学文网艺术设计教学篇1
[关键词]艺术设计教学参赛收益在艺术设计教学中鼓励学生参加各项比赛，既是教师教的实践环节，也是学生学的实践环节，更是学生自主学习与教师有效指导相结合的教学环节。这个环节益处非常多，落实得好往往可以取得“一箭多雕”的效果。下面就据我所理解的分几方面来讲述。
一、学生收益
学生设计作品参加比赛是个有目的的学习过程，是个培养专业学习兴趣、开发创造潜能、激发创新精神的过程。在这个过程中所接触的是一项完整的设计项目，因为任何一次大赛都有主办单位，主办方的前言、目的，大赛的内容、主题、口号、宗旨等，大赛的参赛对象，参赛要求，参赛作品规格，参赛时间，大赛交流会活动，大赛奖励等，这些都是对参赛对象一次真正的水平衡量和提高。因为学生每参加一次大赛都是以非常认真的态度投入到艺术设计创作过程中，认真按大赛的规格、要求来完成自己最满意的作品的。在这个过程中学生一般会比平时做作业更仔细、更投入，往往会广泛地收集跟参赛作品有关的信息内容来完成作品的创意；也会更主动的和同学、老师、同仁等交流探讨，充分调动设计思维；有时也会和大赛主办方相关人士咨询参赛的一些信息，以便更有的放矢地完成参赛的作品。
由此可见，学生在这个参赛过程中的学习是个积极主动的、多维度立体的学习模式，是平时一般传统的、以传授和灌输为主要教学模式所不能及的。第一，在参赛过程中，学生所面对的大赛主办方就好比以后参加工作时面对的具体客户；大赛目的、内容和要求好比是客户的要求；提交参赛作品的时间好比客户要求提交作品时间；大赛的奖励奖金好比客户应付的设计费用。这些环节既是一个完整的设计实战活动，也是一个设计专业学生按社会真正需要来完成学习任务的学习过程，可以说是两全齐美。第二，在创作参赛作品的过程中，学生通过大量的收集信息，无形之下阅读了别人的优秀作品、案例，这样就可以拓宽自己的知识面，加强设计修养，提高审美眼光。这些如果在传统式的平时老师吩咐学生去做，让学生自己去学习，学生大部分是不太会去做的。这里面就存在了主动学习和被动学习的区别了。第三，学生为了自己的作品能获奖，就会主动找老师指教、建议、点拨和批改，与同学交谈并从中获益，甚至会主动找比自己高年级的师兄师姐们、同仁等讨论如何创意设计。这些是学生平时课堂上所不愿意花心思，也不会去做的，而此时却自然而然的做到了。第四，在设计参赛作品过程中，学生最大的愿望是能获奖，其次是能入围，最后是自己设计的作品能参与这次大赛活动也是很欣慰的。因为在任何一次大赛中，任何一位赛手在某种意义上都是优秀的、成功的、伟大的。如能获奖，一般大赛都有奖励，或丰厚的奖金，或精美的礼品，或光荣的证书奖状，这些虽然是身外之物，但它是对选手付出辛劳和努力的奖励或鼓励，有时也会带来荣耀和成功的机会，在毕业以后谋职时何尝不是一个举足轻重的砝码！
二、教师收益
教师指导学生参赛是艺术设计教学中重要的实践环节，是师生之间真正的互动型教学方式，是提高自己教学能力和水平的良好机会。首先，教师在指导过程中是把教学从理论落实到具体的实践，平时传统的课堂教学都是理论灌输式的，而现在则是启发式教学，注重引导。教师在引导、启发学生当中可以认识到自己日常教学当中的不足之处，丰富了自己的教学经验，提高了教学技能，为将来成为一名优秀的艺术设计教师打下了夯实的基础。其次，大部分的大赛都会设有一个优秀指导教师奖，这是对指导教师的直接奖励，极大地提高了教师的教学积极性。有些艺术设计院校把这一点直接列为年终评价、考核教师的重要依据，而且也实行一定的奖赏和鼓励措施，对其教学成果加以肯定。三、学校收益
艺术设计教学中，鼓励学生参加大赛，学校学院也是直接的获益者。第一，学生参赛无论获奖与否，都是作为该院校的一名学生参赛，代表了该院校，就大赛组委会和组织者来说，他们知道有这么一个院校，如学生、老师有获奖的话，则会更进一步了解、熟悉该院校。第二，任何一次大赛都有大赛宣传的媒体，而且大赛的参赛者都来自五湖四海，不同领域、不同层次，有设计师、学生、老师、自由职业者等等。在这个大舞台里面，可以得到广泛的交流、勾通和了解，无形之中，学校学院的社会良好知名度得到了一次扩大和提高。第三，学生参赛获奖，指导教师获奖，会提高学校知名度，无疑学校的综合竞争实力也得到了加强，影响力得到了传播。从长远来说，学校学院的教学教育得到了发展，师资和生源质量得到了扩大和优化，有利于院校的学科建设。就这一点看，国内有些院校做的比较成功，据本人所知，近几年速猛成长发展起来的职业技术学院，他们非常重视鼓励学生参加大赛，以其来提升自己学校的综合实力和知名度；还有就是一些正处于改革或评估时期的大专院校、***学院也积极鼓励学生参赛来扩大自己的影响力，增强实力，以便取得改革的成功，顺利通过评估。第三，学生参赛不管结果如何，对自己、对所在院校都是一次有益的学习活动，如果作品能入围或获奖，那么在毕业时学校可以向用人单位推荐。用人单位通过了解学生的获奖成果，便能大概了解学生的实际能力，相信学校的教学质量。在这个层面上讲，其有助于院校的毕业生就业率的提高。如今，艺术院校的毕业生就业率的高低，以及就业岗位的好差，已经成为评价该院校综合水平的重要因素之一。
四、总结及建议
综上所述，在艺术设计教学实践中鼓励学生参赛，获益是多方面的。学生、教师和学校三者都受益匪浅。通过参赛，学生对自己的学习目的更明确、学习态度更积极、学习效果更显著。通过参赛，指导教师更能把理论教学和实践教学相结合，有利于教学技能的提高、教学研究的具体实施。通过学生参赛，学校扩大了影响力、知名度，提高了综合力。所以，学校应重视学生参赛这个教学实践环节，特别是在新的教育形势下，全国各大艺术院校都在锐意改革教学大纲、培养目标，以便获得更大、更好的发展，而鼓励学生参赛是直接又实际的改革措施和方案。
艺术设计教学篇2
1.实践教学与社会发展的接轨。实践教学的主要目的是适应社会平面设计的发展，将社会对平面艺术设计的需求运用到课堂实践中，不仅为课堂增加了知识，更重要的是贴近学生的设计发展。在教师的指导下，促进学生平面艺术设计实践能力的提高，或者教师可承接校外相关企业的设计业务，让学生感受平面艺术设计实践的整体流程，形成完善的实践体系，培养学生对平面艺术设计整体感的理解。
