学文网艺术设计学篇1
1、双主教学模式。这一新型教学模式在保留传统的“传导———接收”教学活动开展方式的基础上，更多地为学生提供了自主思考、自主探索的机会。艺术设计是一个自主创作的过程，在艺术设计教学中，充分利用双主教学模式，能够强调学生的主体地位，使学生的自主创造能力得到有效发挥。教师要注重情景的建构，使学生能够利用已有认知结构中相关经验对新知识进行顺化，并使其根据反馈信息形成对问题解决方法的自主构思。此外，双主教学模式还强调学生间的合作学习与多媒体工具的使用，学生在教师指导下组建学习团体，通过各类信息设备的支持开展相关理论、课题的讨论，使学生间形成思维共享，共同实现知识的意义建构。
2、3P1D教学模式。当前艺术设计的教学模式主要采用教师布置课题、学生搜集资料、构思、确定设计方案、设计***展示、教师评价的顺序，课堂上教师对教学过程的把握与学生交流存在一定缺陷，利用3P1D模式能够有效处理这些问题。这一新型教学模式要注重以下几个基本点：
（1）教学中的课题选择（Project）：教师的课题的选择上可以是实际设计项目或非实际练习，教师在备课阶段就要注重对课题内容的构想，在保障课题要求符合教学大纲的基础上，选择具有可操作性与时代性的课题，并根据实事求是原则制定规范的评定标准，便于学生把握艺术设计方向。
（2）课堂教学质量（Process）：教师要注意设计具有针对性的课堂练习项目，对学生的设计创新能力和审美意识进行系统性提升，在学生课堂项目评定上，教师要根据教学目标，结合学生的自我评价与相互评价对学生作品开展点评，最大限度激发学生的教学参与热情。
（3）设计说明（Description）：教师应把学生的设计说明作为其成绩的重要参考因素，培养学生对课题认识、设计方法探索、***纸模型绘制能力，在艺术设计过程中使学生得到眼、脑、手的全面训练。
（4）课题陈述（Presentation）：教师在学生进行课题陈述的过程中要注重对其设计构思、问题处理方式、语言组织能力等多方面因素考量，结合学生设计方案为学生指出设计亮点及存在问题，在设计实践中对学生进行设计师基本素质的培养。
二、艺术设计教学理论体系的完善策略
1、与时俱进，提高艺术设计教学创新性。艺术设计是一门更新速度极快的学科，在具体教学实践中，若只关注于学生对事物形态的描摹能力，则易使学生丧失应有的个性表达与自主创新能力。因此，要建立完善的艺术设计教学体系，教师首先要对教学手段加以创新，在课堂教学中可适当地融入新型教学手段与流行设计元素，充分发挥多媒体设备在艺术设计教学中的作用，利用具有时尚元素的影视剧展示等手段向学生表现艺术设计的美学价值，从而提升学生的审美情趣与自主创造欲望。
2、推进教学目标分层化。教学活动开展前，教师应针对不同学生对具体教学目标进行有计划、有层次的设定，例如大一学生要加强对基础课程的巩固，大二学生要实现专业课程的初步入门，大三则要全面提高专业素养。在完成教学目标时，可采用多种手段辅助教学，充分利用现代信息技术，艺术设计教学内容设计尽量做到简明扼要，让学生在轻松的课堂氛围中完成对专业知识的理解。
3、建立艺术设计教学整体框架。在***形技术、色彩、传播等艺术设计基础原理方面，有必要对艺术设计教学的整体框架进行科学建造。在课程体系的设置中，务必保证课程间的相互联系，建立系统的课程体系，使对学生的专业能力与素质培养能够始终贯穿在各门课程的学习中。
艺术设计学篇2
[关键词]艺术设计教学参赛收益在艺术设计教学中鼓励学生参加各项比赛，既是教师教的实践环节，也是学生学的实践环节，更是学生自主学习与教师有效指导相结合的教学环节。这个环节益处非常多，落实得好往往可以取得“一箭多雕”的效果。下面就据我所理解的分几方面来讲述。
一、学生收益
学生设计作品参加比赛是个有目的的学习过程，是个培养专业学习兴趣、开发创造潜能、激发创新精神的过程。在这个过程中所接触的是一项完整的设计项目，因为任何一次大赛都有主办单位，主办方的前言、目的，大赛的内容、主题、口号、宗旨等，大赛的参赛对象，参赛要求，参赛作品规格，参赛时间，大赛交流会活动，大赛奖励等，这些都是对参赛对象一次真正的水平衡量和提高。因为学生每参加一次大赛都是以非常认真的态度投入到艺术设计创作过程中，认真按大赛的规格、要求来完成自己最满意的作品的。在这个过程中学生一般会比平时做作业更仔细、更投入，往往会广泛地收集跟参赛作品有关的信息内容来完成作品的创意；也会更主动的和同学、老师、同仁等交流探讨，充分调动设计思维；有时也会和大赛主办方相关人士咨询参赛的一些信息，以便更有的放矢地完成参赛的作品。
