学文网影音天地篇1
电影《天与地》是由美国导演奥利佛?斯通执导并担任编剧的“越战三部曲”的完结篇，不同于前两部电影《野战排》和《生于七月四日》的男性视角，《天与地》是从东方女性的角度来考察战争，呈现出一种极具温柔神秘的东方色彩，给人以一种委婉而又壮美的感受。同时，影片中的配乐在电影的形态构建、叙事强调和情感表达等方面均发挥了重要作用，使得整部影片彷佛是一曲历史与现实的合奏，带给人灵魂深处的震颤。
一、形式功能――塑造电影形态，构建叙事结构
彼得拉森在《电影音乐》艺术中认为电影音乐的形式功能重在电影音乐在构建电影形态和结构上的作用，音乐能使电影连贯起来，赋予电影以整体感，在《天与地》当中，主题音乐《heaven and earth》贯穿于整部电影，并在不同的阶段反复出现，根据剧情发展的需要变奏，将不同的片段场景统一于同一个主题下，通过阐述战争所造成的人性悲剧传达对战争的控诉和对和平的追寻。同时，喜多郎还采用乐旨来构建电影音乐的连贯性，在《天与地》中乐旨即为战争与人性，它贯穿整部电影配乐，将不同的场景音乐片段包括越南家乡、美越战争、黎丽的爱情、西贡的生活、回归故土等连接起来，凝结成一个统一的整体。影片配乐采用运用管弦乐的磅礴和古筝、笛子、二胡之间的柔美来形成战争和生命两个形象上的对比，既构造主题之间的统一性，又加强各音乐片段之间的联系和辨识度，使受众形成视听感知上的一致性。
除了构建电影形态，音乐还能够帮助构建影片的整体叙事结构，电影音乐可以帮助受众正确对影片中的信息进行归类。比如每当黎丽爱情主题曲响起时，受众自然会预感到黎丽即将与当下的男主人公发生感情纠葛，而当悠远苍凉的二胡笛声旋律响起时，受众则会联想到黎丽的故乡越南。同时音乐的变化标志着不同叙事段落的衔接和转换，比如在五邦参***，黎丽的父亲和她在田野上交谈后，影片的音乐开始从辽阔广远的柔和风格转为带着激昂鼓点的进行曲，伴随而来的剧情则是残酷战争的开始。音乐之间连续性又暗示了两个段落之间的联系，使受众的情绪得以连贯，不会产生断裂和突兀的感觉。
二、叙事功能――强调叙事元素，调节叙事节奏，塑造人物形象
电影音乐叙事功能即电影音乐在叙述故事时所起到的作用。这也是《天与地》中音乐所起到的最重要的功能。电影中的配乐总是会带有特定的地域人文色彩和不同的时代特点。比如最典型的就是《天与地》中在表现黎莉的家乡越南时，所采用的是温柔的管弦乐配以二胡、古筝、笛子和越南民族乐器，塑造出的是一种辽远凄凉的氛围。而当黎丽来到美国生活，场景音乐则变成了节奏明快的乡村摇滚，充满了时尚和摩登的气息，黎丽在超市一脸满足的看着商品时所配的欢快的《蓝色多瑙河》交响曲，映衬着美国富足的物资和优越的生活环境，这同时也与贫苦的越南生活形成鲜明的反差，形成“天”与“地”的对比。此外，电影音乐可以用于强调和预期电影当中的单个事件。有时候，电影仅凭借一小段旋律的变化就能引发人们做出相应的反应和猜测，比如斯蒂文在自杀前打电话给黎丽，这时音乐旋律变得低沉恐怖而诡异，受众立刻就可以预感到某种不祥的讯息。因此音乐独特的音色、音调和旋律能够刺激受众的听觉神经，调动受众的注意力，令他们产生心理上的期待，从而积极调动他们的情绪感受。
此外，在电影叙事中，音乐还能起到调节影片节奏和塑造人物形象的功能，在对电影的叙事节奏进行调控和构建上，影片中常常出现大段场景描绘越南自然风貌的镜头，如果是单纯的画面呈现，纵使画面再震撼，受众也很快会感到枯燥，但是配上音乐则不同，波澜壮阔的旋律以其自身的魅力使受众在视听共享中忽略了影像的单一和缓慢的节奏，从而调节了受众的心理时间，“加快”了影片叙事的进程。而在黎丽和斯蒂文家中遇袭再到西贡团圆这一段里，电影音乐有效地调节了影片叙事的张弛程度，在家中遇袭时，影片并没有采用快节奏的配乐来激发更为紧张的气氛，而是运用磅礴低沉的管弦乐来调节画面中的激烈冲突，呈现出一种情绪上的压抑，这种压抑感在黎丽带着孩子边逃难边找丈夫的过程中持续加深，一直到受众也开始绝望的时候，音乐的旋律突然开始逐渐上扬，随着一声“Daddy”镜头随后转到从远处走来的斯蒂文身上――原来他还活着。这个时候音乐旋律达到高潮，前面的失望，痛苦，在重逢这一刻中的得到完全释放，迸发出一种巨大的幸福和喜悦感。虽然影片中的画面和演员表演所带来的信息量与信息质已是这段情节形成基本叙事节奏的基础，但若仅凭借画面和演员的动作，这种内在汹涌的能量依然难以得到释放，但是配上电影音乐就可以表现叙事节奏内部潜藏的所有能量。
同时，《天与地》中的配乐在影片中亦起到了塑造人物形象的“功能”，作曲者喜多郎借助联觉将声音的特征与人物的外形、性格、心理等特征联系起来，从而用音乐来描绘人物。正如前面提到的，影片主题曲《heaven and earth》不仅是对战争的控诉和人性的关怀，同样也是黎丽个人命运和形象的写照，而她的命运亦是越南的命运。二胡、笛子、古筝所奏出的细腻而又伤感的旋律刻画出黎丽的女性气息以及苦难阴影所带来的忧郁特质，而磅礴深沉的管弦乐则体现出黎丽柔弱外表下坚韧不拔的性格，用她的宽容和坚强以及虽然减弱但从未消失的信仰来承受一切苦难。这种信仰来在于父亲从小对她的教诲。而在影片中，父亲形象出现时往往会伴随着清净祥和旋律音乐，黎丽在结尾处再次梦见了她的父亲，此时的音乐是伴随着钟声的女生哼唱，带有一种佛教特有的安详色彩，烘托出父亲的慈爱和如水一般澄澈宁静的品格，而随后的画面则是黎丽在祥和的乐声中给全村死难者上香，这也是父亲从小教给她的为人向善的道德准则的体现，父亲对她的影响早已渗入骨髓，永远不会磨灭。因此电影音乐可以深入挖掘演员内心的情感，表达“演员所不能表现、讲述的东西[1]”。
三、情感功能――塑造氛围，传递情感
彼得?拉森认为，音乐能“在作为一个整体的叙事中，或者在单个部分内部，塑造出‘情感’和‘气氛’……有时，音乐能够积极地塑造叙事的气氛，更准确地说，向观众指示出某一特定场景应该怎样理解和体验。[2]”在影片《天与地》当中，电影配乐具有高度的概括性，并能言说画面言外之意，因而在渲染气氛，揭示人物内心世界，调动受众情感上发挥了极其重要的作用。
整体上而言，《天与地》的电影配乐属于“交响乐散文诗”曲调舒缓而宽广，散置的长气息乐句铺满了整部影片，渲染出整部影片辽阔博大的氛围。整部影片的音乐并非是亦步亦趋的刻板的音画同步，而是以俯瞰的姿态，游离的方式审视画面，正是因为和画面保留着一定的审美距离，使得影片的音乐具有高度的概括性和包容性，赋予影片史诗般的情怀。而同时在剧情范围内的相对不确定性又能够提供给观众更加丰富的情感，比如在黎丽偷偷回到家乡看望父母时，她走在家乡的田埂上，一路上看着被战争摧残的故土和贫苦的村民，背负上叛徒的骂名过得异常辛苦的父母，伴随音乐《walk to viliage》响起，低沉缓慢的管弦乐和浑厚的圆号，凄凉的箫声交织在一起，传递出主人公内心难以名状的复杂情绪，对满目疮痍的故乡的心痛，对同胞的同情，对自身悲惨命运的感慨，对心中信仰的怀疑和失望，对战争的憎恶…….这种复杂的心理活动如若仅靠言语和动作必然会显得单薄无力，但是音乐所具备的多义性和高度概括性使之能够唤起受众丰富的联想，赋予受众以高于情感认同体验的理解能力，此时的电影音乐“不仅是影片整体情绪基调的显示器，它更作为一种***的理性意念而积极地参与到画面的造型中去。[3]”
导演自身对于影片的多义性情感亦通过影片配乐得以抒发，影片中富诗意的交响乐与东方式的唯美感伤与越南战场的残酷形成反照，战争场面并非音乐的着眼点，导演想要借音乐阐述的是战争背后对人类命运的思考和人性的追寻，在战争面前，人的命运，国家的命运如同坦克底下的一芥野草，在一种文明的过程中颠沛流离，而喜多朗的音乐则融合了对历史、自然、文化的思考和感悟，将斯通这个越战老兵内心对于越战的愤怒和批判以一种“无言”的方式表达出来，同时也让斯通内心强烈的负罪和愧疚感得到释放。
影音天地篇2
[关键词]刘天华； 串联； 转折
电影《刘天华》讲述的是我国重要的民乐音乐家刘天华先生一生的传奇事迹，通过讲述他从小酷爱民乐尤其是二胡，到后来任教北大再到他的创作和演奏方法引起了轰动，从而为中国的二胡发展和民乐进步作出了长足的贡献。在影片中，整体上和他所钟爱的民乐形成了良好的呼应。影片中，通过穿插和再现民乐的形式，包括一些音乐会、西洋音乐以及背景音乐的合理选配，都将电影《刘天华》呈现得淋漓尽致；同时，音乐对叙事的促进也使得整部影片充满了独特的魅力色彩。
一、有关电影《刘天华》的总体概述