2.实践教学与各项学科的作用。平面艺术设计实践教学是以多项学科为基础的，实践中需要结合各项学科的内涵，实现平面艺术设计全面的发展。教师在进行***文编排的教学实践时，需要培养学生实践过程中的分析能力，体会***文编排设计中的逻辑、主次以及群组变化等内容，结合***文编排的实践需要，提前对学生进行其他学科知识的着重讲解，提取其他学科的精华知识，提高学生实践创造的能力。
3.实践教学与理论知识的互换应用。平面艺术设计中实践与理论的互换应用主要是指通过实践将学生的创新思想以实物的形式表现出来。但是通过近几年平面艺术设计教学的发展来看，部分学生的思维和视角非常独特，但是其动手能力比较低，而部分学生动手能力强，但是其思维欠缺独特性。因此为提高学生实践教学的综合能力，可采取团队的形式，促进学生之间的相互学习，将学生创意以最大化的方式表现。例如包装设计，此部分平面艺术设计对“整体与部分的关系”要求非常高，不仅要表现包装设计的秩序性，更要体现包装设计的与众不同，教师可将比较系统的设计让学生以团队的形式完成，集思广益，取长补短，共同提高学生的实践水平。综上所述，提高平面艺术设计中的教学实践能力，需加强实践教学内容建设的力度，在保障教学水平的基础上，提高学生的设计能力和实践能力。
二、平面艺术设计实践教学的意义
艺术设计教学篇3
艺术设计是一门伴随着工业化生产而发展起来的新兴学科，近年来，随着“艺考热”的升温，艺术设计类专业成为最大的“热门”专业之一，随之而来的就是毕业生所面临的巨大就业压力。高职艺术设计教育是以培养艺术设计高等实用技能型人才为办学宗旨，以艺术设计专业职业技术岗位能力培养为主轴，重视实践教学多于理论教学，高职艺术设计专业毕业生未来如何在激烈的竞争环境中脱颖而出，实践能力就是最大的利器。只有具备超强的实践能力，才能在众多本科生至研究生毕业生的围追阻截中闯出属于自己的一片天地。高等职业教育简称高职教育，它是高等教育的一个重要组成部分，其根本任务是培养高等技术应用性专门人才。艺术设计是一门伴随着工业化生产而发展起来的新兴学科。设计与社会的现代化、经济发展和产业发展密切相关。根据高职教育的培养目标及结合艺术设计的特点，如何进行高职艺术设计教育是目前高职教育急需解决的一个实际课题。
2实践能力是高职艺术设计教育的核心
艺术设计教育不等同于纯粹的美术教育，主要区别在于设计艺术教育以培养出适应社会需求的创造性职业技能人才为首要问题。而高职教育的特点是适应社会需要为目标、以培养技术应用能力为主要方向。因此，高职艺术设计教育目标在于培养学生成为具有基础艺术设计理论和素养、掌握现代艺术的表现能力、拥有综合应用与创新能力的实用型设计人才。教学探索方向应与学生的学业、就业与创业紧密结合，在人才的培养上具备对未来职业岗位的明确定向性与良好适应性，从而使高职艺术设计毕业生获得就业与创业的技能与本领。所以，实践能力是高职艺术设计教育的核心问题。近年来，艺术设计类专业成为最大的“热门”专业之一。在“艺考热”过后，随之而来的就是毕业生所面临的巨大就业压力。如何在激烈的竞争环境中脱颖而出，实践能力就是最大的利器。只有具备超强的实践能力，才能使众多的高职艺术毕业生在众多本科生至研究生毕业生的围追阻截中闯出属于自己的一片天地。
3以实际案例与理论教学相结合作为艺术设计教学的主要手段
艺术设计专业是一门综合性很强的学科，它以实用艺术为主，涉及商品的形态与作用、价值与艺术、现代的方法与手段以及有关视觉传播形式与规律等领域。要成为一名出色的艺术设计师，就必须具备基础艺术设计理论和素养。因此，在重视实践能力的前提下，也不能忽视艺术理论的教学。但是过分强调理论教学，往往就就忽视了艺术设计学生的技能能力的培养，会与社会需求远远脱节。如何使学生在掌握艺术设计的基础理论的前提下，又能最大限度提高实践能力呢?切实的实际案例与理论教学相结合是一个行之有效的教学手段。单纯的理论教学往往比较枯燥，也往往提不起学生的兴趣，若在实际的解决问题中教授相关理论知识，其接受度也相对较高。以VI设计教学为例，VI设计是艺术设计人员最常接触到的一类设计项目，是否具备较强的VI设计创意与制作能力成为衡量艺术设计人员专业水准的重要标尺之一。如仔细翻阅各高职院校艺术设计专业在校学生的vI设计课程作业，发现普遍存在整本VI手册除了基础部分的前半部标志设计略有不同之外，后半部设计乃至应用系统的设计几乎如出一辙的现象。大部分的设计内容都像出自一个模板，独特的、针对性强的设计内容匮乏，基本是对现有的或老师所提供的vI设计模板的机械套用，VI设计项目的整体视觉效果平淡，设计定位与设计风格不具有代表性，完全没有彰显项目企业独有的文化型和品牌特性，这无疑是很致命的。
当前就业形势日益严峻，针对大学生就业，国家提出“自主创业”的号召，“自主创业”已经成为高职艺术设计毕业生的就业趋势之一。如开办自己的设计公司、设计工作室、各式特色小店、商铺等，其公司、店铺的视觉形象设计必不可少。显然，在VI设计实践中，个性鲜明的、小而实用型的VI视觉形象设计需求更广，也更能激发高职艺术设计专业学生的创新意识与创业欲望。同时，根据高职院校的教育教学培养特色，艺术设计类毕业生的就业也大都趋向中小企业，因此首先引导学生将选题重点转移到中小企业VI的设计制作。并遵循高职艺术设计教育的办学方针和教学理念，通过实题与虚题结合的实训手段，力求培养其较为全面的、与市场实际需求相接轨的VI设计与制作能力，有助于学生认识社会、识别市场，使学生真正体会到今后工作中的真实设计环境，为就业拓宽道路。在教学实践过程中，首先使学生了解基本的CIS的发展历史、组成等理论知识和成功案例，重点掌握vI设计的内容、原则、方法、技巧等，形成较为全面的、与市场要求相接轨的VI设计与制作能力。然后引导学生通过市场调研、资料收集、分析整理，将实训中与企业的相关资料信息汇总，充分理解并消化企业的经营理念。此阶段工作十分关键，往往是形成设计概念的源泉和切入点，将获得的信息符号化、视觉化，才能够形成符合客户需求的设计概念与创意灵感。而在标志设计草***的初期阶段，鼓励学生进行多稿设计方案，充分利用手绘这一快捷有效的表现方式，任意思考，尽情发挥，在草***中不断涌现出好的创意，总结出明确的设计形象。然后进入制作完成稿阶段，应引导和训练学生对整套VI设计的整体把握能力，这是验证与锻炼学生制作技能是否得以应用到实践中的关键。学生通过应用电脑软件及字体设计、色彩搭配等各种具体操作，力求VI设计项目最佳视觉效果。