由此可见，学生在这个参赛过程中的学习是个积极主动的、多维度立体的学习模式，是平时一般传统的、以传授和灌输为主要教学模式所不能及的。第一，在参赛过程中，学生所面对的大赛主办方就好比以后参加工作时面对的具体客户；大赛目的、内容和要求好比是客户的要求；提交参赛作品的时间好比客户要求提交作品时间；大赛的奖励奖金好比客户应付的设计费用。这些环节既是一个完整的设计实战活动，也是一个设计专业学生按社会真正需要来完成学习任务的学习过程，可以说是两全齐美。第二，在创作参赛作品的过程中，学生通过大量的收集信息，无形之下阅读了别人的优秀作品、案例，这样就可以拓宽自己的知识面，加强设计修养，提高审美眼光。这些如果在传统式的平时老师吩咐学生去做，让学生自己去学习，学生大部分是不太会去做的。这里面就存在了主动学习和被动学习的区别了。第三，学生为了自己的作品能获奖，就会主动找老师指教、建议、点拨和批改，与同学交谈并从中获益，甚至会主动找比自己高年级的师兄师姐们、同仁等讨论如何创意设计。这些是学生平时课堂上所不愿意花心思，也不会去做的，而此时却自然而然的做到了。第四，在设计参赛作品过程中，学生最大的愿望是能获奖，其次是能入围，最后是自己设计的作品能参与这次大赛活动也是很欣慰的。因为在任何一次大赛中，任何一位赛手在某种意义上都是优秀的、成功的、伟大的。如能获奖，一般大赛都有奖励，或丰厚的奖金，或精美的礼品，或光荣的证书奖状，这些虽然是身外之物，但它是对选手付出辛劳和努力的奖励或鼓励，有时也会带来荣耀和成功的机会，在毕业以后谋职时何尝不是一个举足轻重的砝码！
二、教师收益
教师指导学生参赛是艺术设计教学中重要的实践环节，是师生之间真正的互动型教学方式，是提高自己教学能力和水平的良好机会。首先，教师在指导过程中是把教学从理论落实到具体的实践，平时传统的课堂教学都是理论灌输式的，而现在则是启发式教学，注重引导。教师在引导、启发学生当中可以认识到自己日常教学当中的不足之处，丰富了自己的教学经验，提高了教学技能，为将来成为一名优秀的艺术设计教师打下了夯实的基础。其次，大部分的大赛都会设有一个优秀指导教师奖，这是对指导教师的直接奖励，极大地提高了教师的教学积极性。有些艺术设计院校把这一点直接列为年终评价、考核教师的重要依据，而且也实行一定的奖赏和鼓励措施，对其教学成果加以肯定。三、学校收益
艺术设计教学中，鼓励学生参加大赛，学校学院也是直接的获益者。第一，学生参赛无论获奖与否，都是作为该院校的一名学生参赛，代表了该院校，就大赛组委会和组织者来说，他们知道有这么一个院校，如学生、老师有获奖的话，则会更进一步了解、熟悉该院校。第二，任何一次大赛都有大赛宣传的媒体，而且大赛的参赛者都来自五湖四海，不同领域、不同层次，有设计师、学生、老师、自由职业者等等。在这个大舞台里面，可以得到广泛的交流、勾通和了解，无形之中，学校学院的社会良好知名度得到了一次扩大和提高。第三，学生参赛获奖，指导教师获奖，会提高学校知名度，无疑学校的综合竞争实力也得到了加强，影响力得到了传播。从长远来说，学校学院的教学教育得到了发展，师资和生源质量得到了扩大和优化，有利于院校的学科建设。就这一点看，国内有些院校做的比较成功，据本人所知，近几年速猛成长发展起来的职业技术学院，他们非常重视鼓励学生参加大赛，以其来提升自己学校的综合实力和知名度；还有就是一些正处于改革或评估时期的大专院校、***学院也积极鼓励学生参赛来扩大自己的影响力，增强实力，以便取得改革的成功，顺利通过评估。第三，学生参赛不管结果如何，对自己、对所在院校都是一次有益的学习活动，如果作品能入围或获奖，那么在毕业时学校可以向用人单位推荐。用人单位通过了解学生的获奖成果，便能大概了解学生的实际能力，相信学校的教学质量。在这个层面上讲，其有助于院校的毕业生就业率的提高。如今，艺术院校的毕业生就业率的高低，以及就业岗位的好差，已经成为评价该院校综合水平的重要因素之一。
四、总结及建议
综上所述，在艺术设计教学实践中鼓励学生参赛，获益是多方面的。学生、教师和学校三者都受益匪浅。通过参赛，学生对自己的学习目的更明确、学习态度更积极、学习效果更显著。通过参赛，指导教师更能把理论教学和实践教学相结合，有利于教学技能的提高、教学研究的具体实施。通过学生参赛，学校扩大了影响力、知名度，提高了综合力。所以，学校应重视学生参赛这个教学实践环节，特别是在新的教育形势下，全国各大艺术院校都在锐意改革教学大纲、培养目标，以便获得更大、更好的发展，而鼓励学生参赛是直接又实际的改革措施和方案。
艺术设计学篇3