在影片的开始部分，是由刘天华从小青梅竹马的结发妻子来叙述的，讲述了刘天华本人年少的故事。刘天华，字寿椿，江阴人。从小他就对音乐十分中意，尤其是自己通过在民间师傅那里学得的类似胡琴和其他的弦乐十分钟爱。并且性格温顺，喜欢听这类管弦之乐，常常因为和他人学习民乐或者听到好听的民乐而流连忘返。他的妻子和他是发小，可以说青梅竹马，在1914年的春天嫁给了刘天华，当时刘天华的父亲恰逢无常，家中老少不少，还有还未成年的弟弟需要照顾，加之刘天华成家以后，家中也新添了人口，一时间，家庭的压力和生计的挑战都使得日子过得清贫没有保障。这时候，刘天华就每每独自坐在家门口拉着自己的二胡，抒发心中苦闷的情绪。过了不久，他到常州的母校去担任音乐的教员，但是在教学的过程中发现，人们当时十分崇洋推崇西洋乐器如小号、手鼓等等，而对自己国家的民乐不屑一顾。教学任务无法继续下去，刘天华感到了民乐发展的桎梏和困难。对国乐的没落非常失望，惶恐，同时也对国人之于国乐的态度不平。一天，时任北大校长的蔡元培先生亲笔写下了聘书寄往刘天华家中，诚聘他出任北大的琵琶教师。刘天华独自背上了行囊，去往北平教书。在北大，他结实了他在音乐和人生上的挚友――来自俄国的小提琴教师古诺夫，古诺夫十分欣赏刘天华的才华，同时也赞扬他的人品，刘天华也对古诺夫在音乐教学上的独特方法表现出了极大的兴趣。在这样的环境中，刘天华提出主动向古诺夫学习小提琴的演奏技巧，并且通过对小提琴的学习，逐步改进他在二胡教学中的教学方法和理念。由于当时二胡在国内多是一些流传下来的民间的曲调而没有完整的音乐和乐谱，这使得刘天华逐步探索着二胡在长远发展中的模式。在这期间，他学习了钢琴、小提琴等西洋乐器，也为他创作二胡的完整的曲目提供了十分有益的帮助。在挖掘民乐的精华方面，他改进了二胡的工尺谱记法；另一方面，他也通过对西洋乐曲的学习，逐渐将合理的创作方法融入了国乐创作之中。在随后到来的“”的镇压中，不少学校受到了冲击，而刘天华也失去了他在北大的工作，古诺夫远走他乡。北大的同僚十分钦佩刘天华在音乐上的造诣和崇高的个人品德，积极为他谋求职位，而追随刘天华学习国乐的学生也越来越多。在对音乐的改进过程中，刘天华也对自己的人生做出了很多的思考，从人生的价值，到他面对人生的态度，他决定不再苦闷和挣扎，而是要积极面对自己对于国乐的态度和现状。在社会各方面人士的协助下，1930年刘天华在北京举办了一场十分具有价值的民族音乐会。他将其毕生所研究出来的关于民乐的改进、完整的曲目、优秀合理的表现方法等都统统地在众人面前加以表演，将一场国乐的精粹完整地呈现在观众的面前。他的这场演出也使得国乐从此在国人的眼中有了一种全新的认识和超越的地位，通过他的努力推广和宣传，人们开始正视我国自己的国粹和文化，同时，也对我国的国乐做出了更加客观的评价。在1932年6月，刘天华到民间艺人那里学习一种民间的音乐，不幸感染了猩红热，在医院***但抢救无效，于一周后6月8日在北京逝世。在刘天华的生命中，他将自己的全部生命奉献给了当时还处于比较低的地位的中国国乐，尤其是二胡。在众多的压力和质疑中，孤独地完成了他对于国乐的改进和创新，使得整个国乐的地位得到了大幅度的提升，也使得中国国乐受到了世人的尊敬。
二、《刘天华》中音乐叙事功能
在电影《刘天华》中，通过穿插合理的音乐，尤其是在专业方面的民乐的穿插和在背景音乐的布置和安排上，都很好地体现了音乐的叙事功能，尤其二胡这种从始至终独特的音色更是贯穿了整部影片的始终。
（一）影片《刘天华》中音乐与剧情串联
电影《刘天华》是关于刘天华本人的传记式的再现。影片中的音乐构成了剧情的整体串联。在刚开始的时候，出场的刘天华孤独拉着一把二胡，这使刘天华这个具体的个人形象首先比较清晰地呈现在了观众的眼前。而后，故事到了他结婚时，他和自己的青梅竹马的发小结婚的时候，穿插了民乐演奏的热闹音乐，这些音乐元素实际上一方面是民间结婚时必要的传统和习惯，另一方面，这些乐器的演奏也使得民乐首先以一种姿态出现在了影片中，并且构成了结婚的事情和故事的开始。而后是他的妻子嫁到他家以后恰逢他的父亲不幸去世，在这样的打击中，故事的情节发生了一点冷淡和哀伤的转换，在这样的故事和转换中，插入的音乐是刘天华自己在院子中演奏的一曲哀婉的二胡曲调，这也是对他之于父亲去世这件事的一种十分悲痛的体会和感受。在家境不是特别宽裕的情况下，压力使得刘天华不得不外出谋一份职位。在他到自己的常州母校担任音乐教员的时候，影片插入了民乐和西洋乐器乐队的冲突。国乐的演奏只持续了短短不到一分钟，就马上被现场观众的哄闹声盖过，而后很快地插入了同是一个学校的西洋乐队的声音，刺耳而喧闹，但是很有气势，几乎让刘天华指挥的国乐乐队无法继续演奏。在这样的状态下，实际上也突出了剧情想要表达的内容――中国的国乐和当时国人对西洋乐器的钟爱的出入是十分巨大的，在这种巨大的出入中，国乐显然被降低到了一个卑微的境地，而新进来的西洋乐器则得到了人们的喜爱和吹捧。在刘天华到北大任教的时候，他通过自己作曲，逐渐完善了一些二胡曲的片段。同时，在此过程中，不断穿来他在教学过程中的二胡演奏和琵琶的插曲，这些插曲使得剧情逐渐开始走向明朗。教学中，通过对琵琶和二胡的音乐元素的插入，呈现出刘天华教学的一些场景，推进了剧情的发展。
在剧情的发展中还有一点是值得注意的是，当刘天华到达北大任教的时候，北大同僚起初是看不起刘天华的二胡演奏的，认为他没有经过系统的学习和名师的指导。在刘天华的努力过后，尤其是刘天华开始在北大教授公开课并赢得了学生的欢迎和认可之后，他的同僚和刘天华在戏院偶遇，两个人在喝茶的同时只言片语聊了几句，而后注意力就转入了在演奏的现场的戏曲中，这些戏曲的插入对剧情，实际上也是有比较重要的推动作用的。在这样共同欣赏戏曲的过程中，同僚的那种起初对刘天华不屑一顾而后在民乐方面发现了他的天赋的状态就逐渐呈现了出来。同时，这样的会面，实际上也从侧面反映出，即使是接受着西方乐器熏陶和西式教育的人，还是对自己国家的文化和精粹抱有十分亲切的感触和需求的，他们希望通过日常生活，对于这类亲切的国乐的接触而体会到生活中民族感的成分，这也是戏曲插曲在剧情中的独特作用。
（二）影片《刘天华》中音乐揭示重大的转折
在影片《刘天华》中，音乐的叙事功能不仅仅在于串联了整个的故事情节和发展，同时对于整个故事主线上的重要转折，音乐的功能可谓是独特的，发挥了一个较为独特的功能――体现了重大的转折。这些转折在影片中通过音乐的形式独特呈现了出来。在影片《刘天华》中，有两处独特的音乐介入是值得引起我们的注意的。分别是两场音乐会的举办。在第一场音乐会出现的时候，剧情发展到刘天华到北大任教，当时，公开承认刘天华才能的人还寥寥无几，甚至连北大的同僚之间都没有对刘天华有客观的认识和评价，反而因为他拉的是一些流行于街头民间的东西而对他产生了一种浅薄的不屑一顾。而刘天华偶然结识的来自俄国的小提琴教师古诺夫则对刘天华本人抱有一种十分尊敬的态度，同时也对刘天华的前程十分看好。他组织了一场小型的音乐会，类似于音乐沙龙，请了一些当时同在音乐系任教的教师前来参加，也有仰慕这些老师的学生。大家轮流上去表演自己比较拿手的乐器。在这个情节上，通过音乐会的形式呈现出来了不同的音乐穿插。例如，其中中意于西洋乐器的老师表现中大多是西洋乐器的东西，有钢琴、小提琴等等，古诺夫本人表现的是小提琴的演奏。同时，人们也对西洋乐器的演奏更加中意。通过这场小小的音乐沙龙，人们可以看出来当时的状态是在教师和学生中普遍比较中意的是对西洋乐器的演奏和偏爱，在这样的演奏和偏爱中，西洋乐器的音乐出现的频率和所占的比例就比较多。而后，古诺夫邀请刘天华进行了一段二胡的演奏。刘天华在演奏二胡的过程中，这段可以算作比较完整的自创曲目在当时的小小的音乐沙龙上引起了一种比较轰动的效果。这里隐喻一种刘天华本人地位的转变和国乐命运的转变，而后衔接的是刘天华在北大开始教授公开课的历程。
第二场音乐会就是刘天华个人开办的，通过各方人士积极协助和筹备的专门关于国乐的音乐演奏。在这场演奏中，无论规模还是曲目，都发生了质的飞跃。在风格上，刘天华将已经成熟的民乐的合奏搬上了舞台。而后在曲目方面，刘天华主要演奏的是自己经过辛苦的创作成型的完整的曲目。这场音乐会的举办，是剧情的重要转变，从此，中国国乐在国人眼中的地位有了质的飞跃，同时，也是整部影片的高潮，加深了主题的呈现。
三、结语
在《刘天华》中，音乐的运用是比较普遍的，一种情况是通过中间穿插的关于各种乐器的单独演奏，这些演奏多以二胡的出现和琵琶等民乐的出现为主，串联了故事情节的发展和故事整体性的串联；另一种情况，是影片中比较集中的，对民乐进行了音乐会形式的表现和穿插。这种表现和穿插实际上将二胡的演奏和民乐的魅力呈现在了观众的眼前。同时，这样的整体性的穿插和安排也使得零散的民乐因素在串联了整个故事情节的同时，以音乐会的形式完成了重要的剧情叙事转折和高潮的定位。通过对音乐叙事功能在《刘天华》中的解读，为我们进一步解读影片提供了独特的视角。
[参考文献]
[1] 龚明华，孟翔.论电影背景音乐的情感体现[J].电影文学，2010（12）.