必须严格把关学生是否具备娴熟的软件操作能力与规范的制作工艺。下一阶段进行反馈修正，在此过程中引导学生学会如何与客户进行有效且直接的沟通，培养其快速的应变反应能力与表现能力。最后进行修正与编制设计手册，要求学生及时解决排版及印刷等相关问题。通过这样的教学方式，在VI设计具体制作的不同阶段中分别进行及时讲授，可以提供学生为实际设计项目服务的实践机会，实现学以致用，充分体现了基础知识和基本技能并重的高职院校特色，也最大限度提高了学生的实践技能。然而，以实际案例为中心的教学方法，对教师也提出了更高的要求。因为在实际案例实施过程中，类似于“模块教学”，涉及多门课程及方面，这就需要教师具备宏观的调节能力及扎实的理论基础，对于那些需要重点讲解的理论点必须了然于胸；同时还需教师具备较强的设计能力及思路，对于不同的学生方案都能有不同的修改思路及见解。实践证明，实际案例与理论教学相结合的教学方法，往往能最大限度激发学生的学习兴趣。正如爱因斯坦所说：兴趣是最好的老师。具备学习兴趣才能为良好的学习效果提供动力。
4强调培养学生的创新能力
美国哈佛大学校长普西曾经说过：一个人是否具有创造力，是一流人才和三流人才的分水岭。由此可见，创造力或者说创新能力往往是决定某个人能否脱颖而出的关键因素。艺术设计尤其需要创新，若在艺术设计中缺失了创新性，设计生命力也就终结了。如何培养学生的创新能力呢?
(1)创新性的设计思维的培养是教育中的核心问题。没有创新的设计理念，也就不会有创新的设计作品。达利是众所皆知的艺术大家，他通过对人的潜意识世界的洞幽察微的心理分析和表达能力，通过精妙的写实语汇和永不枯竭的想象力的结合，创造出一种迥异于现实世界的、完全不同于他人的专属于达利的艺术世界。人们深深为他的独树一帜的创新作品所折服。达利的创新能力来自何处，靠的是他深厚的美术功底。因此，培养创新思维的前提，首先需要学生学习具备扎实的美术基本技能及理论。没有种下基础这个种子就发不出创新这颗芽。
艺术设计教学篇4
关键词：艺术设计;绘画基础;教学;评价
近年来，随着社会经济的发展，社会对艺术设计人才的需求越来越多，“美术高考热”不断升温，每年报考艺术类院校的考生日趋增加。艺术设计学科逐渐成为热门的学科，全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业，如平面设计，环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说，不能简单地把设计专业等同于绘画专业，尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面，不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。
素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把它们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗？何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破它，超越它，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去重复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性；目前我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的？这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。
过去，我们传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容过分强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求。这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性，因为那毕竟是在培养画家；但在现在的设计教学中如果还过分强调虚实、强调素描明暗调子，而忽略艺术设计教学目标的目的性，忽视对学生创造性思维和创新能力的培养，花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时，会不会觉有些得太奢侈，会不会有好的教学效果呢？既然我们培养的是设计人才，而不是画家、艺术家，那么它的必要性又有多少呢？一味的对着物象去表现、再现，对着石膏像磨来磨去，会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力，更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下，把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，不失为一种目的明确的基础训练。
艺术设计教学篇5
【关键词】教学体系;艺术设计;多维实践;立体教学
市场检验设计专业的学生是通过学生能不能够拿出解决问题的设计作品来评判教学体系的好与坏，合理与否。与其它专业相比，高校的艺术设计专业是一门实践性很强的学科，无疑应更加注重学生实践能力的培养。第二，当下社会的发展日新月异，对于实践型人才的需求是即刻加入岗位，从学校到社会无缝对接。因此要求高校在艺术设计专业的人才培养过程中，强化实践环节，构建完善的多维实践型教学体系，以保证学生具备开阔的设计思路，与社会接轨的实践能力，并将自己对设计问题的构想通过可行性极强的作品展现出来。要完成上述问题的改善，必须要强化高校艺术设计专业教学体系中的实践环节，从多维度、多层次打造实践型的教学体系。