自从沃尔特•格罗披乌斯于1919年在德国成立包豪斯学校作为现代设计教育诞生的标志以来，正规的设计教育在西方已发展了近100a。包豪斯学校从一开始就将艺术因素纳入整个设计教育体系中，将艺术与技术作为一个不可分割的有机体[1]。在这个近百年的历史中，欧美设计院校的办学理念、课程设置及教学方法等都有了飞跃性进步，这种进步主要体现在以学分制为前提，强调提高设计专业学生的综合素质，体现设计的学科交叉性，同时采用理论教学与工作室制度相结合的方式，发展和完善了包豪斯学校的“双轨制”教学。中国的设计教育历程与德国有关。德意志帝国于1918年11月宣布战败，其后成立了魏玛共和国，为了复苏国力，致力于发展经济和教育。1919年4月1日，共和国允许格氏在魏玛成立了包豪斯，而就在那天，我国出席巴黎和会的中国代表抗议英美法三国会议把德国在山东的特权全部转让给日本。以此为导火索，不久，就在北京爆发了“五四”爱国运动。这之后，随着新文化运动对民主和科学的传播，以及新式学堂的建立和留学风气的日盛，现代设计的概念也开始传入我国。中国的设计教育经历了“***案”——“工艺美术”——“工业设计”——“艺术设计”的过程。在这一发展进程中，我国的设计教育研究也一直是在不断的争论研讨中发展的，而真正的现代设计教育开始于20世纪80年代初。直到1998年7月，根据***颁布的《普通高等学校本科专业目录》，才开始将“艺术设计”定为本科专业的名称，在此之前的1997年6月将“设计艺术学”定位为博士、硕士学位和培养研究生学科的名称。近几年来，很多高校还开设了与艺术设计实践性专业相左的、以偏重艺术设计理论学习的“艺术设计学”专业。由于名称文字上的近似，人们对艺术设计、艺术设计学和设计艺术学三者的概念还较为模糊，常常混淆，没有认识到三者实质上的区别和联系，没有分清三者到底是怎样的辨证关系，这就不可避免地在招生、教学、实习过程中出现专业与学科属性认识上的错误和偏颇。因此，有必要对三者进行深入研究，以明确三者各自的专业与学科特点，使我国的设计教育层次更分明、目标更明确。
2三者概念
2.1艺术设计
当下在各大学招生目录中的“艺术设计”是指一门专业，它主要包括了视觉传达、环境艺术、陶瓷艺术、服装设计等专业方向。目前，国内对惯称的所谓“艺术设计”的解释主要有两种说法：一种是沿袭国际标准，因为在国外相类似的院校大多都采用“artanddesign（艺术与设计）”的方式命名，在中国省略了其中的“and”，简化为“艺术设计”，应该算是中式英语翻译的结果；另一种是根据中国国情，设计教育者们在充分理解了现代设计的产生背景和原理后结合中文语境所命名的产物，是对“设计”的“国情本土化”解释。而所谓“国情本土化”是为了防止人们还停留在“工艺美术”的概念上，对“设计”的定义缺少全面理解。虽然1998年前我国已经有了“工业设计”这个概念，但还是不能很明了地向世人表达现代设计的意味。最终，人们在“设计”前面加注了“艺术”二字，使人们更容易接受这一概念，“艺术设计”一词当中“艺术”只是定语，它本身成了对“设计”的装饰，言下之意就是侧重在设计上。这样情境下的艺术设计成为了解释和传达西方design的复合词，基本上反映了设计教育发源地包豪斯学校的思想[2]。因此，就艺术设计专业开设目标上来说，需要培养出能够适应社会经济发展，满足社会与市场需求的人才，他们不仅应当是具有良好的科学文化素养、敏锐的设计审美眼光、创新的创造思维能力和熟练掌握艺术设计专业技术的综合素质人才，而且还应当是了解艺术设计专业发展前沿和动态，能在视觉传达、环境艺术、陶瓷艺术或服装设计等行业从事设计实践的应用型的高级专门人才。
2.2艺术设计学
艺术设计学是一门新兴专业，它是一门建立在艺术设计实践基础上，重在研究艺术设计相关理论的本科专业。艺术设计学产生于人类的造物活动，又反过来服务和指导着人类的造物活动。艺术设计学帮助学生系统了解艺术设计的形成和历史发展以及有关理论，其中也包括艺术设计的形态构成、功能定位、审美创造、市场开发等理论问题。艺术设计学专业立足于设计理论体系的建设与研究，强调广泛吸取艺术学、历史学、哲学、文学等各相关学科的研究成果，开展设计学、设计史及设计管理方面的课程以引导学生进行综合性理论研究。艺术设计学以培育适应社会主义现代化建设和时展需要，德智体美全面发展，具有较强创新精神和竞争意识的高素质人才为宗旨。在这个宗旨下，培养出具有艺术设计专业基础理论，具备艺术设计理论教学和研究等方面的知识，能从事设计研究、艺术鉴赏、文化传媒、设计策划、出版编辑等方面工作的，具有较高理论和实践素质的人才。
2.3设计艺术学
设计艺术学是一门多学科交叉的应用型艺术综合学科，其内涵是按照文化艺术与科学技术相结合的规律，为人类生活创造物质产品和精神产品的一门科学[3]。在高等学校中，设计艺术学被定位为应用学科，这在认识和理解上有两个层次：一是它本身是以实践为目的，或者说它的主要任务是解决社会各方面的实际需要；二是任何一种应用型的学科都应有理论的上升，这既是其自身赖以提高的需要，又是整个学科发展的需要[4]。设计艺术学的培养对象是研究生，开设该学科的主要目的是提高其理论水平，培养其创造性思维以及提升其进行艺术设计实践、研究与教学的能力。设计艺术学学科价值观是在以人为本、保护环境的前提下，以艺术设计各专业领域的实践成果和创作理论为对象，从中研究具有理论价值的设计方法、设计思想和设计经验，改善人与设计对象和自然的关系。其主要研究方向为各专业领域的设计及理论（包括视觉传达设计及理论、环境艺术设计及理论、陶瓷艺术设计及理论、服装艺术设计及理论等）、现代设计理论及方法、设计与文化、设计战略与设计教育、信息与多媒体技术理论等。