影音天地篇3
［关键词］中国电影音乐；多元化特征；发展分析
电影音乐作为电影的重要组成分，在体现电影风格、表达电影的主题、塑造人物形象等方面，有着不可估量的作用，中国电影音乐伴随着中国电影的发展，也走过了一百年的发展历史。一百年中有过坦途，也有过曲折；有过单一，也有过丰富。但是有一点是充分肯定的，那就是电影和电影音乐一百年的发展中，给我们留下了经典的银幕记忆之外，也为我们留下了很多脍炙人口和优美动听的电影歌曲和电影配乐。到今天，随着社会的发展和时代的进步，整个世界的文化发展已经呈现出一种全球化和多元化的发展趋势，电影音乐也不例外，在这种多元化的发展背景下啊，中国电影音乐也用敞开的胸怀，不断进行了各种内容和形式的探索与变革，体现出了中国电影人和音乐人的时代意识。本文就今天的中国电影音乐所表现出的多元化的特征，进行了初步的分析。
一、流行音乐的充分融入
流行音乐是当前音乐文化中最具影响力且最大的品种之一，引起通俗浅显的风格，最能够为广大观众所接受。特别是流行歌曲，歌词通俗易懂，旋律朗朗上口，情感指向简洁明了，不但有利的配合了电影的主题和情感，也成了电影宣传和营销的一个重要手段。首先是流行音乐在电影中的运用。其实中国电影早在20世纪50年代起就有了流行风格的运用，只是当时没有流行音乐这个词汇，但从音乐的实际风格和传播的效果来看，在本质上与当今的流行音乐是一致的。比如《铁道游击队》中的《弹起我心爱的土琵琶》，《柳堡的故事》中的《九九艳阳天》，《少林寺》中的《牧羊曲》，《红高粱》中的《妹妹你大胆地往前走》等，都曾经流传一时，万人传唱，甚至流传到了今天。今天的电影中流行音乐的运用，多是表现都市题材的或者普通人生活的影片，能够很好地紧扣住时代的脉搏，同时充满了个性化的色彩和浓厚的生活气息，拉近了影片和观众的距离。冯小刚导演的《没完没了》《不见不散》《大腕》三部曲，全部采用了流行风格的配乐，担任配乐的也都是年轻的音乐家三宝、叶小纲等人。《不见不散》中的歌曲《不见不散》由流行歌手孙楠演唱，一时间传遍大江南北。叶小纲配乐的《大腕》，演唱者是王菲这位个性歌手，她独特的嗓音和“念白”与“哼唱”之间的通俗演唱风格，将影片对现实生活的讽刺和现代喜剧效果紧密地联系在一起，取得了良好的效果。张扬到导演的《爱情麻辣烫》，其中汇集了多首流行歌曲，既有十几年前的歌曲，也有正在流行的，还有专门为影片新创作的。电影讲述了六段不同的爱情故事。第一段中，表现的是青春时期对于爱情的懵懂，选用了香港歌手苏慧伦演唱的《鸭子》，表现出了青年人的坦率和直白；第二段中年轻人对于生命、生活的自由自在的感受和认识，选用了刘若英演唱的《到处乱走》，配合着他们在货车上的欢呼和畅快；第三段表现了老年人的夕阳恋，插入了陈升演唱的《不再让你孤单》，体现出了老年人爱情有的温情和淡然；第四段表现的是两个身在爱情困境中的人忽然发现了玩具的魔力，玩得不亦乐乎，选用了《星星堆满天》，展现出了爱情的魔力和情趣；第五段是一对夫妻领取了离婚证，响起了陈升的《把悲伤留给自己》，虽然分开了，但是两个人之间的相互关心和牵挂没有改变。最后一段表现了追求爱情的人终于在最后找到了真爱，选用了张楚演唱的《结婚》，为影片画上了一个圆满的句号。为此滚石唱片还专门发行了《爱情麻辣烫电影情歌精选》。可见流行音乐在电影中的魅力之巨大。
其次是流行电影音乐对电影推广和宣传所起到的积极作用，在冯小刚电影《非诚勿扰》的前期宣传中，华谊兄弟就适时地推出了原声大碟，让旗下的诸多流行歌手倾巢出动，对于电影来说，取得了良好的宣传效果。同时，很多演员“演而优则唱”，或许他们的演唱水平还有待提高，但是就票房和人气来说，他们却是最佳的演唱人选。《十面埋伏》的主题曲《佳人曲》由章子怡来演唱；成龙成功主唱了他主演的影片《神话》；刘若英演唱了她主演的《天下无贼》中的《知道不知道》，又唱又演，极大地吸引了观众们的眼球。同时，各个流行大腕们也继续为电影献歌。李宇春演唱《十全九美》中的《梨花春》，张靓颖演唱《夜宴》中的《我用所有报答爱》，周杰伦演唱了《满城尽带黄金甲》中的《台》，流行音乐和流行歌曲，正以前所未有的开放姿态和现代电影充分地融合着。
影音天地篇4
关键词：动画 音乐 未来 发展
一、动画音乐概说
对于动画音乐而言，它以音乐作为第一要素，同时又兼顾视觉的外在表现形式，视听合一地展现其魅力，在这个过程中，动画音乐的视觉语言对整个艺术形式的视觉感染力起到了不可忽视的作用。动画音乐的视觉语音具有先天的优势，它最大限度地突破了明星表演、摄影机拍摄的局限，人类的想象力得以***，借助技术，最自由地呈现出来。这使得动画音乐的画面感不再受制于现实的技术和环境的影响，第一次将造型意识发挥得淋漓尽致，给观众视觉感受的极大满足，这是其它纯音乐形式和纯视觉画面艺术无法企及的。
二、动画音乐的重要意义
音乐是用来表达人们情感的反映现实生活的一种艺术。它是一种隐形的却极富感染力的语言。如果说沟通的语言是有形的。那么音乐就是无声的语言。音乐将我们带入更深的情感世界，有着更为直观的感染力。加强人对音乐的情感交流，同样，音乐对动画也有着很重要的意义。由于音乐的融入，更让观众有了一种身临其境的感觉。
动画音乐与电影音乐一样，都是电影的重要组成部分，是对电影的诠释纽带，一首好的电影音乐，对整个影片起着至关重要的作用。一部好的影视动画作品中画面想象、意境、气氛的营造、情感的宣泄等都与动画中的音乐密不可分。动画音乐的融入能更好的表达影片中的人物情感。动画音乐涉及的范围也是广泛并且多样的。包括了人文观念，道义的承担，使命是否为善；还有的表达着悲情万众的境界。有的是众志成城的胆识勇敢，还有的是善心仁厚的道德典范，这些都会在动画电影中体现。在各种形式的展现下，动画音乐要表达的是一种正能量，传达的是正确的价值观和人们的精神意识。有了这些不同形式的音乐的融入也展现人们的新的审美观。因为有了动画音乐，动画才显得更具有感染力和影响力。于是，动画音乐就成为了动画场景表现不可或缺的一部分。
音乐仿佛具有一种魔力，大大丰富了动画影片让动画更具张力的同时还深深的吸引着观众，成功的征服观众的心。动画将人物、画面、想象和音乐等完美融合，为观众创造了无数经典场景，使人回味无穷。因为有了动画音乐，动漫才更动画；因为有了动漫音乐，动画才更动人。动画已经离不开动画音乐的配合和渲染。影视动画的发展道路随着经济的快速发展也逐渐拥有了自己的一片天空，其中动画音乐更是具有自己的民族特色。但与国外，尤其是日本、美国的的一些优秀动画音乐相比，还存在很大的差距。其中日本动画电影音乐更是让中国观众耳熟能详，最为著名的莫过于宫崎骏的《天空之城》。
《天空之城》中的音乐被人们称为是巅峰之作。在影片中共出现了14首曲子，《the girl fell from》到《carrying you》，这些富有张力的音乐变化丰富了影片的表达效果，让影片更具情节行。悲剧的影片却有着曲风欢快，节奏明朗的音乐，使其形成了鲜明的对比，给观众带来的更多是震撼和赞叹。
动漫的背景音乐是宫崎骏的老搭档久石让。可以说久石让是宫崎骏的御用音乐人，他们有着长达几十年的合作历程，创作了《风之谷》《龙猫》《千与千寻》《天空之城》等多部作品。他将宫崎骏的动画赋予了灵性。例如动画影片中的《天空之城》，在这部影片中动画音乐颇有特色，极具吸引力。给受众留下了深刻的印象。《天空之城》中音乐的表达体现了动画音乐在动画中的影响。在动画电影中具有强大的艺术表现力和影片感染力。它使角色更深动，时空更紧凑，氛围更浓烈。《天空之城》中的音乐主题旋律悠扬，场景音乐与画面配合得十分完美，主旋律中的悲伤在这里被完完全全地流露出来。相比较于原著，这部电影增加了不少新元素，电影画面兼顾了科幻、神话色彩，又不乏欧洲工业***时期的味道。诸如在蔚蓝的天空中飞翔着的汽艇，在高价铁轨上喷出股股黑烟的日式火车，穿梭于天地之间的一对男女等等，相信这些画面也是宫崎骏迷们再熟悉不过的了。当然，让我们印象深刻的不仅如此，还有一直萦绕在观众耳边一首首精彩乐曲。让观众更多的回味。
“远处闪耀着光辉的地平线
是因为你在后面
点点灯火让人如此怀念
是因为你在其中
来，出发吧，把面包片
小刀和手提灯塞进书包里
还有爸爸留下的热情
妈妈眼中的深情
世界不停转动 你藏在其中
闪烁的瞳孔 闪烁的灯火
世界不停转动 伴随着你
伴着我们，直到我们重逢的那天
还有爸爸留下的热情
妈妈眼中的深情
世界不停转动 你藏在其中
闪烁的瞳孔 闪烁的灯火
世界不停转动 伴随着你”
《天空之城》的主题曲唱出了作品的深沉、伤感。无论是苍茫的天空、被天空之城遮蔽了的太阳，还是注视着他们的希塔和帕苏，无一不散发出了一种深沉与伤感。以此从人们内心深处撤拽出了另一种逝去的忧伤――它是天空之城的逝去，它是家乡的逝去，它是文明的逝去，逝去了的还有曾经拥有的过去。影片高潮部分，《the collapse of laputa》在不知不觉中悄然响起，默契地配合了故事情节的发展。此时，天空之城面临崩溃，但并没有歇斯底里，只是童声无词地吟唱在寂静中微微回荡，而和声在背后此起彼伏的追随，像是注视，抑或是聆听，也像是无言以对之后的一种附和。这是动画音乐在情景设计、情感抒发、时空的创造力的独特魅力；动画音乐在动画电影中的魅力在影片中展现的淋漓尽致。
三、浅谈我国动画音乐的发展
随着电影动画在上世纪步入中国，动画音乐也随之受到了很多歌迷的喜爱。动画音乐是动画中的一个重要组成部分，更是一部优秀动画中不可或缺的重要部分。中国动画音乐随着动画已经经历了一个漫长的过程。我国的动画音乐一直都有着自己的独特之处。一直本着制作寓教于乐的原则，创作了很多有意义的动画影片和动画音乐。启迪了很多喜爱动画作品的人们。动画音乐有着强有力的表现力，让音乐更有空间表现力，画面表现力。这种表现力需要创作者能够拿捏恰当，也更需要加入更多的其他创作元素。例如民族音乐，电影音乐和一些自创性音乐等。使动画音乐更新颖有力，但与此同时我们也能看到我国的动画音乐在发展现状中仍存有很多不足之处，距动画音乐成功还有一段很遥远的距离，与一些优秀影视动画及动画音乐的国家相比，还是存在着一定的差距。所以，对于中国的动画音乐发展，我们还需要不断的探寻，摸索属于自己国家的音乐发展道路，完善与利用好现有的资源条件，才能让我们现在拥有的资源得到更好的利用。还需要在利用资源的过程中发现更多新的创作模式。使我们国家的动画音乐有更广阔的发展空间。