一、实践型课程体系的完善与打造
进入21世纪后我们所面临的新问题在于信息化时代的到来，“大数据”、“人工智能”为代表的科学技术日新月异，时代的剧变要求我们要不断的学习新知识，不断的创新，才能保持设计学科的敏锐性。当下高校艺术设计的课程体系方面存在着诸多的问题，例如：与时代不符的老旧课程，与市场脱节的技法课程等。在实践型课程体系完善与打造中必须淘汰与时代不符的，与实际脱节的课程，更新使之成为新的具有生命力的课程。淘汰旧课程的同时要保留传统、更新具有深远价值的课程，国际化的目光可以让我们及时引进新课程。新课程体系的建立应围绕市场方向去挖掘，用多维的思维方式去设置课程，创设新的课程体系。同时，作为时代性与实践性极强的设计专业，课程体系的评判标准也需要不断推进，作品考核标准也应与时俱进。用新的评判标准去考察，考核过程里面应该引入一种对作品的创作过程中创新意识的强调，并非单方面去衡量它，应以多维度的形式去考核。
二、实践型教学意识的渗透以及过程的严格执行
要构建高校艺术设计专业的多维实践教学体系，首先要转变传统以理论式教学为主的观念。以社会实际对艺术设计人才的需求为导向，强化教学体系中的实践教学意识，改脱离市场实际的教学为实践型教学：案例教学、项目教学、市场分析教学等等。所有的结合在一起成为一种链条式的教学模式，各门课程，各个教学环节都有实践型教学意识的渗透。不同课程的每位教师在具体执行实践型教学过程中，通力协作严格按照多维度的方式去实施，摒弃现在高校教师的单打独斗的场面。为社会培养具有高素质实践能力的设计人才，必须在教学阶段就将艺术设计专业的实践教学与学生未来的工作状态紧密联系起来。高校艺术设计类教学要转变以往以理论式、技法类教学为主的思想，在每门课程的教学中，都要适当的融入一些实践环节。例如，在数字媒体艺术设计专业的界面设计课程教学中，就可与社会上的新媒体企业建立合作。借助企业开发新项目，让学生参与到其中的设计环节中，让学生能够将自己好的创意应用于项目中，同时也充分释放学生在其它课程中所学的设计知识与技能。在参与项目的过程中，学生了解了整个界面设计的流程，增强了学生的实践经验和能力。另一个方面还能让学生感受到设计团队的协作力量以及群智慧对于设计项目的影响，学习到相关的协作经验，反馈过来成为增强学生学好艺术设计专业的动力。
三、具有实践型素质教学队伍的建设
高校艺术设计专业教学中，教学队伍的整体素质以及梯队之间的协作至关重要，会直接影响到最终的教学质量。目前，我国高校艺术设计专业教学中实践课程效果的不理想，很大原因在于缺乏艺术设计教师与高素质的教工梯队的完美结合，导致其实践教学深入不足，无法完成最后的一个环节。由此，高校需要加强艺术设计专业教师以及教工队伍的建设，注重“双师型”教师的培养，注重实验室教工队伍的专业素质的培养，并协调好教师与教工的协作关系。艺术设计类的一线教师都应拥有实际的企业工作经验，并定期下企业进行培训，增强其实践教学水平。通过参与企业的实践项目，不仅能增加教师的实践经验，还能使教师了解企业的最新用人标准，从而能够在教学中选择更具有针对性的内容和方法开展教学活动。对于实验室中的教工，应重视其人员配置问题，实验室工作人员应具备专业的背景，能辅导学生进行专业性的操作，多维实践型教学中需要更多的专业知识人员具有实际的执行力。另外，邀请国外优秀的艺术设计师到校讲课，将行业最新动态和信息与教师、教工队伍有一个面对面的交流互动，制定一个项目合作以工作室的课程形式来打造实践型的多维教学。总之通过从不同的渠道对教师梯队进行培养，提高其综合素质，打造出一支优秀的艺术设计教学队伍，并通过具体的课程直接影响艺术专业学生的实践能力。
四、接轨市场的实验室和工作室
实践能力是对艺术设计专业学生最基本的要求，要培养出能够满足社会实际需要的艺术设计人才，应尽可能的让学生在校期间就接触到市场有关的项目。目前高校艺术设计专业的实验室和工作室，一般只具有实验的一些性质和功能，并不具备真正的接轨市场的运作能力。因此，需要在建设相应的艺术设计实验室和工作室的基础上，鼓励并支持教师带实际的项目介入实验室使其成为接轨市场的前沿阵地。教师可以在整个的实验室范围内建立自己***的创意场地或者工作室，在开展项目的过程中完成艺术设计教学活动，带领学生在实践中体会理论、技法，脑手配合完成课程的推进。另一方面，在硬件方面学校要加大对艺术设计实验室的投入，配置最新的相关设备，不断更新实验器材。在管理层面的软件方面，应该不断提高实验室与工作室在艺术设计教学中的使用频率，鼓励创新探索的实验项目。
五、结论
艺术设计专业要求注重培养学生的实践能力，这一有别于其它专业的特性，要求我们高校艺术设计专业的教学体系必须以实践型为核心，打造一个多维度、多层次并举的切实可用的教学体系，以保障培养合格的艺术设计专业的毕业生，能够实时对接上当下社会的需求并体现设计教学的价值意义。在实际的艺术设计专业教学中，实践型的教学体系是需要各个方面协同运作才能起到最后的效果作用，任何的单一的、片面的做法都是没法完成多维实践教学体系的打造，也就没法提高学生的设计实践能力。因此打造一个多维实践型高校艺术设计教学体系势在必行，也是我们高校艺术设计类教学体系改革中的重中之重。
作者:林峰 姜钰莹 单位:东华大学
参考文献：
[1]周鑫,严斌,汤小胤等.多维实践平台下的艺术设计专业学生创新能力培养[J].美术界,2015,(12):67.
[2]吴薇.大学生职业生涯规划的现状调研及应对策略[J].教师教育研究,2009,(05).
艺术设计教学篇6
电脑艺术设计教学应强调以学生为中心的教学过程。因为学生才是掌握知识能力最具影响力的因素。课程设置要紧紧围绕着学生的需要而展开，学生能够根据市场和自己的需要选择和决定所要学习的内容和学习的形式，远离市场需求而闭门教学的理念应坚决摒弃。