3三者关系
设计的目的是为了创造未来人类更合理的生活环境和生存方式，艺术设计、艺术设计学、设计艺术学都是围绕着设计的这个宗旨而针对院校高等教育而展开的。从上面三者的概念分析，我们可以推断出艺术设计、艺术设计学、设计艺术学有一定的区别，同时又有着极为密切的联系。
3.1专业与学科的关系
从学科（discipline）概念来说，“艺术学”（代码0504）是我国***学位委员会在1997年6月颁布并确定为文学门类之下的一级学科[5]，“设计艺术学”（代码050404）现在是“艺术学”下的子学科，与艺术学是一个从属关系。所以，设计艺术学是一门学科，是一级学术组织形式，拥有相对完善的知识体系，在此基础上设立了艺术设计、艺术设计学、动画、工业设计（有些院校将工业设计纳入机械类）等专业（major）。而艺术设计和艺术设计学则都是专业，是大学教育和传授艺术设计相关知识的教学组织和管理形式，是根据社会分工和经济发展的需要而设立的。总的说来，作为专业与学科，在建设方面一个侧重在教学，一个偏重于研究。一所艺术院校的水平高低，除了靠培养一批在社会上有所建树的毕业生，主要还是看这所学院的学科建设水平，是否具备了培养设计艺术学博士、硕士研究生的授予权。艺术设计和艺术设计学专业，其专业建设重在人才培养目标的制定，课程质量的提升，实验室、实习基地建设，其培养对象是本科生群体；设计艺术学学科建设重在学术梯队建设，研究设施建设，形成、转化研究成果及研究组织建设等，通过学科方向的凝练，学科带头人的遴选与培养，学科基地建设等提高学科建设水平，其培养对象是研究生[6]。
3.2实践与理论的关系
《易经•系辞上传》的“形而上者谓之道，形而下者谓之器”之句，当下常被业内同行解释为侧重“器”的设计实践层面则为“形而下”，侧重“道”的设计理论层面的为“形而上”。艺术设计是提升人类生活质量、改变人类生存生活环境的目标行为，强调的主体是“设计”，可理解为“艺术化的设计”，表示动作或者行为，是一种实践性的活动，更偏重于“形而下”的层面；艺术设计学是对设计进行策划与管理、鉴赏与批评、设计文化研究等多领域的理论探讨，指导艺术设计实践，具有进行纵向深入理论研究的潜在性，更加侧重于“形而上”的层面；设计艺术学是一门建立在设计实践基础上的应用性很强的学科，重在设计艺术知识、方法及设计艺术实践的理论研究，可以理解为“设计的艺术”或“设计的学问”，是从“物”的实践设计上升到“道”的理论研究，它是一个相对完整的学科体系，学术性较强，涉及的边缘学科更广泛，强调的是整个设计艺术学领域知识的整合和创新，为艺术设计和艺术设计学专业提供学科土壤，是更高层面的“形而上”的概念[7]。
3.3由技入道与由理入道的关系
在艺术设计教育上来说，由技入道是从技法、技术上出发入道。如果只有技，而无思想与创造性，就只能是匠人，注定永远沿着别人的路走，这种没有研究性的思维模式总是缺乏主动性和创造力的。由理入道，则是从理论高度弄通原理、道理去入专业之门，通过理解去掌握设计专业知识或技巧，通过研究去创新知识并完善技巧。严格说来，从培养合格的设计人才出发，整个设计教育应当是将“由技入道”和“由理人道”两种方式结合起来的综合性的系统教育。但在具体施教的过程中，作为突出行业特色、强调实践行为的艺术设计专业是侧重在“由技入道”的方式上；而艺术设计学专业为艺术设计提供理论支撑，主要是依靠“由理入道”的方式；设计艺术学则是更高层次的“由理入道”，侧重在设计艺术知识和方法方面的理论建树。上述三者在教学过程中虽然各有所侧重，但艺术设计、艺术设计学、设计艺术学三者都可以看成是“由技入道”和“由理入道”两种方式入门的联合体，两种方式都是不能孤立地去施教的，归根到底还需要做到“由技”与“由理”的统一。只有这样，才能使我们的设计教学和研究做到系统性与完整性的结合，更好地推动着中国设计教育的进步。
4结语
艺术设计学篇4
关键词：民间艺术；艺术设计教学；现状；
随着我国五千年的历史沉淀，各种底蕴深厚的民族文化也越来显示出其特色。五十六个民族，不论是在民族语言、民族服饰、民族工艺还是建筑装饰方面，都或多或少地有着自己的独到之处。由于民间艺术是民族性与地域性的结合体，所以在艺术设计方面，成为了丰富的艺术资源，这一点若是被高校的艺术设计所利用，便是一笔巨大的财富。
一、艺术设计教学的现状
第一，在我国现有的艺术设计教学中，以西方文化为中心的教学体系占了大多数，这不仅是对我国本元设计文化发展忽视的表现，也证明了我国在研究民间艺术教学的重要价值上做得不到位，缺乏对民间艺术匹配的重视度与价值认知。在设置课程内容时，艺术设计教学对西方艺术设计理论及实践过于强调，使得学生理论知识的学习侧重于西方设计理论，在潜移默化中影响了学生的设计思维，导致其对对西方现代艺术艺术设计呈现出狂热的追捧，而民间文化却成为了教学空白点，学生对之了解不够，也就没有办法利用到其中的设计和创作原理。
