸都比较浅。不管怎样，人们已经开始怀疑用肺活量计量器测出的肺活量是否真能体现人的生命力”(胡斯勒和罗德马林)。“为了说服学生唱一个音时需要的气息量极少……我们要求他‘在不吸气的情况下在高音上起唱，然后唱一系列高音或一个乐旬，或沿着音阶做上下行练习”’(凯萨雷)。
呼吸控制的能力是与生俱来的――还有些人主张最好“不去理睬呼吸”。尼尔松说他并没有发现日常说话时的呼吸与歌唱的呼吸有什么区别。他纳闷为什么要把呼吸笼罩上一层神秘的色彩。另一位职业歌唱家似乎也表示赞同。格拉斯认为，在呼吸过程中过于注重人为的技巧会产生混乱，还可能给人带来约束。尼格拉斯建议，如果学生不存在特别的呼吸问题，最好对呼吸只字不提，除非他需要克服某个具体困难或摆脱短暂的消沉情绪。卡塞曼对此表示赞成：“讲授呼吸控制的要领时要谨慎，在对呼吸提得很少或只字不提的情况下'学生的收获越大，受到的约束越小。”
气息压力与气息支持――在这一问题上，权威人士关心的是唱一个音需要的气息压力量。凯斯利认为，胸部施加给横膈膜表面的稳定的压力使得横膈膜以同样力量向上、向肺的底部扩张。凯斯利说：“正像卡鲁索和邦奇所说的，空气就是这样挤出来的。”彼德森认为，呼吸压力的增强要靠力量的增大和大块呼吸肌群的稳定来实现。
布洛得尼兹认为气流量将随着力度的变化而增加。凯萨雷主张，根本没必要让气息压力随着音高的升高而增强，在音的上行过程中它应该保持不变。最后，艾波曼将气息支持定义为“通过气息压力使唱歌的声音持续不断”。
换气、频率和速度――如下观点认为，呼吸要有节奏，而不是分为“呼吸、保持和歌唱”三个过程：
呼吸的目的不是将气息积蓄在胸腔，而是将它有控制地、平稳地呼出来……要是屏住气息，肌肉绝对会变得僵硬，这会对歌唱造成致命的打击(贝克)。
我从未见过哪个伟大的艺术家的呼吸是费劲儿的。不过通过仔细观察，我的确发现他们总是提前吸气，而不是唱到某个音符时才吸气。换言之，整个过程是呼吸――屏气――歌唱。乐句开始才吸气会妨碍人们清晰的思考和歌唱(莱斯)。
歌唱演员永远不要让人看出来你在呼吸(斯格特)。
在这个充满活力的运动中，千万不要出现静止点，千万不要“屏住气息”；相反，要用我所说的“提前吸气”――准确地意识到一个乐句开始前什么时候吸气(贝克曼)。
为了避免屏住气息，要计算好什么时候开始吸气(格林赫斯)。
总结
反复思考以上这些观点，笔者得出结论：呼吸是歌唱技巧的一个重要环节，并发现了以下这些比较流行的观点。
1 在声乐技巧中，自然的呼吸这个下意识的、自发的过程是人们所向往的。不过在嗓音的形成阶段，要注重有意识的、主动的呼吸。
2 通过歌曲演唱来控制呼吸的主张并未得到人们的广泛赞同。
3 只有控制好呼吸，才能正确地划分乐句，使呼吸与音乐相吻合，符合乐曲表现的需要。但是，在进行呼吸控制的过程中，这些因素似乎并不占重要的地位。
4 姿势对于良好的歌唱至关重要。人们对此―直再三强调。
5 关于自觉与不自觉的呼吸，正反两方面观点的数量相当。菲尔德的研究表明，人们更倾向于直接控制呼吸。
6 大多数人主张运用有意识的横膈膜控制的歌唱技巧。
7 在用口还是用鼻呼吸这一问题上，人们普遍接受用嘴呼吸的方法。
8 在呼吸控制中，肺活量不是重要因素。
9 过分强调呼吸过程有害而无益。
下面几个综合观点代表了两种最流行的呼吸教学方法。艾波曼和马格林的观点是机械――科学派方法的代表；托姆林斯和贝克的观点是经验派方法的代表。
身体控制和支持的第一个技巧是：歌手要感觉腹压受到来自胸部的阻力，而腹部压力总是比抬肋肌群产生的阻力大……肌肉用力的感觉在腰线以上。歌手用不着将注意力集中在下面紧张的耻骨弓上。骨盘模膈膜的收缩是自动的……身体控制和支持的第二个技巧是，歌手将占主要地位的腹部和背部肌群的压力放松，使胸腹部肌肉停止用力，保持平衡，以便能很轻松、平静、持续地把声音唱出来(艾波曼)。
最有效的呼吸是横膈膜一肋间肌式呼吸。它有别于其他低效率的呼吸，是“主要”的呼吸方法……将它稍加改变，就可为演讲者、演员和歌手广泛采用。这里要引入一个“用肋骨储存气息”的概念。为了持续不断地唱歌，在整个周而复始的呼吸运动中，肋间肌和提肌使肋骨处于一种完全提升的状态。横膈膜和腹肌的全部任务就是将肺部的空气吸人和排空。固定的肋骨使胸腔成了一个空气储存室。以便在吸气急促时，也能延续这种“保持”的感觉(马格林)。
呼吸是个连续过程，这始白天然。我们必须保证它能胜任一切任务，并能发挥造物主赋予我们的气息节省原则的重要作用。呼吸不像吃饭喝水，能在用前储存或事后补充。我们活着离不开呼吸，可以说是随取随用，每时每刻吸入的空气只供当时的消耗……仅仅建立在呼吸器官的某一个或几个部分上的学派既不能将呼吸作为一个完整过程来看待，也不能理解它们之间的协调关系(托姆林斯)。
我提醒大家注意以下几点：1 气息不要对声带施加压力。2 千万不要为了所谓的“声音支持”，在歌唱前就将横膈膜绷紧。僵硬的横膈膜不会支持声音，只能僵化并最终毁坏声音。3 “歌唱的目的是通过肌肉运动来控制呼吸”的观点是完全错误的。4 不要误以为能摆弄几个诸如胸部、气管、声门、喉之类的词或者知道横膈膜放松时像个圆顶，就能呼吸得或唱得更好。这些知识在歌唱解剖学上是有用的，但与歌唱艺术却毫不相干(贝克)。
(待续)
(摘自《教唱歌》，人民音乐出版社・华乐出版社2003年版)