据市场调查显示，社会上对电脑艺术设计人才的需求大体可分为四大类。第一类平面设计行业：如广告装饰公司、包装设计公司、企业形象设计公司、制版公司、印刷企业、网页制作公司等；第二类环境艺术设计行业：如家庭居室装饰公司、环境艺术设计公司、家具开发公司、房地产开发公司等；第三类动漫游戏行业：如动画制作公司、游戏开发公司、手机动漫游戏公司、电视传媒机构等；第四类为服装设计行业：如时装设计公司、服装企业等；这样我们可以具体向学生征求他们求职的意向，从而帮助学生确定主攻的目标，如有志于平面设计行业发展的学生课程设置为：平面构成、色彩构成、版面设计、标志设计、广告设计、包装设计、书籍装帧设计、VI企业形象设计与POP设计等课。电脑软件可学Photoshop、Illustrator、CorelDraw、Freehand、PageMaker、 Flash等软件；希望在环境艺术设计行业大展拳脚的学生课程设置为；平面构成、色彩构成、立体构成、制***、人机工程学、装饰材料及应用、居室设计、家具设计、室内装饰织物,商业环境设计等课，电脑软件可学Photoshop、3DMax、AutoCAD、Lights cape等软件；准备在动漫游戏行业发展的学生课程设置为：动画概论、原画设计、动画运动规律、动画角色设计、动画分镜头设计、动画场景设计、影视后期合成、影视鉴赏、游戏策划基础、游戏造型色彩基础、游戏像素***与界面制作、Flash游戏制作、3D游戏道具制作、3D游戏场景制作、3D游戏角色制作、3D游戏美术项目实战等课，电脑软件可学Photoshop、Flash、3DMAX、 Maya、 Premiere、ZBrush、IE等软件，有心在服装设计行业干出一番事业的学生课程设置为：构成学、服装设计学、服装制***、时装技法、服装工艺与材料、服装设计概论、立体裁剪、现代服饰***案、服装流行时尚分析等课，电脑软件可学服装CAD 、Coreldraw等软件。这样学生学习目标明确、学习的积极性可最大限度地被调动起来，有望形成教学相长的良性循环。如果专业设置没有现实性与超前性、课程设置没有科学性与合理性，却一味依赖教师的积极性是出不了教学成果的。
加强培养学生的思考和创新能力。首先，鼓励同学们加强学习，加快知识更新，提高创新能力。应打破传统的电脑设计教学体系，学生学习活动的重要创作来源不能仅仅是教师与教材范本，这只能在很大程度上限制了学生对真实世界的认识，也限制了学生设计创作的水平。应看到，网络技术革新与发展，使得教师与教材范本已不再是唯一的权威，实践的检验，社会的认同才是人们认识的权威，学生们可以在网上通过多种艺术设计网站，艺术设计讨论组对有关知识进行选择和决策，从而加强学生在学习活动中的思考与创新。其次，教师的启发与诱导也是关键因素，这就对教师本身提出更高的要求，教师不仅仅要熟悉设计软件，具有扎实的设计专业知识理论，更得有一定的文化修养，并具体参与社会各种实践业务，能兼职为某一设计公司或有自已的设计工作室更为理想，这样的教师才能在专业理论上宏观地把握学生学习某一阶段中思考与创新的重点与难点，并结合实战经验来提高学生思考与创新的能力。
变革电脑艺术设计教学方法。首先变革电脑艺术设计教学方法，就是让教师应由传统的传授者和解释者的地位转变为技术助理、合作者和帮助者。学生要从被动接受灌输的地位，转变为有机会参与教学、参与操作、发现知识、理解知识、掌握知识的主动地位。
教学过程中，教师应把教学时间更多地分配给学生从事探索和开展讨论，教师在更多的时间里是帮助学生组织探索与讨论，提出课题问题，提醒学生如何讨论和选择解决问题的策略。教师所计划的课堂活动应为学生的学习活动提供合理的建议。这样学生也由原来被动的接受者转变为主动的探索者和积极的合作者，他们就能认识到自己对学习负有更大的责任，从而加强了学习兴趣。
我们知道，电脑技术所提供的信息和技术资源的最大特点是共享性，而网络技术的发展，不但保证学生能够对所学知识进行探索和创新，也使学生之间的交流与合作学习成为可能。这样，在教学过程中，师生就应共同参与学习新知识，让学生们把网络上掌握的新东西在课堂上和同学们分享交流，来提高他们学习的积极性和主动性。在教学中，学生的思维过程应更侧重于调动认知策略和各种软件的使用去解决实际问题，而不应只是单纯地强调某一设计软件技能的掌握。
其次，教师对学生的评价应由原来的作品设计、纸笔测试转向更多地评价学生解决实际问题的过程，即实践解决某一设计任务或课题的能力，如：某种产品设计如何定位，包装设计如何开展，不同面积的三室一厅虚实空间的处理，室内灯光与绿化的具体运用，动画制作中色彩与剧情的整体配合；服装设计中面料与设计元素互饽，隐歧***形的处理等。
再次，坚决摒弃在电脑艺术教学中的“满堂灌”，过去是“人灌”，现在是“电灌”，而且是“人机一起灌”，这种 “灌”法使师生双方的工作学习很辛苦，教学收效却不是很大。
艺术设计教学篇7
（一）招生规模过大
部分高校在经济利益和高校“大而全”的系科建设的诱导下，导致招生规模过大。一方面，全国招生人数在万人以上的有56个专业，招生数量还在上升，并仍然以高于10%的涨幅逐年增加。其次，师资质量继续下滑。2012年专任教师6896人，在校生为64136人，比例失调更加严重，艺术设计专业院校几乎成了文化素质较低的考生的“收容站”，教学质量是否可以保证，确实值得商榷。
（二）教学培养目标不够明确
我国强调针对性较强地设置院校专业，高校根据市场需要来培养人才，需要大量的应用复合型人才，但是受实际条件的约束，多数高校出现培养目标不明确的现象，并没有完全将国家培养计划落实，这就背离了国家对高校艺术设计的总方针，导致很多学生在毕业以后不知道该从事什么样的工作，因此高校艺术设计专业一定要重视教学培养目标不够明确的弊端，根据社会需求合理确立为培养目标。
（三）教学环节设置联系不密切
当前教学环节的设置只是一味地追求课程大纲设计的要求，课堂学习的知识得不到实践的应用，学生动手能力不强，没有将市场实践需求作为课程设置导向，这样就会造成学生学习态度懒散。
（四）教师队伍思想素质薄弱
我国从事高校艺术设计的教师普遍存在思想素质薄弱的问题，有些教师不能有针对性地设置课堂教学内容，在课堂上不能正确发挥指导作用，导致课堂教学氛围低沉，这样必然会对教学效果有负面影响，学生们不能积极地投入到教学中。
二、高校艺术设计类专业教学模式的措施探索