比如，民间美术属于民间艺术中的一个分支，其在我国的生存状态可谓“岌岌可危”，由于我国的专家学者没有对民间美术有过系统的收集和整理，再加上其具有很强的地域性而且种类比较繁多，所以它在民间的自生自灭只能让那些富有实用和审美价值的艺术技艺则因无法被传承而处在失传的边缘。在没有成体系的情况下，民间美术自然而然无法进入到各美术院校的设计专业，这是我国民间艺术无法融入艺术设计教学的问题根源。现在的学生在西方设计理论及流行艺术的熏陶下，已经渐渐失去了民族意识，对民间艺术有兴趣的学生更是寥寥无几。
第二，“民族的就是世界的”，世界文化的融合就像一把双刃剑，虽然打开了民族的大门，但也给民族文化带来了冲击。现在，我国国内有些高等美术院校在进行设计教学时，会把国外的相关教授、学者请到国外进行讲学，不可否认，其中的知名教育家、学者和设计师们把现代设计的新观念、新手段和新技能带给我们，但有很多时候，那些富有学问的外来学者却把“八卦”、“太极”、“阴阳”等课题当成“时髦”，用我国的古老文化增加其教育的砝码。比较讽刺的是，民间文化在我国坐了冷板凳，可是在国外却以珍宝的身份被看待。
于是，我们必须接受：在中国的国民中，已悄悄出现了一个民族文化缺失的断层，这主要是受到崇洋思潮和民族虚无主义的影响。除此之外，便要归咎于我国的艺术教育，由于我国的艺术教育者们缺乏振兴民族艺术的使命感，再加上紧迫感和责任感不足，从而加剧了这一断层的出现。
二、民间艺术之于艺术设计教学
在我国，民俗文化被当成传统民间艺术中的重要组成部分来看待，所以，民族民间文化的表现载体自然便是民间艺术，而现代的艺术设计活动，则可以理解为与时代应用同步的创意行为和活动。近几年来，“现代艺术热”成为中西文化交流撞击的结果，之后，中国的艺术设计的专家学者们逐渐反思传统文化，开始了“寻根”的历程，这也就形成了重新全面地认识传统民间美术的趋势。除此之外，民间美术的空白也借机在高校的我艺术设计教育中被填补。
高校艺术设计教学与民间艺术，是密切相关的。总的来说，民间艺术可以丰富艺术设计教学内容，培养学生富有民族性的审美和设计理念，而艺术设计教育则可以促进民间艺术的传承和发展，使其避免失传的尴尬处境。所以，只有把二者想结合，才会形成互助互利的优势。
首先，传统的民间艺术资源集使用与审美于一身，它可以引导学生从中把现代艺术设计所需要的元素提炼出来，比如，在表达某种情感或意境时，对那些具有象征意义的传统符号加以借用；在想突出某种现代的设计意味时，可以对民间艺术中的某些特殊形式进行利用，通过提炼、重组、变化、组合等形式，让其富于变化而又充满民间美术的精髓。
其次，通过对民间艺术个性化和民族化设计的强调，不仅可以锻炼学生的概括能力、动手能力和组织能力，还能在学生的艺术视野拓宽的基础上扩展其思维方式，对学生的创造性思维加以培养，使学生的设计思想和内涵更加深刻丰富。
所以，要想完善和补充中国艺术设计教育，就必须要在艺术设计专业中建立起民间艺术教学体系。
三、在艺术设计教学中恰当地融入民间艺术
中国的民间艺术种类比较多，笔者对民间剪纸艺术比较喜爱，所以在分析民间艺术与艺术设计教学融合的内容时，就以剪纸艺术为例，通过其对学生审美情趣和设计理念方面的影响，来阐述具体的融合细节。
（1）通过民间艺术，培养学生的民族审美情趣
从审美情感好情趣方面来说，民间艺术作为人们精神的寄托，它强烈的情感和精神内涵通过形式而表达出来，而活泼亲切的表现形式则是以人情味为手段避免现代设计的单调与乏味。就像是桃子象征长寿、石榴象征多子、牡丹象征富贵等等，在创作过程中，作者无形地倾入了情感，于是，作品自然就显露出一种亲切感，充满和谐与朴实，从而达到促进创造者与使用者之间进行文化和情感交流的目的。
（2）更新设计理念，拓宽学生的设计思维
毋庸置疑，对具有民族性、地域性的艺术设计教学课程体系的建构，是在现代设计理念的基础上，通过本土民间艺术的教学参与，使高校的现代艺术设计教学及其观念朝着多元的方向发展，从而帮助高校形成自己的教学特色，让具有现代性、地域性和民族性的艺术设计教学在内容上变得更加丰富，也拓宽了学生的设计思维，引导学生的多元思维。
民间艺术可以帮助学生拓宽其设计思维和设计能力，比如造型独特的民间剪纸，以其变化万千的造型除了具有很高的研究价值以外，还使民间艺术家显示出其独特的造型观念和思维方式。其以对称为主的设计理念无疑充满了民族特点，寄托着人们对美好的向往。若对这种独特的思维进行学习和借鉴，可以让我们在认识自然和社会生活的同时获取艺术的创作灵感。
（3）重视开放性艺术设计教学
也就是通过对有利社会资源的充分利用使教学空间得以拓展。比如，相关讲座的定期开展、兴趣开发小组的组织成立，观摩学习和制作活动等等。而且，还可以更多地整理和收集剪纸艺术品，在学生的人文素养得到提升的同时，使更多学生的民族自豪感及爱国的情感激发出来。