我国动画音乐发展一直都比较缓慢和单一并且在这一块只有较少的人关注和深入研究。我国动画音乐注重于吸收，借鉴外来的动画音乐，却忽视了对于民族特色音乐文化的弘扬，对于传统的特色文化的传承和发展意识比较薄弱。一边我们应该学习国外先进的技术与经验，另一边我们应该重视传统民族音乐的发展。切记过度的模仿而缺失特有的文化内涵，在传承的基础上创新，灵活民族传统音乐。
比较美日动画音乐发展历程，不难发现，美国的动画在故事题材方面采取多元化形式，有童话故事，如《白雪公主》；有自创卡通，如《米老鼠和唐老鸭》；也有对其他国家传统文化的兼收并蓄，如近年热映的《功夫熊猫》。在动画音乐方面也同样秉持着这样的观念，使之与故事题材、电影画面完美结合。日本对动画音乐是极其重视的。日本的很多动画音乐都是由演员歌星来演唱的，再加上一些强大的音乐制作团队，使得动画更具专业性。让人在观看之后还有回味之地。让动画更加深刻有内涵，也增加了一些趣味性和艺术性。
我国的动画人士一直在努力探索着如何进一步推动国内动画事业，近年来在国家的大力扶持下也取得了长足进步，尤其是近年来热播的《熊出没》《秦时明月》等动画让观众眼前一亮，无论是人物的塑造，还是情景的设定都让我们有了进步的喜悦之感，扩大了受众年龄的范围。加之音学的魅力，使我国的动画音乐受到更多人关注。有越来越多的人对动画音乐开始研究，有了很大提高。但在动画音乐的创作上略显不足，缺乏趣味性，受众面过窄，音乐与画面不够融合。
一方面，我们的动画音乐得学习国外先进的技术与经验，另一方面，也必须重视我们民族自身的特点，不应该过度模仿，缺乏文化内涵。我们要坚持民族传统，大力发掘中国画、中国艺术的价值，灵活运用到是中国动画片以及动画音乐中去，突出动画音乐的民族性和文化内涵，对民族传统音乐文化的传承和发展。
目前，我国的动画音乐虽不及日本、美国等国家，但成长空间不容小觑。我们的动画音乐发展有着很多优势，在我们大胆借鉴外国优秀动画音乐经验的同时，还可以融入我国的独有特色。我国有着深厚的文化底蕴，五千年的文化古国为其发展创造了更多的有力条件，展现我们特有的民族风采。加快创意步伐，提高我国动画音乐的质量和发展速度，让中国的动画音乐走在国际的舞台上。
基金项目：
本文为四川省教育厅人文社会科学基金项目“吴应矩动画音乐研究”的阶段性成果，项目编号：DM201516。
影音天地篇5
关键词 电影 天伦 黄自 天伦歌 钢琴伴奏
音乐与电影骨肉相连，音乐让电影更加丰富、更加受到人们的注意。中国最早的电影音乐是摄于1929年、1930年12月3日联华公司出品上映的影片《野草闲花》里的歌曲《讨兄词》(词，孙成壁曲，金焰、阮玲玉演唱)，这是中国第一首电影歌曲(该片以蜡盘配音的方法配制)。从此以后，音乐和中国电影结下了不解之缘。
黄自是我国著名作曲家和音乐理论家，同时也是我国电影音乐的先驱者之一，他1935年为电通公司的影片《都市风光》作的开头音乐《都市风光幻想曲》，1935年春为联华影片公司的电影《天伦》写作的主题歌《天伦歌》(钟石根作词)都是我国早期电影音乐的优秀作品。特别是《天伦歌》影响深远，今天已经成为音乐艺术院校声乐教学的经典曲目而被经常选用。
一、关于电影《天伦》
电影《天伦》的产生时间离现在已经70多年了，很多人对这部电影知之甚少，所以，我们有必要先了解一下电影《天伦》。
电影《天伦》摄成于1935年，是上海联华影业公司摄制的一部黑白配音默片。编剧钟石根，导演费穆、罗明佑，主要演员尚冠武、林楚楚、陈燕燕、张翼、黎灼灼、郑君里、梅琳、顾梦鹤和童星黎铿，摄影黄绍芬，主题歌《天伦歌》作曲黄自，歌唱家郎毓秀演唱。影片描写了一个大家庭四代变迁的故事：一个浪迹天涯的游子，在老父弥留之际回到家乡，在病榻前，老父谆谆告诫儿子要担负家庭的责任，抚养妻儿，善待他人。几十年后，昔日的游子已成了老太爷，他的儿子高官厚禄，终日与妻子周旋于王公巨卿之间。老父忆及先父遗言，带全家回归乡里，筹办慈善机构。儿子过不惯乡间俭朴生活，不久就携妻儿返城。又过了多年，孙儿成家立业，想到祖父的遗愿，不顾父母反对，携妻回乡帮助祖父。这时，祖父因操劳过度突发急病，孙儿情急之下挪用救济院的经费延医诊治。在外的儿子和媳妇赶来探望。一家人团聚之日，老父想到自己已年迈体弱，决定以后由孙儿管理救济院工作，不料在交代账目时，发现孙儿挪用经费之事，遂又撤销委任。不久，老父病情加重，临终前又将其父之遗言告诫子孙，要他们把对家人之爱，推及到对社会人类之爱。
这是一部弘扬中国传统文化伦理道德观的影片，推崇“老吾老以及人之老，幼吾幼以及人之幼”(要像尊重自己的老人一样尊重别人的老人，要像爱护自己的孩子一样爱护别人的孩子)的大同博爱理想。电影1935年12月11日首映于上海大光明大戏院。1936年11月9日在纽约最华丽的LITTLE CARNEGIE大戏院正式放映“《天伦》美国版”，并被冠以英文片名《SONG OF CHINA)X中国之歌》。《天伦》是中国电影打进美国电影市场的第一部影片。与LITTLE CARNEGIE大戏院首映的同时，影都好莱坞的电影院评选会也召集专家对《天伦》进行三次试映评选，一致通过推荐《天伦》在好莱坞的FILMART艺术片电影院开映，奇迹般地连映了三个星期，创该院一年来票房收入最高纪录。继在美国开映后，《天伦》又在欧洲一些国家放映，实现了“国际献映”的目标。最先在上海首映的大光明大戏院，为分享《天伦》“国际献映”的盛誉，也引进“美国版《天伦》”，于1937年5月5日破例重映，可只开映了两天，拷贝就被香港皇后大戏院调走，供该院作为祝贺英皇加冕典礼的献礼片，在香港放映。
电影《天伦》在国内褒贬不一，原因是当时中国处于东西方文化积极碰撞、社会态度与社会标准几经变更的时期，博大精深的中国传统文化伦理道德观正遭受严重的挑战。在国外，它获得了一致的赞誉。《天伦》在美国首映成功受到热烈欢迎后，纽约各报和社会团体一片喧腾赞美：“《天伦》导演手法，演员演技，摄影技术均属清高雅洁，其中东方音乐尤足令人迷醉。”
二、关于《天伦歌》
要弹好一首声乐作品的钢琴伴奏，特别是艺术歌曲，不仅声乐部分要“声情并茂”，而且钢琴伴奏也要求做到“声情并茂”。要达到这种艺术效果，伴奏者就要和声乐演唱者一道，除了熟悉乐谱、配合默契外，还要对作品的相关知识做尽可能详细的了解和熟悉。
《天伦歌》是电影《天伦》中的主题歌，歌词与音乐表现的可贵之处是从自哀自怜之情绪中。化悲愤为力量，提出以“服务牺牲”的精神来实现“大同博爱、共享天伦”的理想。歌曲中纯朴优美的曲调和真挚动人的感情，使这首作品流传很广。这首歌曾由上海百代公司灌制唱片，片号35010。正面郎毓秀独唱，背面上海中学歌咏队齐唱及合唱，王允功领导，均由百代公司国乐队伴奏。上海音乐公司出版过石印的单张乐谱，并将此歌编入该公司出版的《中学歌集》。
全曲可以划分为三段(本文中《天伦歌》的曲谱请参看湖南文艺出版社2001年8月第1版、储声虹主编的《中国优秀艺术歌曲集1》第74页至78页)。
第一段是开始到第19小节，表现孤儿失去父母的痛苦和令人伤感、凄切的境遇，对孤儿的哀怨、现实的残酷与命运的无奈进行了细腻描写。歌词用悠悠白云和涛涛江水比喻人生的漫长，用无巢的小鸟象征无家可归的孤儿，用“何处觅源头”感叹失去父母的痛苦。歌声在凄切伤感的述说中展开，后面有悲伤的音调，如“人皆有母、翳我独无”：也有叹息、绝望、无助的音调，如第18小节第二次的“何处觅源头”。
第二段从第19小节第四拍到第30小节。开始比较悲壮和激动，音乐转入小调(f小调―c小调)。但从“奋起啊孤儿，惊醒吧”起，人们惊醒了，要对命运进行抗争，音调变得豪迈。
第三段从第31小节到结束，由两部分构成，分别是第31小节到第47小节和第48小节到结束。第一部分表现出“老吾老以及人之老，幼吾幼以及人之幼”的信念和“服务牺牲，舍己为人”的决心。在主题性格上，这里比第一段更为坚决果断，第一段里的抑扬格(从弱到强)的节奏在第三段里变成了扬抑格(从强到弱)的节奏。第48小节开始起，歌声用缓慢的速度、庄严宏大的旋律和丰满的和声一道，唱出了“大同博爱。共享天伦”的高尚理想。
三、《天伦歌》钢琴伴奏分析
《天伦歌》的钢琴伴奏有以下特点：
1、右手始终和歌声的旋律保持一致
在这首歌曲的钢琴伴奏中，不论左手怎么变化，音乐情绪怎么变化，右手从头至尾始终紧跟歌曲的旋律，也就是“带旋律的伴奏”。右手的旋律音根据音乐情绪、和声厚薄的需要而在旋律音的下方附加上和弦音，使右手 呈现单音、双音、和弦的形态。
2、音乐情绪和伴奏织体相统一
由于《天伦歌》右手始终是“带旋律的伴奏”，左手承担了塑造音乐形象和情绪的任务。左手伴奏织体的变化决定了音乐的性质。左手伴奏织体有：
(1)固定音型。左手固定音型，右手是旋律或在旋律音的下方加上和弦音。在开始到第8小节、第13到第16小节、第54小节到结束这几处，音乐用慢速、弱(p)的力度、降E宫调式上附加六度音的宫和弦的织体使音乐表现出淡淡的忧伤。
(2)分解和弦的音型：左手用从容的分解和弦音符的进行表现出忧愁的情绪，如第9到第12小节。
(3)左手模仿歌声的卡农似的音调，音乐是叹气、绝望、痛苦的。第17、18小节左手第三、四拍和第21、23小节左手第二、三、四拍的模仿歌声的卡农似的音调。
(4)左手震音音型。使用左手的震音来表现悲壮和从痛苦中奋起抗争的情绪，如第25到30小节。
(5)进行曲似的音型。这种音型加上稍快的速度和力度f，表现了音乐豪迈、向上的情绪，如第31小节到34小节，39到42小节。
(6)左手低音与双音的交替的音型。把和弦变成一拍两音的节奏来表现庄严宏大的情绪。如第48至51小节的左手部分。
(7)切分的柱式和弦的织体。表现悲壮的情绪，如第20到23小节。
3、和声使用上注重民族性