（一）完善艺术设计教育理念
首先，学校要将毕业生质量作为学校建设的重点内容来抓，高校艺术专业毕业生质量反映出的是艺术院校的办学质量。其次，无论是学生还是教师受传统教学模式的影响己经很深，传统的本科教学模式在高校艺术院校教学中要减少，因此我们要探索出新的教学模式来取代传统的教学模式，强调基础课的重要性，避免好高骛远，才能够调动学生学习的热情，才能够使教学效果有明显的提高,让学生体会到学习的乐趣。
（二）结合市场需求，创新教学方法
教师应该能够针对性较强地将不同种类教学方法有机结合，高校艺术设计教学方法创新对教师提出了新要求。首先，要让学生在课堂上由同学们自由讨论，推行师生互动式教学，使课堂气氛活跃。其次，教师应该提出与本节课关联紧密的问题让学生课下思考，体味到理论学习的重要性，使得同学们在探索实际问题答案过程中，从而调动学生的学习热情。再次，教师要实施实践环境教学，有利于学生将理论知识与实践经验进行融合，为学生毕业后快速适应岗位打下坚实的基础。最后，实行案例教学法，通过校企联合教学，可以把一些企业内部实例分给每一名学生，将最后的作品成果送回企业部门由专业人员核定，这样才能够促进校企共同进步。
（三）规范实践教学，强化实践环节
艺术设计教学篇8
艺术理论是艺术设计教学中不可缺少的内容，是艺术设计客观规律的总结，同时也是艺术设计品位与文化的结晶。故而，在艺术设计教学中，教师应该提高自身的专业修养，把握好艺术理论的真正含义，并以深入浅出的方式将艺术理论传授给学生，使学生的艺术设计水平得以增强。
关键词：
艺术理论；艺术设计；艺术教学
无论是中国的艺术设计教学，还是西方的艺术实践教育，都离不开艺术理论的引导，所以，艺术理论一直是艺术领域重点关注的问题。我国的儒家经典中有这样一句话：“志于道、据于德、依于仁、游于艺。”意思就是要想有所作为，首先要有高远的理想，然后要有崇高的道德，还需要渊博的学识作为基础，只有这样，才能够自由地发挥、创造。故而，艺术理论是艺术设计的根本、核心，只有掌握了根本，才能真正了解艺术作品中所蕴含的意味，真正知道艺术的价值。
一、掌握艺术理论的重要性
学生要清楚地了解艺术的发展历史，要知道每个时期的艺术特点，要懂得鉴赏每一种艺术，只有清楚、全面地掌握了艺术的理论知识，才能更好地进行艺术设计，使自身的艺术设计水平得以提高，艺术文化精神得以加强。教师要使学生深刻地认识到艺术理论的重要性，其原因就是对艺术理论的理解程度影响着艺术设计的精神和品位。因此在艺术设计教学中，艺术理论具有其重要的地位。而教师作为艺术理论的实践者、传播者，更要将艺术理论深深地印在脑海里并进行创新，只有这样，才会将艺术理论与艺术教学良好结合起来，更好地教授学生艺术理论知识，使学生的艺术设计与艺术理论完美结合。
二、艺术理论对艺术设计的影响
纵观艺术的历史，我们往往会发现这样一个现象：艺术理论在很大程度上影响着艺术的发展，制约着艺术的走向。在古时的中国，有过这样一句话：“恶紫之夺朱也，恶郑声之乱雅乐也，恶利口之覆邦家者。”这句话虽然是对当时社会的一种讽刺、警醒，却也影响了当时的艺术现象，如衣装服饰的设计、绘画色彩的运用、艺术精神的内涵都受到了一些影响，从而有了一些变化。在近现代的中国，蔡元培先生是第一位提倡德、智、体、美全面发展的教育家，正是有了他的支持，才有了我国历史上第一座美术专科学校——“国立”北京美术学校，也正是有了他的思想，才促进了中西方文化精神的交流，推动了中国艺术的近代化发展。在西方的艺术界，曾出现了一位伟大的哲学家——席勒，他提出艺术是一种自由，只有处在自由之中，艺术才会得以释放，这样的艺术才是真正的艺术。席勒的艺术理论推动了德国古典美学的发展，也影响了18至19世纪的艺术理论和艺术设计。到了19世纪中叶，当时著名的艺术理论家拉斯金参观了在英国召开的万国工业博览会后，提出了一个新的艺术理论，即艺术当以人为本，重点突出人文关怀，这个理论的提出带动了一大批青年美术家投身于设计的改良运动，其中包括“西方现代设计之父”威廉•莫里斯和拉斐尔前派的旗帜性艺术家但丁•罗塞蒂等人，而且之后展开的英国艺术与手工艺运动也基于拉斯金的艺术理论。
三、艺术设计教学中艺术理论的地位
艺术理论对艺术创作具有强大的促进作用，这是现阶段人们所公认的事实，而最早提出这个理论并将其应用到实际艺术教学中的学校是包豪斯设计学校。包豪斯设计学校是德国著名的艺术教学中心，在应用“艺术理论是艺术创作的强大推力”这个理论的初期阶段，包豪斯设计学校的校长格罗皮乌斯就邀请了当时杰出的画家担任学校的教员，如康定斯基、约翰•伊顿、保罗•克利、蒙克、费宁格等人，正是他们的努力，才将当时先进的艺术理念和艺术风格融入了包豪斯设计学校的教学，并取得了很好的效果。特别是康定斯基，他不只是一名抽象主义艺术家，同时还是一名艺术理论家，他曾在1910年撰写了《论艺术的精神》，其中，康定斯基重点指出了艺术理论对艺术设计的重要性，并且还对未来的艺术发展作出了假设，即“艺术创作的综合”。虽然这个理论并非康定斯基最先提出的，但他是第一个将此理论应用于设计教学的。格罗皮乌斯聘请康定斯基当艺术设计教员很明显是经过深思熟虑的，抛去康定斯基抽象艺术家的头衔，他还是一名艺术理论家，知识丰富，无论是美术还是物理学，康定斯基都有很深刻的认识，并且能将二者很好地融合起来，这对艺术设计教学来说是非常重要的。
综上所述，可以得出以下结论，艺术理论是艺术设计教学的基础，是艺术领域未来发展的旗帜，是增强学生艺术精神的必要知识。但是现阶段一些艺术设计专业学生并不十分重视艺术理论的学习，他们更愿意学习艺术设计专业课程，这种想法是本末倒置的。故而，学校应该加大教学资金的投入，壮大艺术理论研究队伍，以丰富学生艺术设计的理论知识。同时，教师也要加强艺术理论的教学，将理论与设计结合起来，让学生能够很好地理解艺术理论，扎实地把握艺术理论，只有这样，才能够提高学生的艺术修养，增强其艺术创作的灵感，增进其与艺术交融的精神信仰。
作者：兰燕 单位：兰州财经大学长青学院
参考文献：
[1]金鹏.浅析艺术理论在艺术设计实践教学中的作用.河南财***税务高等专科学校学报，2011（1）.