总之，由于高校艺术设计教育上的空白可以由民间艺术来填补，就更应该在高校艺术设计教学中引入民间艺术。首先，这可以使艺术设计教育更加规范、系统和科学，也更加具有创新的内涵。其次，这也可以为传承和弘扬剪纸这一优秀的民族文化出一份力。所以，民间艺术设计进校园将会为传承民间艺术及其代表的地方特色文化的起作用，也会对社会和谐发展的推动做出实质性的贡献。（作者单位：四川国际标榜职业学院）
参考文献：
[1]谷莉.论民间美术与高校艺术设计教学的结合[J].大众文艺，2011，23
[2]彭凌燕.乌江流域民间艺术与高校现代设计教学研究[J].装饰，2006，09
艺术设计学篇5
关键词：艺术设计；插画设计；教学
中***分类号：G42 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）05-0255-01
一、艺术设计学科插画设计教学的现状
由于近年来高校扩招，面对一群水平参差不齐的学生，高校不能采用同一个标准进行教学。而以学生的学习成绩划线，只认可学生的考试分数，不太承认学生其他方面的天赋或个性发展，这对于艺术设计教育来说是存在一些误区。艺术设计的学生思维比较活跃。因此，艺术设计教师应正视学生个性差异的客观存在，注重因材施教，端正教学态度，明确培养目标，探索出适应艺术设计学科的教学新思路，改进教学方法，才能适应高校艺术设计教育的发展。
二、作为艺术设计教学的插画教学模式改革
（一）改革插画教学课程结构，以培养应用型人才作为教学目的
插画教学成为了现代高校艺术发展的一个闪亮点。信息技术与网络技术的进步，使插画的表现形式呈现出多样化风格。每一种风格特征的插***都有自己的使用价值和美学价值，体现了时代性和文化特征。高等***案科开设的专职业教育的课程教学目标。
学习基本知识。这是高校公认的课程教学目标，艺术设计插画教育课程必须首先确定明确的能力目标。在进行插画设计课程教学过程中，教师向学生介绍插画设计的历史、插画设计的定义，插画设计设计的运用范畴，以及对国内外插画设计的表现追溯。通过讲授插画设计的基本知识，使学生对插画设计有整体上的一些了解。接下来，教师向学生讲授插画设计的审美特征、表现形式及创作方法。从插画设计的审美特征：平面化与简化、夸张与变形、对比与统一、节奏与韵律四个方面分析。插画设计的表现形式：插画设计的视觉元素：点、线、面、肌理四个方面分析。从生活中寻找创作的灵感，将点的视觉元素组合在一起并在插***中组合运用，达到了很好的视觉效果。让学生认识到插画同样是艺术形式的同时，有意培养他们的个体意识和审美情趣。插画中表现的线条使视觉表现干脆而强烈，更具视觉冲击力。插***画面中具有强烈的形式感，利用点、线、面的穿插，使线条和线条之间的层次，更具装饰性。让学生所获得的造型能力训练成为今后插画创作和设计顺利过度的阶梯，真正使插画基础训练的过程对以后插画创作与设计起到事半功倍的效果。通过教师在课堂的教学，让学生了解插画设计的审美、构成元素、色彩、构***、创意。为学生在将来进行插画设计创作时，有理论依据。
（二）改革插画教学课程方式，激发学生的创造性思维和动手能力
掌握单项技能。学生通过对插画设计的基本知识的学习，把插画设计的基本知识运用到插画设计的实践中。通过插画的实践操作，理解插画设计表现的基本形式。按照艺术设计专业教育的定位，例如插画设计中的造型能力和构***能力、某些绘画软件的使用技能等。
电脑绘制插***有多种软件工具，常用的软件Photoshop、CorelDRAW、Illustrator。学生在插画创作过程中，要积极地学习和掌握已经存在的各种工具和材料，熟悉它们的特性和表现技巧，同时也要积极地去尝试、探索新的工具和材料，创造出更加新颖、更富有表现力的插画。最好的训练方法是在完成实际教学课题过程中对各种单项技能进行实训。为上好插画设计课。教师应先从理论上给学生深入讲解，从赏析中外插画作品入手，分析中外插画精品中的各类形式和艺术特色，在此基础上先让学生临摹插画设计作品，通过临摹范画来体会其中奥秘、难点。
掌握综合技能。教师在指导学生掌握单项技能的同时，可以在仿真的任务或是公司里的真实项目中训练学生的综合技能。公司里的真实项目是对学生学习插画设计能力训练的载体，让学生可以直接了解市场需求，并且结合自身所学的专业知识应用到市场中，达到学以致用的效果，把课本上的理论知识和市场的实践相结合。让学生通过参与真实的项目从而练成解决实际问题的技能。指导学生在实际工作中真正训练出解决实际问题的综合能力。高等教育课程目标的最终目标，就是理论联系实际，让学生具有实战能力――解决实际问题的综合能力。插画设计课程不是单纯让学生掌握专业知识体系，而是要求学生掌握技术、知识，去完成某种指定的工作活动。所以，结合上面讲到的课程评价标准，插画设计教育课程的新改革有以下几点：教师要以插画基础知识为导向，突出能力目标，以学生为主体，以插画实训为手段，设计出知识、理论、实践一体化的插画设计课程。