西方的艺术歌曲配上钢琴伴奏是一种常见的创作形式，但在当时的中国，对于如何使用西方的多声作曲技术来表现我国民族音乐风格还处于怀疑、争议、观望、起步、尝试和摸索这种十字路口阶段。黄自先生勇敢地、毫不犹疑地坚持“中西结合、洋为中用”的原则，即把西方的多声技术通过适当变通和改造，然后恰当地用来表现中国民族风格的音乐。这在当时是非常有远见的、了不起的、具有开拓性的做法。他的做法为中国音乐的发展起到了很好的表率和示范作用，他摸索的经验、体会、心得和成功实践，已经成为我国音乐发展史上的珍贵资料和宝贵遗产，对我国音乐的继承、发展和走向产生了深远的影响。
他在1932年至1935年期间创作的歌曲如《思乡》(韦瀚章词)、《春思曲》(韦瀚章词)、《玫瑰三愿》(龙七词)、《花非花》(白居易词)、《踏雪寻梅》(刘雪庵词)《点绛唇・赋登楼》(王灼词)，黄自谱写的钢琴伴奏都始终围绕尽可能表现我国民族风格的目标，取得了很好的效果。《天伦歌》创作于1935年，这时黄自已经在应用西方多声作曲技法和中国风味的音乐结合方面探索了几年，已经有很多可行的方法，也已经积累了一些成功的经验和心得，所以，《天伦歌》的钢琴伴奏注重表现我国民族音乐的风格，它具有如下两个明显的特点：
(1)五声调式的选用
使用降E宫调式民族五声调式(只在第20小节到30小节使用和声小调表现悲壮的情绪)。
(2)对三度叠置的和弦进行民族化处理
使用了省略偏音、和弦附加音、省略三音后的空五度和弦、低音尽量民族化等和声民族化的处理方法。
和弦采用附加六度音，如开始第1至第8小节降E宫调式的宫和弦上附加六度音。附加四度音，如第34小节使用附加四度音的和弦。另外，第34小节旋律是商音，为了突出了民族韵味，和弦使用的是羽和弦，旋律的商音与宫音在右手构成二度音程。
省略和弦三音来削弱功能和声的效果，第38小节是商和弦到徵和弦的进行，为了突出了民族调式的风格，两个和弦都省略三音而成了空五度和弦，低音用二度进行(不用四五度的强进行)。
省略偏音来表现中国民族调式，在35小节的第三拍是原位重复根音、省略三音清角的商七和弦，宫音和商音(和弦的七音和根音)形成小二度。第51小节第三拍是省略偏音(变宫音、和弦三音)的属十一和弦。
四、弹奏《天伦歌》钢琴伴奏的几个要点
1、对整首作品的段落、音乐情绪、速度的变化、唱歌的气口等要心中有数，要有全局意识。
2、双手音量比例、伴奏与歌声的音量比例正确。由于《天伦歌》右手始终是“带旋律的伴奏”，右手的最高音一般是歌声的旋律线条，所以要处理好高音部、低音部、中间和声衬托声部的音量，做到“低音厚实、高音清楚、中间和声衬托”的效果。此外，还要注意钢琴伴奏始终是歌声的烘托陪衬，要把握好自己的定位，音量上不能喧宾夺主，要认真地与歌唱者配合，使歌声与伴奏保持统一、融为一体、相映生辉，尽善尽美地去诠释它。
3、本曲的曲作者标记的速度、力度符号多，感情术语多。曲作者把《天伦歌》认为是一次用音乐净化人们心灵的大好机会，正如黄自本人所言：“有声电影为日下提倡音乐的良好上具”。所以作品中有用意大利文标记的，也有用中文标记的，标记得很详细。钢琴伴奏者应该用心去领会这些符号里的音乐情绪和内涵。
作品中大段的速度、力度标记，按顺序依次是：前奏(p)、慢：第一段是弱(p)和慢：第二段是稍弱(mp)和强(f，第26小节第三拍起)、稍快：第三段是强(f)、稍快、慢(第48小节起)。由于作者赋予三个段落不同的思想内涵和音乐情绪，所以使用了不同的速度和力度。第一段的“慢、弱”是孤儿失去亲人的苦痛，第二段的“稍弱、强、稍快、”是自哀自怜中惊醒后的觉醒，第三段的“稍快、强”是收拾起苦痛后的举动，后面的“慢”是为了表现人们应该追求的人生境界。
影音天地篇6
[关键词] 影片《立春》；音乐；音乐和画面关系
影片《立春》是顾长卫作为导演拍摄的第二部有关个人远大理想和残酷现实命运的相互碰撞为素材的电影。该电影描绘的是20世纪90年代早期，中国北部一个偏远闭塞小县城之中的几位所谓处在社会边缘的人对他们远大音乐理想孜孜不倦追求的感人故事。该电影故事情节令人感动，且思想内涵深刻，让人陷入深深思考。电影《立春》中女主人公音乐老师王彩玲，长得一副丑陋的面容，可她的嗓音非常好听，她异常热爱声乐表演艺术、并且对声乐演唱有着孜孜不倦的追求，特别是她对意大利歌剧异常热爱，未来能成为歌唱家在舞台上演唱歌剧，是王彩玲的远大理想和坚持不懈的追求。可是王彩玲的门牙外露、脸上长满了黑色痣、双腿弯曲，还有那满口的让人听不懂的地方方言的人物角色形象，和其孜孜不倦所追求的远大理想之要求有明显的差距。远大理想和残酷现实的相互碰撞，好像冥冥之中注定了其命运的起伏、艰辛和其远大理想实现的艰难、无可奈何的结局。与此同时，也让人们有了无限广阔的遐想空间。
众所周知，音乐是电影艺术的非常重要的组成部分之一，电影音乐的功能和价值就是给电影的主题思想服务，并且要和电影中心思想、人物角色外在形象、精神风貌、场景氛围、故事情节节奏演进、地域特色、民族特征、时代特征等紧密契合，和电影人物之间的对话以及声音效果，紧密结合、相互协调一致、逐步渗透，最终实现电影艺术的整体的视听功效。与此同时，电影音乐还有和电影画面一同展现的特点，可是电影画面有自身的艺术展现规律，且有其自身的***性，所以音乐和电影画面就最终形成了各种各样的链接组合形式，也就是视听互动、相互取长补短、相辅相成、相得益彰；抑或视觉和听觉上的渲染和对比、注重其不同性来推动电影故事情节的顺利展开。根据此种链接组合形式，我们可以大致把音乐和画面组合形式划分成音乐和画面同步以及音乐和画面对位两种形式。影片《立春》里面，电影导演不但把细致入微的电影镜头语言进入到电影人物角色之心灵，且在电影音乐的取舍和应用方面展现了特殊的角度与思想。影片《立春》电影音乐分为两部分，一是找职业音乐人进行原创，二是直接引入西方歌剧唱段和国内外代表性曲目。声乐演唱歌曲曲目的音乐艺术形象、特色和电影的主题故事情节完美融合，不但很好地表达、增强电影主角难堪的艺术地位与无可奈何的身份表征，与此同时，它又让这部电影弥漫着某种较为高雅的艺术意蕴，极具积极意义。
电影音乐和电影画面的对位
电影音乐和电影画面对位是电影音乐非常普遍的音乐和画面相互间关系和表现形式。它就是指音乐和画面在各种侧面、各种视角、各个层次的展现，使电影的发展节奏、速度的快慢、情感、意蕴都表现不一样，让人们有某种视听感官上的不一致的感觉，从而有种心灵上的震撼之感。
（一）歌曲《暮春》和电影画面的音乐与画面的对位
古典音乐和浪漫主义音乐代表人物舒伯特创作的《暮春》，是根据德国人伍兰德所创作的诗歌的一部分而创作的歌曲。《暮春》音乐旋律优美动听、淳朴，它展现的是大自然的生机盎然，且极具和蔼可亲、纯洁、美好的浪漫主义意蕴。电影伊始，大街两旁的广播里面，歌曲《暮春》的音乐首次响起来，高雅、动听的女声音色在城市空中来回飘扬，该歌曲给人一种对明媚春天的绿色和鲜花盛开的憧憬之感。就在这个时候影片女主角王彩玲那对未来充满渴望的地道包头地方语言的声音响起：“等过了立春，事实上城里春天景色还不明显，不过风真的和以前不同了”，电影画面展现的是我国北部小县城雾蒙蒙、冷飕飕的天空下川流不息的自行车流与紧赶慢赶去单位上班人们那面无表情的脸庞。电影开头就把对未来充满无限希冀的优美动听的音乐旋律和死气沉沉、封闭的北部小县城形成很大的落差表现出来，这也预示着女主角对音乐艺术的孜孜不倦之追求和向往，还有其在小县城中的那种让人深表同情的遭遇和命运的不公平。
（二）歌曲《乘着音乐之翅膀》和电影画面的音乐和画面的对位
门德尔松是闻名世界的德国音乐大家，被人们称为极具浪漫主义风格的作曲家，他的音乐作品优美、动听。《乘着音乐之翅膀》，是其根据著名诗人海涅的诗歌而精心创作的。这个曲目以流畅轻灵的音乐旋律、极具动感的快速音乐节奏以及由分解和弦组成的舒缓的音乐伴奏，将船逆水而上、船动人欢乐之惬意电影画面描绘得栩栩如生，这幅***画温馨、惬意和极富浪漫主义气息———“乘着音乐之翅膀，和心上人一同来到恒河两岸，在那玫瑰与紫罗兰盛开的、清香四溢寂静夜晚，静静听着远方恒河河水发出的流水声，在树林里面尽情享受爱的喜悦和对未来幸福生活的憧憬”。
在这个小地方的露天表演中，人们对鲜花锦簇的扭秧歌报以热忱与经久不息的鼓掌声，不过当代表西方艺术的芭蕾舞蹈登场的时候，却招致人们的哄堂大笑，变成人们嘲讽的目标，观众都纷纷散去，就在王彩玲唱起《乘着音乐之翅膀》这首歌的时侯，空旷露天广场上早已空无一人，王彩玲只能硬着头皮坚持演唱。此时，伴随着王彩玲委婉动听的歌声，天空逐渐飘下朵朵洁白雪花，此情此景就是王彩玲们心中凄凉悲楚的真实反映。就在这个时候，王彩玲们被当做小县城中的异端，面对人们的冷言冷语，那凄凉悲苦之心灵，获得真实的展现和描绘。电影第二次运用音乐和画面对位的方法把音乐中极具浪漫和温馨的温暖和实际生活中凄苦、冷漠形成极大的反差表现出来，让观众有强烈的震撼之感受。
电影音乐和电影画面的同步
音乐和画面的同步同样是电影音乐里面非常普遍的展现音画相互关系一种形式，它是指音乐和画面展现的内容基本一致，节奏和人们的视听感觉都基本一致，有渲染电影画面之功用，让电影音乐与电影画面外在形象取长补短，最终实现完美结合。
（一）歌剧片段《为艺术和爱情而献身》和电影画面的音乐和画面的同步
19世纪欧洲真实主义歌剧创作的代表人物普契尼。其创作的音乐作品着力于表现普通人之感情和命运，以批判社会的不公。歌剧《托斯卡》是普契尼代表作。画家玛利奥由于帮助不同***见者而坐牢，玛利奥女朋友托斯卡是一位歌唱家，她不停四处打听去救玛利奥。警察总监司皮喀亚答应能够让玛利奥出狱，不过前提条件是托斯卡做他情人，为了救出玛利奥，托斯卡假装同意并趁司皮喀亚不备杀死了他。第二天早上，玛利奥被处死，托斯卡自杀殉情。《为艺术和爱情而献身》是该剧主角托斯卡的咏叹调，真实展现了她对音乐、恋情与美好生活的无限热爱以及在悲惨命运面前的伤心无奈的心情。