艺术设计教学篇9
关键词：民间艺术；艺术设计教学；现状；
随着我国五千年的历史沉淀，各种底蕴深厚的民族文化也越来显示出其特色。五十六个民族，不论是在民族语言、民族服饰、民族工艺还是建筑装饰方面，都或多或少地有着自己的独到之处。由于民间艺术是民族性与地域性的结合体，所以在艺术设计方面，成为了丰富的艺术资源，这一点若是被高校的艺术设计所利用，便是一笔巨大的财富。
一、艺术设计教学的现状
第一，在我国现有的艺术设计教学中，以西方文化为中心的教学体系占了大多数，这不仅是对我国本元设计文化发展忽视的表现，也证明了我国在研究民间艺术教学的重要价值上做得不到位，缺乏对民间艺术匹配的重视度与价值认知。在设置课程内容时，艺术设计教学对西方艺术设计理论及实践过于强调，使得学生理论知识的学习侧重于西方设计理论，在潜移默化中影响了学生的设计思维，导致其对对西方现代艺术艺术设计呈现出狂热的追捧，而民间文化却成为了教学空白点，学生对之了解不够，也就没有办法利用到其中的设计和创作原理。
比如，民间美术属于民间艺术中的一个分支，其在我国的生存状态可谓“岌岌可危”，由于我国的专家学者没有对民间美术有过系统的收集和整理，再加上其具有很强的地域性而且种类比较繁多，所以它在民间的自生自灭只能让那些富有实用和审美价值的艺术技艺则因无法被传承而处在失传的边缘。在没有成体系的情况下，民间美术自然而然无法进入到各美术院校的设计专业，这是我国民间艺术无法融入艺术设计教学的问题根源。现在的学生在西方设计理论及流行艺术的熏陶下，已经渐渐失去了民族意识，对民间艺术有兴趣的学生更是寥寥无几。
第二，“民族的就是世界的”，世界文化的融合就像一把双刃剑，虽然打开了民族的大门，但也给民族文化带来了冲击。现在，我国国内有些高等美术院校在进行设计教学时，会把国外的相关教授、学者请到国外进行讲学，不可否认，其中的知名教育家、学者和设计师们把现代设计的新观念、新手段和新技能带给我们，但有很多时候，那些富有学问的外来学者却把“八卦”、“太极”、“阴阳”等课题当成“时髦”，用我国的古老文化增加其教育的砝码。比较讽刺的是，民间文化在我国坐了冷板凳，可是在国外却以珍宝的身份被看待。
于是，我们必须接受：在中国的国民中，已悄悄出现了一个民族文化缺失的断层，这主要是受到崇洋思潮和民族虚无主义的影响。除此之外，便要归咎于我国的艺术教育，由于我国的艺术教育者们缺乏振兴民族艺术的使命感，再加上紧迫感和责任感不足，从而加剧了这一断层的出现。
二、民间艺术之于艺术设计教学
在我国，民俗文化被当成传统民间艺术中的重要组成部分来看待，所以，民族民间文化的表现载体自然便是民间艺术，而现代的艺术设计活动，则可以理解为与时代应用同步的创意行为和活动。近几年来，“现代艺术热”成为中西文化交流撞击的结果，之后，中国的艺术设计的专家学者们逐渐反思传统文化，开始了“寻根”的历程，这也就形成了重新全面地认识传统民间美术的趋势。除此之外，民间美术的空白也借机在高校的我艺术设计教育中被填补。
高校艺术设计教学与民间艺术，是密切相关的。总的来说，民间艺术可以丰富艺术设计教学内容，培养学生富有民族性的审美和设计理念，而艺术设计教育则可以促进民间艺术的传承和发展，使其避免失传的尴尬处境。所以，只有把二者想结合，才会形成互助互利的优势。
首先，传统的民间艺术资源集使用与审美于一身，它可以引导学生从中把现代艺术设计所需要的元素提炼出来，比如，在表达某种情感或意境时，对那些具有象征意义的传统符号加以借用；在想突出某种现代的设计意味时，可以对民间艺术中的某些特殊形式进行利用，通过提炼、重组、变化、组合等形式，让其富于变化而又充满民间美术的精髓。
其次，通过对民间艺术个性化和民族化设计的强调，不仅可以锻炼学生的概括能力、动手能力和组织能力，还能在学生的艺术视野拓宽的基础上扩展其思维方式，对学生的创造性思维加以培养，使学生的设计思想和内涵更加深刻丰富。
所以，要想完善和补充中国艺术设计教育，就必须要在艺术设计专业中建立起民间艺术教学体系。
三、在艺术设计教学中恰当地融入民间艺术
中国的民间艺术种类比较多，笔者对民间剪纸艺术比较喜爱，所以在分析民间艺术与艺术设计教学融合的内容时，就以剪纸艺术为例，通过其对学生审美情趣和设计理念方面的影响，来阐述具体的融合细节。
（1）通过民间艺术，培养学生的民族审美情趣
从审美情感好情趣方面来说，民间艺术作为人们精神的寄托，它强烈的情感和精神内涵通过形式而表达出来，而活泼亲切的表现形式则是以人情味为手段避免现代设计的单调与乏味。就像是桃子象征长寿、石榴象征多子、牡丹象征富贵等等，在创作过程中，作者无形地倾入了情感，于是，作品自然就显露出一种亲切感，充满和谐与朴实，从而达到促进创造者与使用者之间进行文化和情感交流的目的。
（2）更新设计理念，拓宽学生的设计思维
毋庸置疑，对具有民族性、地域性的艺术设计教学课程体系的建构，是在现代设计理念的基础上，通过本土民间艺术的教学参与，使高校的现代艺术设计教学及其观念朝着多元的方向发展，从而帮助高校形成自己的教学特色，让具有现代性、地域性和民族性的艺术设计教学在内容上变得更加丰富，也拓宽了学生的设计思维，引导学生的多元思维。
民间艺术可以帮助学生拓宽其设计思维和设计能力，比如造型独特的民间剪纸，以其变化万千的造型除了具有很高的研究价值以外，还使民间艺术家显示出其独特的造型观念和思维方式。其以对称为主的设计理念无疑充满了民族特点，寄托着人们对美好的向往。若对这种独特的思维进行学习和借鉴，可以让我们在认识自然和社会生活的同时获取艺术的创作灵感。
（3）重视开放性艺术设计教学
也就是通过对有利社会资源的充分利用使教学空间得以拓展。比如，相关讲座的定期开展、兴趣开发小组的组织成立，观摩学习和制作活动等等。而且，还可以更多地整理和收集剪纸艺术品，在学生的人文素养得到提升的同时，使更多学生的民族自豪感及爱国的情感激发出来。
总之，由于高校艺术设计教育上的空白可以由民间艺术来填补，就更应该在高校艺术设计教学中引入民间艺术。首先，这可以使艺术设计教育更加规范、系统和科学，也更加具有创新的内涵。其次，这也可以为传承和弘扬剪纸这一优秀的民族文化出一份力。所以，民间艺术设计进校园将会为传承民间艺术及其代表的地方特色文化的起作用，也会对社会和谐发展的推动做出实质性的贡献。（作者单位：四川国际标榜职业学院）
参考文献：
[1]谷莉.论民间美术与高校艺术设计教学的结合[J].大众文艺，2011，23
[2]彭凌燕.乌江流域民间艺术与高校现代设计教学研究[J].装饰，2006，09
艺术设计教学篇10
为了多培养出“三强”人才，设计艺术教育和管理可采用以下措施。
1.以学术梯队建设为关键，造就人才培养的高质量教师队伍