影片《立春》之中，王彩玲那在北京研修的生活与其清高的艺术追求，让她和小县城的封闭落后反差极大，在远大理想和残酷现实的交替碰撞中纠结不清，发自内心的真心与诚挚爱情换来的却是冷漠与谎言。电影中王彩玲再次来到中央歌剧院毛遂自荐，可是歌剧院相关人士再次不接纳她，甩门而去，王彩玲情急之中尾追出去跪在地上唱起了咏叹调：“上天啊！为什么对我如此冷漠无情？”高音的部分犹如在大声嘶喊，此时音乐和人物角***感达到顶峰。王彩玲的无助、迫切和托斯卡悲愤交加的情绪完美结合在一起，电影音乐和电影画面所展现的基本内容、人物情感和故事节奏达到一种高度统一和和谐。音画同步的方法增强了电影人物的悲剧色彩，让人们心灵得到震撼。也让人们在音乐的感召下，深刻体会着对音乐艺术追求的人们对不安于小县城可又不能在城市生存，家乡与异乡的排斥导致其孤傲的心灵被狠狠地撕裂，以致和托斯卡一样陷入悲惨命运之中，不能自拔。
（二）中国古典歌曲《阳关三叠》和电影画面的音乐和画面的同步
中国古典歌曲《阳关三叠》是根据唐朝著名诗人王维的诗作而创作的歌曲，该曲表达了和朋友分别的时候恋恋不舍的悲伤情绪。“叠”指的是反复和积淀，运用到音乐上就是乐曲的反复。该曲多次咏唱了三次，因此叫做“三叠”。
电影中，影片主人公再次报考中央歌剧院。中央歌剧院办公室门开的一刹那，飘出唱出的歌词———“载驰骃，载驰骃，何日言暄轩辚……”大意是：“马儿驮着你即将离开，什么时候才能返回，就是纵情喝酒还好多次呢”。对于王彩玲来说，她为实现远大抱负，不顾一切反复去首都寻找实现理想的机会，就像蛾子飞火那样九死不后悔。王彩玲那远大理想犹如彼岸的美丽花朵那么绚烂可接近不了，可是人在此岸的王彩玲不甘心仅仅是在观望，两岸间遥不可测的距离使王彩玲望而却步而又不愿意放弃机会。音乐和画面同步的处理方法，让歌曲中强烈的游离气息真实地展现出女主人公心中那悲凉、无助和流浪之感受。
电影结束时：一晃几年时间的流逝，宁肯去上街卖肉辛苦赚钱也不愿意轻易成家立业的王彩玲带着其抱养的孩子再次坐车来到首都北京，王彩玲和孩子在天安门广场上玩游戏。此时母爱尽显的王彩玲是那么的漂亮。孩子那稚嫩的嗓音会唱出妈妈那优美动听的“咏叹调”吗？雄伟的天安门城楼下面，母女二人对未来充满希望的背影让人心酸，可由心酸而极具浪漫色彩。
电影结束的画面，导演特意安排让影片女主角实现其远大理想。“王彩玲身穿漂亮的礼服，高傲地站在神圣的艺术舞台上，深情地高唱她最喜爱的《为艺术和爱情而献身》”。实际上这仅仅是导演送给影片主人公的一个梦想，因为《为艺术和爱情而献身》是其人生中心主题。电影结束时银幕上显示“以此景献给王彩玲们”。这一幕用“艺术表现形式”来慰藉“现实世界”的王彩玲，与此同时，也给人们对未来带来希冀。
影片《立春》之中的电影音乐和电影画面所构成的音画关系，使电影的主题得到深化，让电影人物角***绪获得切实渲染，也形象生动地展示了影片主角王彩玲那极具浪漫色彩、茫然不知所措、悲凉的奋斗历程，切实激起了人们对音乐艺术和人性的追求，在很大程度上提高了影视作品的迷人魅力，该片可以说也是电影音乐中声乐作品应用的杰出代表。
[参考文献]
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影音天地篇7
[关键词] 电影音乐；《歌剧魅影》；人物心理；合唱；美声
《歌剧魅影》最早的原型是出自法国作家加斯顿・勒鲁的小说《歌剧魅影》，自1911年诞生起便以各种形式给观众们无数的惊喜，其中安德鲁・洛依德・韦伯改编的歌舞剧是其巅峰时刻。后来导演乔尔・舒马赫再次将此神作改编为电影。以最新的技术和拍摄手法将此剧送上了大屏幕，使得全片以一个既保持经典又焕然一新的面目呈现在世人面前。各种音乐元素贯穿于整部影片始终，本文将从三个方面来诠释这部经典电影中的音乐元素。
一、电影音乐揭示人物心理
在电影中，观众了解一个人物或体验人物的内心活动，不仅可以从屏幕上他(她)的台词、动作、表情来体验，更为重要的是，音乐赋予了每个特定人物以特定的音乐表现。也就是说，观众不仅可以在电影中看到剧中的人物，还应当能够“听”到人物的性格特点和内心世界。事实上，电影中的每个角色都应该有着属于自己的音乐语汇，这种特定的语汇可以表现为一个标志性的音调、一组典型的节奏、一段固定的音区、一种特殊的音效甚至包括演员在演唱时所运用的嗓音特点等。这些音乐元素都能够深刻地描绘出人物的性格和其独特的内心世界。
1，《音乐天使》(Angle of Music)
这段音乐表达了克莉丝汀对音乐天使的崇敬。演出结束后。克莉丝汀获得了巨大的成功。在她的化妆间，她的芭蕾舞伴梅格问起那神秘的老师。克莉丝汀唱起了《音乐天使》。韦伯在处理这首歌时，巧妙地表现了克莉丝汀情绪变化的特点。这首歌曲由于演唱人物的变化而分为前后两部分：前半部分是梅格和克莉丝汀的重唱，这部分进行了三次转调，由b B大调开始，在两人交替的对唱中，调式也在大小调中交替变化，附点八分音符的重复强调以及连续的八分音符下行，造就了节奏上的稳定感，暗示了克莉丝汀对音乐天使的信任。在音响上也是配以柔和的弦乐，烘托出克莉丝汀内心的崇敬之情。当克莉丝汀唱到“音乐天使保护我，指引我，把你的荣耀赐予我”时，调性由g小调转至D大调，梅格加进了二声部重唱。而伴奏在低音部分变成了八分音符固定低音，使人感到一种紧张的气氛，描绘出了克莉丝汀对音乐天使的崇敬，但又感觉到音乐天使无处不在而觉得恐惧的矛盾心理。
第二部分也是采用对唱方式来表达情感的。在旋律、调式和节奏上依然是沿用第一部分的。但是以幽灵的喧叙性段落开始，在力度和语气上完全不同。在克莉丝汀回应到：“天使啊，到我身边来指引我”时，幽灵看到了克莉丝汀对他的依赖，幽灵唱的旋律完全被一种柔情所笼罩，弦乐伴奏也恰到好处得回到第一部分的速度、力度和风格。最后在克莉丝汀的旋律上转到D大调。造成层层递进的效果，表现两人在心理上的不断变化。在伴奏方面采用了柱式和弦，固定低音也加强为八度音程。在最后幽灵反复唱到“我是你的音乐天使。来我这”要带走克莉丝汀的时候，固定低音变成了十六分音，把恐怖、神秘的气氛烘托到极致。
2，《夜的乐章》(The Music of the Night)
这段音乐中幽灵对克莉丝汀表达了自己的爱意。随着幽灵的出现，缠绕在克莉丝汀脑海中的疑惑终于解开。音乐的魔力和神秘的气息使克莉丝汀心醉神迷，来到幽灵的住所之后，他唱起了《夜的乐章》向克莉丝汀表达爱意。缠绵而又诡异的情歌是幽灵对自己内心情感的剖析，他深爱着克莉丝汀。希望她来到自己的世界，并完全属于他。在这里还可以看出幽灵对克莉丝汀的爱情中。除了男女之情外，还有一种像艺术家对自己最得意作品的那种痴迷之情。克莉丝汀是他的音乐天使，只有她能够演绎他的音乐作品。歌曲将幽灵对克莉丝汀那种畸形的爱，不正常的占有欲望表现得淋漓尽致。同时为幽灵在发现克莉丝汀即将不属于他的时候而做出疯狂的行为做了铺垫。
3，《别无所求》(All I Ask of You)
这段音乐表达了克莉丝汀和拉乌尔的爱情。歌曲一开始。有木管乐器加竖琴奏出了一段极为温暖的主题，这一主题是幽灵带上面具时。表达他细腻的内心情感的旋律。再次出现同样是表达那种和风细雨般的温柔情感。拉乌尔开始是用深情、坚定的音调安慰克莉丝汀。这段音乐以一段五声风格的旋律开始，清澈温柔的音调，使人感到轻松、安逸。旋律通过六度大跳描绘了拉乌尔内心炽热的爱情。A段通过反复后又延伸出一个新的乐段。B段的情绪比A段更为强烈，这段由克莉丝汀唱出，并出现了九度和七度大跳，配以伴奏声部的柱式和弦，渲染了克莉丝汀此时那种激动的心理。拉乌尔和克莉丝汀各自表达着自己的情感。A、B两个乐段交替反复。并随着弦乐的旋律不断向前推进，最后发展为两人和声性的二重唱。弦乐伴奏恰到好处地表现出了他们缠绵的爱情。幽灵一直在暗中看着两人倾吐心声，他无法容忍拉乌尔和克莉丝汀的爱情。无法接受克莉丝汀不再属于他。此时，这首山盟海誓的咏叹也成为抒情的高潮。整部电影的矛盾在这样一个表现爱情的段落之后逐渐展开。
二、美声唱法在电影《歌剧魅影》中的表现
电影《歌剧魅影》中由于剧情的安排，多次出现了歌剧片段的演唱。不仅在歌剧场面出现时增加了不少花腔性的唱段，而且剧中主要演员的唱段音乐的戏剧张力强烈，篇幅长、音区跨度大，需要演唱者有着良好的美声功底才能将歌曲完整地表现出来。在《歌剧魅影》的音乐布局中，大量的宣叙调和咏叹调巧妙地融合，演唱时各个人物都将自己的角色性格融入语气中，因此虽然众多声部交织在一起，但声音的层次很鲜明，声音已经将人物形象展现得活灵活现了。
1，《想起我》(Think of Me)是女主角克莉斯汀的一首经典的独唱段落。这是一首小快板速度的歌曲，但在演唱时不能抢速度，而是要将抒情的味道唱出来。在演唱这首歌时。用声要轻，声音要流畅舒展，对于歌曲中多次出现的八度大跳，喉头要牢牢稳住，气沉下去，声音被拢得很圆，头腔共鸣很明显，因此唱起来才能轻松，并且很有穿透力。在中低音区，咬字要非常清楚，音乐娓娓道来，如同说话般的轻盈。这首歌的尾部是个花腔式的结尾，需要很好的美声唱法基础，声音要求灵活轻巧。把女主角对心上人的爱和对魅影的迷恋以及少女的无助和爱恋表现得异常完美。
2，《歌剧幽灵》(The Phantom of the Opera)以男、女主人公的对唱及合唱为主体。配以管风琴的巨大音效和弦乐的强烈主题。营造出了紧张而又令人兴奋的氛围。歌曲一开始是两人的对唱。音区并不高，这里要注意声音可以 带一点说话的语气，但不能太白。到了合唱部分，歌曲也渐渐进入了高潮，音区也提高了。这里对气息连贯性的要求也加强了。特别在“The phantom of the opera is there”这一句。一个四度跳进之后便是音的急进下行，声音要得到气息强有力的支撑很平稳地流淌下来，而不能给人有“断”的感觉。音乐的调性在不断地变化，音区也在不断地往上升，在歌曲的最后，克莉斯汀的唱段极其有挑战性。她在幽灵的催眠下陷入疯狂，她开始像练声一样：“啊”不断演唱同一段旋律，不断升调。最后，在幽灵：“为我歌唱!”，克里斯汀爆发出了一个惊人的高音……调性从bA调到bB调再到c调，这段对演唱技能的要求非常高，基本上都是由长乐句组成，中间是不可以随便换气的；而且在这么高的音区。气息的支撑非常重要，一点都不能松，声音与气息要达到最佳的结合点，口腔要完全打开，感觉声音从咽壁贴着后脑勺向上由头顶出来。
三、重唱的运用
重唱在歌剧中是不可或缺的一种演唱形式，重唱是指两个或两个以上人物的声部发生叠置现象的声乐段落。按声部数目分类，可分为二重唱、三重唱等，