坚持“人才强校”的原则，设立高水平教师队伍建设专项，运行“高层次拔尖人才引进和培养工程”“中青年学术骨干培养工程”“中青年教师博士化工程”，支持杰出人才和创新团队建设。通过与国际知名大学和科研机构建立合作关系，每年派出教学科研人员出国留学、学术访问和参加国际学术会议，邀请外国专家、学者短期来校访问、讲学及合作研究，发起和主办高水平国际学术会议，推动师资培养国际化。实现教师队伍“四个转变”，即以科研项目和教学为纽带的松散组合转变为以学术带头人为核心并具有内生凝聚力的科研和教学团队为主体；以本科学历为主体转变为以博士学历为主体；以中老年教师为主体转变为以中青年教师为主体；偏单一血缘教师为主体转变为血缘结构合理的教师为主体。梯队的建设要做到：一方面，授课老师要有全面的知识结构、先进的教学程序和方法、实践的经验及能力，并能明晰有效地引导学生进入设计的殿堂；另一方面，教师要懂得因材施教，克服传统中国教育的学生被动学习模式，激发学生智慧、创造能力，挖掘潜力，运用科学的方法活跃教学思想，启发学生专业学习的热情，释放教与学的创造性能量。
2.以条件建设为基础，实施人才培养的高起点教学质量工程
例如，武汉理工大学加大本科教学条件建设力度，在预算编制上“重点向教学倾斜”，2004至2006年用于教学4项经费总计达1.7亿元，2006年4项经费占学费的比例达到31.31%，校园基本建设累计投资达到24亿元以上。网络学堂、网络教学平台为重点的数字化校园等基本办学条件指标均超过国家规定标准。
与此同时，学校制定了一系列提高课堂教学质量、强化工程实践能力训练等教学质量标准和规范教学环节、规范教学管理的文件和规章制度，实施高起点的教学质量工程，使良好的教学条件充分发挥应有的效益，推行教学名师制度，启动多级本科品牌专业建设，加强教学研究与改革，实施多级精品课程建设工程，支持精品教材建设。因此，笔者所在院校设计艺术学科的平台建设有了明显进展，拥有该学科本、硕、博和博士后层次，工业设计、动画等专业成为国家特色专业，“设计概论”等课程成为部级精品课程。
3.建设新的课程体系和培养模式创新
首先是按社会的需求安排教学内容和培养着重点，建设新的课程体系。以学科建设为核心，构建人才培养的高水平学科专业体系，通过制订发展规划、开展教育思想大讨论、召开“两代会”，确立学科建设在学校办学中的核心地位。优化学科结构与专业布局，整体推动学科、专业建设，着力构建人才培养的高水平学科专业体系。
其次是培养模式创新，积极探索教改试点班，从教学内容、教学方式、评价方式和管理模式上强调因材施教、个性发展和综合素质的培养，建立了“2+2”“3+1”等多种培养模式；同时营造创新氛围，积极引导教师参与教育创新，开展教学研究，积极引导大学生课外科技活动，培养创新能力和实践能力。学生在全国各类设计大赛中居先进水平，并率先在全国设立500万元的研究生创新能力培养基金，培养学生的动手能力和创新能力。
4.积极共建合作，建立校外“三强”人才培养运行模式
在设计艺术教学中，实践是产品设计的最好教学方法，设计艺术教学应以实践环节教学来带动理论教学，只有实践才能带动创新，走学院与企业相结合的教学路线，可以较好地解决设计脱离实际的问题。设计院校应开拓社会办学资源，优化“三强”人才培育环境，重视搭建科研合作、教学交流、学生互换的国际合作人才培养平台，引进国外优质资源开展国际合作教育。坚持科研促进教学的原则，广泛开展科技合作，利用教学与科研的有机融合培养学生的创新意识。2006年笔者所在院校的学生毕业设计（论文）选题数中，科研课题或来源于生产实际的课题占毕业设计（论文）选题总数的90%以上。科研时间增强了学生创新意识和团队意识，增强了学生解决实际问题的能力，进一步培养了学生的创新意识。
二、全面学习与把握学科建设“四要素”，以质量求生存
任何事情要办好，都有它的规律，有它的基本要素。笔者以为，从创建第一个专业起，就应站在学科发展制高点来把握学科方向、学术梯队、基地平台、项目成果四要素。笔者所在院校从1987年开设第一个专业——“工业设计”起，看准了它是“一种创造”，要狠抓创新意识教育，不断从理论与实践结合的高度，强化学生的实践能力与实干精神，这关系到学科与专业的生存和发展。
面对市场对人才培养的挑战，高校设计人才培养的质量应突出表现为人才特质上的“三重”和“三性”，即“重素质、重能力、重实践”和“适应性、可塑性、创造性”。设计艺术院校需要着重培养出一大批“创新意识强、适应能力强、实干精神强”的“三强”人才，以适应国家和社会的需要，这是设计艺术教育的趋势。具体而言，教学应该根据社会对各专业人才培养的特殊要求，在主干专业教学内容设置、实验条件建设、在思想***治教育和校园文化建设方面充分考虑设计行业所需的素质教育，使培养的学生有振兴各设计专业所需的知识、能力和素质。设计艺术学院的发展加强与行业的共建合作、产学研结合，强化实践教学，坚持把解决行业发展中的共性关键技术问题、输送行业所需要的高级设计专门人才放在办学的首要位置。
“三强”型人才把创新意识强摆在首位。在竞争中，特别是面对创意产业的迅猛发展，创新意识与原创意识更具优势，充满艺术与个性气息的产品必将成为消费新追求。具有感性形象创造性的设计师和善于推理与分析进行技术结构创新的设计师，都是所需要的。设计教育努力培养具有两种综合素质的人才，这需要以搭建扎实的知识结构交叉平台为基础，奠定学生将来进行“越界”设计、“越界”沟通的能力。只有具备学科交叉的知识结构和善于“越界”设计的能力，才是成为合格设计人才的基础。
“三强”型人才把适应性摆在关键的基础位置，这与设计工作本身的性质紧密相关，设计工作具有灵活、协调和市场的偶然性，设计开发过程就是一个了解市场——调整适应市场——改进适应市场的过程。此过程可以借用设计原理中的“适应性系统”概念，设计艺术适应性系统是处于内在因素与外在环境之间的交界面处、具有一定目标与功能的系统。这个适应性系统需要从内外环境、因素两个方面去考察，系统的复杂行为主要是其所处外部环境的复杂性表现，同时也受内在因素少量限定性质的制约。它的理论根据是人为创造的第二自然与第一自然协调形成天人合一的系统，这个系统针对环境规定具体的目的或意***，具有适应环境的根本特征。适应性系统的行为具有复杂多变性，但这种复杂多变的行为主要是其所处外在环境复杂性的反映。它运用规范性、限定性的描述方法，即：从目的、手段适应环境的角度去讨论“应当是何种方式”的问题。产品的内部因素、外部因素及目标也是适应性系统的三大组成要素。该系统的目的成功与否取决于它对内外环境之间的关系——特定方式的理解程度。因此，设计专业学生必须从入学就逐步建立“适应性系统”意识，无论是适应社会的强化协作意识，还是具体的设计开发和改良工作的开展本身，都要重视“适应力”。
现代社会真正需要的设计艺术人才是能吃苦、肯实干的人，设计工作与市场紧密相连，从市场调研开始就有大量繁重且要求细致严格的工作要做，而且在专业和社交技能上对设计人员提出了很实际的要求：现代社会需要的是能与他人合作、能不断地发现市场中的空缺点并根据市场需求灵活地运用设计程序与方法；利用理性的设计思维分析和引导产品设计、熟练运用现代表现技能进行产品设计的设计人才，这些能力也都建立在实干精神的基础上才能充分发挥，为企业认可。