影音天地篇8
［关键词］电影音乐；多元化；发展趋势
自2001年12月11日中国加入世界贸易组织WTO后，出现经济全球化和文化多元化，此时中国电影界面临着电影全球化与全球化电影两种时代。这对我国软实力文化的代表——中国电影来说，竟是重大机遇更是重大挑战。不仅如此，由于全球化入境，给中国电影观众带来更多的新思想新观念，观众对电影品味的要求越来越高，艺术欣赏品味大大提升，这对中国电影音乐创作无疑是空前巨大的挑战。同时，近年来中国乐坛快速发展，壮大，新生出大批风格鲜明，独特创新、锐意进取的音乐人，音乐人利用先进的科技数字音乐和中西结合的创作方式，为中国电影创作了许多优秀作品，同时为中国电影音乐立足于世界电影音乐坛，作出了巨大贡献。因此，21世纪在这种发展形势下，中国电影音乐出现了多元并存的特征，民族、流行、数字等各种风格。
一、民族民间音乐
即使中国现代电影音乐出现多元化特征，但中国电影音乐的主流，显然还是中国民族风格。从电影音乐的产生到发展再到成熟直至今天，中国民族风格一直是吸引观众的主要因素，因此中国民族风格音乐一直是作曲家为电影配乐的主要参考对象，音乐素材很广泛，不管是民族曲、民谣还是古曲都可提供作曲家参考。不论是早期的影片《可可西里》《花腰新娘》《刘三姐》等，还是上世纪末获得奥斯卡音乐大奖的《菊豆》《十面埋伏》《无间道》，等等。这些影片深深打动了每位观众以及各位评委，获得世界人民的喜爱，其中民族风格的影片音乐对电影具有很大的感染力。即使到了21世纪的今天，中国民族音乐风格仍然在影片音乐有着不可动摇的位置，依然是主流。比如知名电影《梅兰芳》《集结号》《云水谣》等，这些影片音乐配乐制作过程中，民族风格充满着整部影片。尤其是影片《云水谣》电影音乐是由三种元素巧妙融合，内地音乐、音乐以及台湾民歌。这三种元素的结合使得影片的感染力极大增强。
随着时代的不断进步，不断发展，现今电影在音乐的制作过程中，不是运用那种一成不变、原汁原味的民族音乐，而是在传统的基础上，进而对原生态音乐不断继承、弘扬、发展，对民族音乐进行新的诠释。民族音乐本身具有无限的魅力，我们要对民族音乐进行挖掘，进行创造，使其突破旋律单一、改变民族音乐上的局限性。让它富有世界音乐元素，例如可以通过采用极端不同于传统的先锋乐派表现手法、改变音乐声音和乐器在配置不同的技巧等，使民族音乐释放出无限的效果。例如《梅兰芳》中的音乐就在刻意回避京剧元素在影片中出现，高妙地利用管弦和京曲结合在一起，刻画人物形象入木三分，对于梅兰芳和孟小冬的爱情故事的描写特别细致，影片在回避京剧元素却在片中折射出京剧的影子。特别是在影片音乐主题中，融入了钢管，影片主题音乐更加气势磅礴，影片中梅兰芳那份高尚的爱国情操和不畏权贵、坚强不屈的民族气节，全面生动地展示和体现。电影音乐对民族音乐进行重新诠释，重新定位，不仅仅要突出民族音乐本身就有的风格，最终的目标是通过音乐弘扬中国民族文化，中国民族精神。正如电影《噶达海林》的主题曲的制作，引用了大量的蒙古族民族音乐风格，如长调、短调。同时借用各种舞蹈，如盅碗舞乐、安代舞乐，等等。影片作曲家三宝，运用这些交口称誉的民歌，在乐器上采用马头琴，演唱者是著名歌手腾格尔，种种完美结合，唱出了蒙古民族的力量无穷无限，蒙古的英雄勇猛无敌，不可战胜。
二、古典音乐
在电影中很多导演都因为引用古典音乐或是古典作曲的方式技巧来为电影配音乐，这种手段能使影片艺术品位和格调更加高雅，思想更加深刻。在全球化，在观众对电影欣赏水平不断提高的今天，借鉴、运用古典音乐这些外来音乐形式，是社会发展的必然趋势，这样才能为电影音乐带来更加进步和发展，才能满足各类观众的不同审美观。《卧虎藏龙》电影音乐《永恒的誓言》在第44界格莱美音乐“最佳古典音乐”大奖晚会上获得提名。这就是由国际著名作曲家谭盾先生运用古典创作手法谱写的音乐。
中国知名导演陈凯歌影片《和你在一起》，古典主题音乐，使整部影片中都弥漫着古典气息。整部影片中引用了很多著名音乐大师的知名作品，在影片中各种人物、主人公的演绎、内心情感的表达以及故事情节等方面都发挥着极大的作用。如在影片中播放柴可夫斯基《D大调小提琴协奏曲》，影片主人公小春听到后，顿时热切希望演奏，对音乐充满兴趣，充满激情。从影片中主人公对柴可夫斯基的《D大调小提琴协奏曲》的演奏，让观众看到了小春演奏技巧的精湛娴熟，同时也感受了小春内心那交织复杂的情感世界。
三、西洋音乐
在新时期初期，有两部影片《生活的颤音》和《小花》中主题音乐备受关注。其中一部《生活的颤音》的主题音乐是由一首纯音乐配乐而成。影片中主题音乐的节奏紧密配合片中人物的内心活动，使音乐作为刻画人物性格、传情达意的重要手段，艺术感染力很强。然而影片《小花》的主题音乐的配乐和《生命的颤音》的配乐形式截然不同，它是以歌曲和音乐密切结合。使得歌曲的感召力与表现力大于其他的配乐。从20世纪末和21世纪初，这段交接时期开始，中国电影为了走向世界，在世界上有一片天地，不仅在音乐作品中借鉴大量外来元素，更是邀请外国作曲家加盟联合。例如，国产大片《十面埋伏》《满城尽带黄金甲》等影片的主题音乐都是日本著名作曲家梅林茂作曲。影片《无极》更是美国好莱坞资深作曲大师克劳斯·巴代特作曲。同样，中国大腕级音乐家也为海外作品作曲。
影音天地篇9
等待心中的茂林哥
小翠一直未嫁
上世纪60年代初，我国有两部电影对青年人影响很大，一部是《冰山上的来客》，一部是《我们村里的年轻人》。那时，到处都有人在唱《花儿为什么这样红》和《人说山西好风光》。
在北京三里屯，一个叫俞湖的15岁小姑娘，对这两部电影的迷恋就不仅是唱唱歌了。这个情窦初开的小姑娘喜欢上了这两部影片的主角，《冰山上的来客》中杨排长和《我们村里的年轻人》中曹茂林的扮演者梁音。她向往着长大后嫁一个梁音这样的男人。
1967年，19岁的俞湖高中毕业，到北京市第六标准件厂幼儿园当了一名幼儿教师。同事和亲朋纷纷给她介绍男朋友，可她用偶像做尺子，一连几个都没谈成。
一晃，已经错过了许多时光，俞湖只好降低标准，心想：只要外形像梁音就行了。可这样的人到哪儿去找呢?
1985年，俞湖37岁，她对婚姻之事已死心。无数个夜里，抱定独身的俞湖躺在床上，想着梁音，泪湿枕巾，心里很苦、很屈：暗恋梁音几十年，可人家根本不知道，不要说见到梁音本人，就连梁音生活中说话的声音她也没听到啊!
几天痛苦的犹豫之后，1985年7月的一天，俞湖给梁音打电话了。梁音的爱人，长影演员杜凤霞接了电话。
虽然没和梁音通上话，但俞湖心里还是充满了喜悦。她觉得，梁音的爱人都这么有修养，梁音一定会更加平易近人。
几天后，她终于和梁音通了话。俞湖激动地同梁音谈了他的电影，表达了对他扮演的角色的喜爱和理解。
谈了一会儿，俞湖转到正题：“梁老师，我今后能不能经常给你家打电话呀?”怕梁音不同意，俞湖又补了一句：“梁老师，请不要回绝一个崇拜你的观众。”梁音笑了，很随和地说：“可以，喜欢我的观众很多，他们常来电话，只要我在家，观众的电话我都接。”两人又谈了一些电影方面的事，就放了。
从那以后，俞湖每隔一段时间就给梁音家打电话，谈话天南地北，无所不及。俞湖把和梁音通电话当成自己的精神寄托。
随着时间推移，俞湖和梁音全家的友谊加深了。1988年夏天，梁音在长影做化装师的大女儿梁玲到北京买道具，就住在俞湖家。俞湖陪梁玲跑遍了北京城。梁玲回长春不久，梁音来北京录制《冰山上的来客》片断，俞湖终于见到了自己的偶像。
那是他们第一次见面。见俞湖很紧张，本来和她面对面坐着的梁音，心很细地挪到她的侧面……那一次，他们聊得很开心，俞湖觉得现实中的梁音和她想像中的没啥两样。因为晚上要拍片，那晚的会面很快就结束了。
2000年12月的一天，梁音突然打来电话，告诉俞湖，杜凤霞因脑溢血突然辞世。之后，过度悲伤的梁音，在3年多的时间里没和俞湖联系。
不能让茂林哥
被别人抢走
2003年6月25日下午5点多，俞湖正在家里洗衣服。突然，她听到电视里传来非常熟悉的《花儿为什么这样红》。俞湖马上跑到电视机前，央视正在播放《艺术人生》，《冰山上的来客》剧组人员再聚首，她看到了梁音。
梁音依然那么清瘦、憨厚、干练而帅气。突然，她听到扮演真古兰丹姆的阿依仙姆问梁音：“梁音老师，听说你的老伴去世了?”梁音连忙说：“咱不谈这个。”她看到了梁音脸上的痛楚。节目继续着，俞湖看到了让她心跳的场面：一位女观众给梁音献花，并当众同梁音拥抱；一位女观众竟然当众向梁音求爱。
那天夜里，俞湖失眠了。她无法让自己平静下来，甚至有了委屈得要哭的感觉。她暗恋梁音40多年，多么渴望能和梁音拥抱啊!她一直觉得那是奢求。可是，节目现场的女人们凭什么就那么轻松地拥有梁音的拥抱呢?
突然，俞湖心里有了深深的惧怕，她感到，如果再不向梁音表明心意，她苦苦暗恋40多年的梁音也许真的会被别人抢走。她决定向梁音求爱。
说干就干，第二天，俞湖就给梁音的大女儿梁玲打电话。她单刀直入地说：“玲玲，你知道，阿姨一直是爱你爸的，阿姨希望能照顾他的生活。你能跟你爸说吗?”梁玲说：“俞湖阿姨，你是我家20多年的老朋友了，你虽然没和我妈见过面，但你们两人通了那么多电话，你和她也是老朋友了。我真心希望你走进我们家，我去做我爸的工作。”
同梁玲通电话的第二天夜里，俞湖就鼓起勇气，给梁音拨了电话。
电话里，俞湖不容梁音说话，劈里啪啦地把心里话一股脑全说给了梁音。她说了少女时代对梁音的思念，说了后来以他为尺子没有找到心上人，又说了现在想嫁给他，照顾他的生活。把这一切说完后，俞湖不出声了，脸热得烫人。
电话那头，梁音慢慢地说话了。他说自己年龄大了，不想再娶，趁现在能“蹦达”，要多走走，多看看，等走不动了，就在女儿家安度晚年。
俞湖差点儿哭了，心一横，愣劲儿上来了。她想，死马当活马医吧，她得把心里话都说出来，如果梁音再不同意，她也没什么遗憾了。
俞湖说：“玲玲没跟你说吗?成不成家不是你一个人的事。成家后你会更幸福，会有人帮你，料理你的生活，精神上会更好，人会更年轻。我不***你是名人，就喜欢你朴实，人好，没架子。”听俞湖这样一说，梁音考虑了一会儿：“俞湖，既然这样，咱们有机会见面再聊吧!”
梁音没把话封死，俞湖心里有了些快乐。那以后，俞湖每天都给梁音打一个电话，两人感情渐渐升温，1个月以后，就很热了。
2003年8月，梁音和著名演员浦克、刘世龙等人要来北京拍电视短剧《教师的故事》。俞湖到站台上接梁音，然后，两人手拉手走进了剧组下榻的宾馆。
在宾馆里，当着浦克、刘世龙等人的面，俞湖说：“梁音，不管你同意不同意，我就是要照顾你。这次我不让你走了，我给玲玲打电话，让她放心。”
众人都帮着俞湖说话：“梁音啊!俞湖这么多年追你，你可不要辜负了她的一片心呐!”说完，浦克瞅了俞湖一阵后，说：“梁音，你不觉得俞湖长得很像杜凤霞?”
浦克这一说，当下就有一个导演找出许多年前的《大众电影》，找到了杜凤霞的剧照。俞湖的脸红了，突然觉得自己还不错，更增加了嫁给梁音的信心。
梁音近距离地接触了解俞湖后，觉得她活泼好动，爱说爱笑，心肠又好，就发自内心地爱上了她。几个月后，梁音把家从长春搬到了北京。
茂林哥使我成了
演员
2003年12月19日，在梁音的前妻杜凤霞辞世3周年后的第一天，梁音和俞湖领了结婚证。两人在北京举行了婚礼，著名电影演员葛存壮是他们的证婚人。
婚后，在俞湖的精心照料下，梁音精神头儿越来越足，身体越来越壮了，看上去全不像一个年近80岁的人。他的片约越来越多，一口气接了多部电视连续剧。
俞湖从小喜爱文艺，上小学时就是北京市朝阳区少年之家合唱团的领唱。高中毕业后，俞湖曾想报考北京戏曲学院，还想报考话剧团，没能如愿。如今，成了梁音的妻子，离影视圈近了，梁音对她说：“俞湖，你给了我爱情，我也要帮你圆演员梦。这样吧，你就陪我跑剧组，跑外景地吧！”
就这样，俞湖随着梁音去了***，去了苏州。她陪梁音背台词、演对手戏，在丈夫的口传身授下，很快就像一个演员那样进入了角色。
真正上戏的机会来了。2005年2月，梁天带领电视连续剧《电影厂的招待所》剧组在北京郊区拍戏，俞湖也来了。看着俞湖和梁音恩爱的样子以及俞湖满面春风的形象，梁天当即提出请俞湖演剧中梁音的老伴。俞湖推辞了。
夜里在招待所，梁音有些生气，他责怪俞湖不该一而再再而三地推辞：“其实，每个人都具有演员的潜质，只不过没开发罢了。你有很好的演戏天赋，有这么多年的生活沉淀，又经过咱俩这段时间的演练，我觉得你能行。”接着，梁音就讲了55年前，他出演新中国成立后的第一部电影《桥》时的情景。
当时，梁音从黑龙江省齐齐哈尔铁路检车段偷着跑出来参***，是进东北电影厂后第一次拍电影。还没开拍，梁音就紧张得浑身颤抖，不一会儿汗就湿透了衣衫。梁音硬挺着拍了一个镜头，竟累得三四天都没缓过劲儿来。
梁音对俞湖说：“每个演员都有第一次，第一次演下来，以后就好了。重要的是，鼓起勇气演好第一次。”
影音天地篇10
关键词：民乐典范 中西结合 弘扬国乐
一、西方文化侵略与民族音乐困境下的人生抉择
（一）中西结合基础上的民族音乐继承与改革
“五四”新文化运动中所有知识分子共同面对的内心矛盾表现为，留恋传统而又不得不学习西方。如何对待中西文化的碰撞成为众多有志之士共同反思的问题。对传统文化满含眷顾，不愿放弃其精妙，但在现实中却处处碰壁，理智地选择学习西方文化，却又无法获得社会价值的依托，缺乏民族文化与人生意义的支撑，这是“五四”时期的知识分子共同面对的文化现状；这一困惑，刘天华一样不可避免的充满了心理的挣扎与奋争，极力通过中西文化的调和来寻找自己的答案。对国乐的担忧在现实社会中处处得到证实：他曾经带领常州中学的民乐队进行运动会仪式表演，民族乐曲《紫竹调》却遭到别的学校的西洋号鼓的一起围攻。即使是来到北大后，依旧面对的是西方乐曲的极力崇拜和推崇。这些都深深刺激了刘天华的民族自尊心，更加坚定了他弘扬民族音乐的意志和决心。刘天华通过生活感悟到，民族音乐是属于中国人原生态的生长于这片土地中的灵魂，是慰藉国人生命、解脱国人灵魂、浸透数千年根系血脉的终极文化关照。至此，刘天华发展、改进民族文化的认识、决心都获得力量的源泉和理论的答案。这就是民族乐曲犹如澎湃的浪花，但它源于人民的大海，学习西乐的根本在于服务于民族音乐，因为民族的海洋产生的永远是民族的音乐。
（二）言行为表，践行道德操守；身体力行，弘扬民乐
电影中，刘天华向古诺夫拜师学艺，他学习西乐，是为了服务于并更好地发展民族音乐，改变民族音乐面临的生存困境。之后在北大的课堂上刘天华向学生讲到：吃西洋大餐、穿西服皮鞋成为时尚，但在当前的中国，吃窝窝头、穿布鞋对民族更有现实意义，它是对文化入侵的抵制，对民族文化的支持，是对民族文化再生、发展、壮大的呵护！在刘天华学习西乐的同时，也积极吸收民族音乐如昆曲等营养，与赵先生探讨乡土文化、观念。当刘天华在古诺夫那儿掌握了自己需要的小提琴技艺后，也是最后一次向古诺夫学习，刘天华的琴声已经深深地感染了古诺夫，令他情不自禁地拿起琴与刘天华共奏起复调式二重奏。之后不久，在教授学生上官二胡音阶的学习时，刘天华又与其共同演奏，尝试了在民乐中的和声使用。再之后，在刘天华家中欢度除夕，刘天华即兴表演自己的二胡新作，受感染的学生们纷纷拿起竹箫、琵琶、古筝与他一起演奏，四件乐器的多部重奏进一步丰富了和声的内涵。最后，让二胡最终登上大雅之堂的是《光明行》的演奏，在这首作品中，民族管弦乐队之交响化合奏由钢琴弹奏而成，和声结构、配器方法、协奏格式共同融合在一起，民族乐曲的演奏与写作获得彻底的拓展与统一；刘天华的成功意义，不仅在于个人，更在于一个群体的崛起，一大批有志于民族音乐的人才在他的启迪与感化下，共同践行着民族乐曲的兴盛。
二、音乐对照人生，曲牌倾诉剧情
二胡曲是刘天华的主创曲目，标题性音乐与非标题性音乐作为中国民族器乐创作意向上的两大分类，刘天华的二胡作品属于前者。《病中吟》是引领整部影片的主题音乐。刘天华曾这样阐释：《病中吟》并非言说一般的病痛苦楚，而是借此喻指生命之苦之焦虑，犹如身体之病痛，是对人生及其意义的探索与苦思。这也是这首作品标题的含义与警示。《病中吟》由三个乐段加一个尾声组成，第一乐段的节奏缠绵悱恻、委婉而幽怨，表达内心中彷徨、焦虑的心绪和对冲破现实阻碍的渴望；第二乐段节奏渐趋急促，显示出冲破迷茫的冲动以及勇敢追求的心志；第三乐段再现了首段的音调，但这次是去除支蔓，留下茎干。节奏趋于短促，而且不时被中断，展现了在奋争、挫折中勇往直前、不断历练中愈发坚强的意志；尾声部分，急促的快板，表现了知识分子几经挣扎，深感烦躁不安，无力回天，却又无可奈何的心态。这种表达方式是出自对西洋音乐的借鉴，是根据西方复三部曲的格式而创作的中国民族器乐作品，其旋律内容依旧是我国民间常用的自由延伸手法与主题加变奏的音乐形式。作为一首二胡独奏曲，在其中加入西洋管弦乐的交响和声，这是国乐大师的独创。影片中多次运用刘天华的这首处女作，表达出对国乐大师的怀念之情。《病中吟》的复三部曲形式，与影片中的三章式结构形成神与形的相互对应和补充，引导着主题的逐渐深入。电影在《病中吟》这一主题曲核心音乐的基础上，充分展现与利用了刘天华二胡作品的精华，共计运用了刘天华的8首二胡曲，达到其作品的八成。影片还结合剧情内容，把与之思想立意彼此呼应的乐曲曲牌作为故事标题，用二胡乐曲从真本、生活上对刘天华的人生进行了细腻的点评和描述，也勾勒出刘天华不同人生阶段的生活历程。
影片剧终，导演用三百多名琴手在刘天华故里共奏《光明行》，是对大师的告慰以及对《光明行》永远的赞美与高歌；电影《刘天华》，音乐既是影片渲染感情的背景基础，也是影片的结构框架。二胡作品的精神立意和曲牌的内在意境共同融入电影的表意画面之中。
三、影片构思及特征
电影中，刘天华对民族音乐的创新，是通过三方面来体现的：一是“中西结合”的创作思想，借鉴与吸收西方交响乐队的长处，首建了我国民族管弦乐队，并使民族音乐的单声部旋律特点接近于西方多声表现方式，这是当时很多音乐家努力却未曾完成的工作；二是“空前绝后”的10首二胡曲作品，说空前是指前无古人可以借鉴，说绝后是因为刘天华即是当时时代下民族器乐的先驱；三是刘天华所走的“草民路线”，他的创作始终立足于人民群众所喜爱的音乐形式。
电影刚刚开始，民族特色的背景画面慢慢浮出，前景中演奏二胡的刘天华就在这浓浓的声画氛围中被完美地呈现出来。在古诺夫家，跃动的炉火、湖光塔影中的柳芽以及伴响的《船歌》都将音乐沙龙演奏中的刘天华全景式地予以凸显。画面意向仿佛一种精神***腾与演奏旋律完全契合在一起。电影中的声画剪辑中并没有人为的组接画面来展现电影的节奏，而是以影视音乐自然而然地引出剧情，导演并不是无所作为，是在影视画面中适时予以点睛之笔。
电影声音构思的显著特点在于以刘天华对民族音乐的改进过程为脉络，围绕其作品风格又适时地做了新的处理。如在刘天华个人演奏的段落添加管弦乐的协奏，如对非刘天华的演奏中参照大师的旋律予以新的改编，使之更符合电影音乐的表现形式。在选取大师作品应用于电影音乐中时，都注重对大师音乐生活的反映和对大师所处时代文化环境的描述。通过昆曲《牡丹亭》《十面埋伏》《飞花点翠》等民族乐既呈现出一场国粹精华的饕餮盛宴，又强化了历史文化气息，同时也凸显出大师在时代文化命题面前的个人的才华和自觉承担的历史责任。