参考文献：
艺术设计学篇6
就我国传统文化构造与发展来看，不仅包含了多项内容，同时存在的历史也是非常悠久的。但是从专业的角度进行研究就会发现，其实并不存在传统工艺美术这概念。针对这一名词，追本溯源就其实就是手工工业与手工艺两者相互结合的产物。如果单单将工艺美术视作为物质类抽象表现，其实并不全面。综合来说传统工艺美术就是物质类抽象与精神类产物相互结合的产物。在传统工艺美术逐步发展的过程中，为适应社会发展的需要艺术设计学科随之产生。这两者相互存在一定的相同之处，但是也存在不同之处。
二、传统工艺美术与艺术设计的相似点与区别
其实人们在研究的时候就会发现，传统工艺美术与艺术设计之间存在某种必然的联系。两者产生的时期不同，在社会历史中需要完成不同的社会使命。两者相互联系和影响，但是两者之间的差异性又具有非延承性。传统的工艺美术其实可以将我国历史上具有代表性意义的文化包含在内。简单来说传统艺术美术就是我国审美情趣的经历。但是艺术设计则不同。艺术设计起源于西方文明，无论是从***案、构成还是装饰方面都会在一定程度上体现现代工业发展的过程。从这就可以看出艺术设计是有着浓厚的西方文化，而传统工艺美术则是在本土东方文化的基础上发展起来，并且还强调了手工业的重要性。从这就可以看出，这两者其实在艺术方面的追求与体现，更多是重视创造性与动手能力，这一点共同凸显在传统工艺美术与艺术设计中。研究人员在研究的时候就发现，所谓的传统工艺美术与艺术设计并不是简单的称谓发生了改变，深层的含义就是不同的历史阶段人们认识与感悟一个过程，也是主体倾向的表达。工艺美术这一个名词即使是通过外文直译而来，但是研究人员在研究的时候就发现该名词就已经准确的概括了我国传统手工工艺。在此基础上，有的学者认为，所谓的传统工艺美术其实本身就涵盖了非常浓厚的经济特点。而艺术设计则是由着现代工业化大生产产生的。这就充分的说明了传统工艺美术与艺术设计之间存在着本质性的特点。随着社会快速的发展，现代文明更迭。自给自足的传统手工业逐渐朝着机械化的方向发展，而这其实就是传统工艺美术朝着艺术设计发展的必然趋势，也是社会文明快速发展的表现。在这样一种发展环境下，传统工艺美术在现代社会发展中处于一种比较尴尬的境地。
三、传统工艺美术与艺术设计之间的不可替代性
其实严格来说，传统工艺美术其实并不像名字变换那么简单。无论是从专业角度还是从学科发展的角度来说，艺术设计其实并不能涵盖传统工艺美术，传统工艺美术也不能将艺术设计表达出来。简单来说，这两者其实具有不可替代性的作用。而这其实也就说明了艺术设计是社会发展的产物并不能完全取代工艺美术所含有的历史价值。从名词的涵盖范围来看，设计涵盖范围是非常广泛的，工业、电子工业、制造业都被包含在设计范围中，但是工艺美术包含的内容主要属于美术***案、手工工艺以及装饰工艺等。从这就会发现，人们在研究的时候就试***实用设计来涵盖工艺美术的内容，其实这就属于一种误区。传统工艺美术大部分属于民间工艺艺术的传承，在风格表现上具有非常明显的东方特点。而艺术设计从设计的结果就会发现，其讲究的是正规教育下产生的不同艺术的表现形式。在表现形式上就会发现艺术设计其实就是通过现代的表现方式将创造性的思想表现出来。我国艺术设计学科在产生之后就一直由教育延续下来，通过教育将艺术设计朝着多层次、多专业的方向发展，并且在其逐步发展的过程中会不断将现代教育思想与理论引进来，促使教育者在接受正规教育的时候能够接受到新的教育理念。通过这样的简单论述就说明了创造性设计思维理念其实就是现代工艺与设计教育的核心内容。在现代社会快速发展的过程中，现代机械化已经逐步取代了手工工业。导致手工工艺赖以生存的工艺失去实际的用途，手工工艺也已经逐渐远离了人们的生活。但是即便如此，在研究的时候就会发现，手工工艺中的美术开始逐步走向复兴，渐渐回归到人们的视野中。如，我国已经将多项民间工艺划为了非物质文化遗产，促使手工工艺获得应有的重视。与此同时，在经济快速发展的过程中，旅游市场逐渐开发，收藏市场逐渐升温，促使多种手工工艺渐渐获得市场认可。
四、结语
艺术设计学篇7
‘建筑学具有历史造成的强势地位:在今天，认为建筑学也是一种艺术设计，仅在概念上也许并不存在异议。但如果在学科设置上把建筑学置于一个从属于艺术设计的分支地位上，争议就必然产生了，这是有原因的。这不仅是因为建筑学在历史上、在今天早已是一个各方面完备且自成体系的专门技艺，而且因为人类社会历史的发展赋予了建筑学某种高于艺术设计其它门类的强势地位:
1.在人类历史上直到今天，无论是对帝王或对贵族，甚至对平民而言，建筑工程都是一件大事，不论建筑物是用来供奉祀祠还是炫耀、居住，相较其它的艺术设计门类，建筑都必需涉及到大量的财力、人力、物力、技术并需要投人大量的精力，而且建筑物相较于其它设计物品时间更长，影响力更大，就这一点而言，对建筑术(建筑学)的重视是必然的。
2.人对建筑的感受源于人的基本生存机能，即建筑不仅是满足了人的某些使用要求，同时是提供了某种生存环境—而人对环境的判断、感知能力是生物生存根本的机能之一，建筑的艺术性和审美可能正是建基于此。
3.普遍的人类艺术史与艺术理论研究对建筑学也有偏重。传统艺术史与理论每在提到“art’’艺术一词时，它都是包指绘画、雕塑、建筑三者，这一点今天也仍然被人们广泛接受。瓦萨利在其《艺术家传略》中，最先将以上三者以同一步调展开论述，而且他第一次从中归纳出了一条共同的标准:三者都是“artofdesign”“设计的艺术”(或“结构艺术”)以及我们今天认为理所当然的东西—视觉艺术的内在统一性，他还认为建筑这种非模仿性艺术要比再现性艺术处于更优越的地位12】。由此，就造就了建筑学成为艺术设计门类的总领这样一个地位。早在14世纪，在其它艺术设计门类中如陶瓷、纺织领域，设计者已经比制造者更加引人注意，但他们在理论上、在社会中从未能取得象建筑师那样的地位，“艺术设计”则更是一个近现代才出现的学科概念。
4、建筑学是艺术与科学的联系纽带。把“建筑学”与绘画、雕塑并列是有一定的思想背景的。从柏拉***在其《理想国》中排斥艺术开始，人们总是视纯艺术(绘画、雕塑等)会有一种过分放纵的可能性，而建筑却与他们不尽相同，建筑术不仅切合“art”艺术的原义(技巧、技艺)，而且它还是一种被当时人们倾慕的实用技术。文艺复兴时期艺术家对建筑的涉足，源于一种追寻科学的冲动，也隐含着通过这种“涉足”提高自身地位的要求(画家在文艺复兴前地位不高)。对建筑学本身的理论研究更提供了这种科学性的“佐证”:建筑与数学的关系，建筑与人、与宇宙万物的关系，比例，尺度，风格变化的规律……今天的人们对这些“佐证”的科学性当然已有了与前人大不相同的认识，但这种影响仍在，我们今天也仍在讲:对比、变化、比例、构***、主从关系等等。这些“科学理论”对艺术设计其它门类的影响是显而易见的，在所有与艺术设计有关的门类中，建筑学方面的理论是最丰富、系统、全面的，对艺术设计其它门类产生的辐射作用是显著和必然的。
5.建筑学是具有包容性和借鉴性的。建筑设计从来不是一种单纯的技术活动，它更是一种融合性极强的艺术活动，建筑不能是一个空壳，它要包含陈设、家具、布艺、雕饰、灯具……许许多多的其它艺术设计门类，它和这些艺术设计门类必然会互动式的相互促进借鉴。建筑物实际上是基于某种共通设计理论基础、社会需求的各种艺术设计制造物的整合环境。无论我们今天认为公正与否，建筑学之于艺术设计的这种强势地位都是一种历史使然(也是一种必然)，但也许未必是一种未来的必然。
*建筑学直指艺术设计的核心:
挪威设计师昆特·伊安认为:“一个设计师在实现自己的意***之前，必须认识到使用者的意***”，他暗示出了艺术设计的核心问题:功能与形式的融合。“功能与形式”是一个古老的话题，它并不总是表现为矛盾冲突的两个方面，但也不是只侧重其一就可全面解决问题的。一个优秀的设计是可以两者兼顾，平衡并不着痕迹的。建筑学在这一问题上虽然没有一种万能的解决方法，但却提供了一种思维训练程序。正如贡布里希所说:”建筑应该是证实任何一种关于人造物结构的装饰理论的实例，因为在建筑中我们能够从任何水平上去研究功能层次与装饰层次之间的张力”[3】应该说，对于建筑设计的整个流程而言，功能与形式问题比其它艺术设计门类都强烈、复杂，并贯穿始终:从开始着手设计时对地域、环境、人文、水土、总体造型考虑;设计中对人流路线、功能分区、结构可行性、个人与群体的功能需求、空间感受、构件造型的逐项分析、与水、电、气的功能协调;直到建设中与完工后的使用与美观方面的反馈分析。
功能与形式总是交织并重在一起，需要时时注意给予通盘考虑。在多种复杂的限定条件下满足使用功能又使之具有宜人的美感形式一这种要求与创作训练，无疑也会对进行其它门类的艺术设计大有裨益。
建筑设计中，功能与形式密不可分的特点是被用于创造具有某些使用功能的“空间”的。建筑“空间”这一概念出现于十九世纪末，但创造空间这一活动却与建筑的历史一样长。建筑师是用某种思维能力—“空间感”去完成这一工作的。在建筑设计中，“空间感”是建筑师的“神游”性的想象力，即如菲利普·约翰逊的“行径FOO下户RINT’’、柯布西耶的“路线ROU下E”。简而言之，即建筑师在设计中不单单是去构想建筑中的“面”的组合，也不单单去构想“体”的嵌接，而是以想象力“行进”、穿梭于建筑各部分、内与外、高与低，多视角的预见一番设计的视觉及使用效果。穆哈利·纳基认为:“空间的体验并不仅作于少数的天才的专利，而是属于一种生物学的机能”[4〕，这种能力以及对这种能力的训练，建筑学是很有其长处的(当然，这并不等于说不经过建筑师的训练就不可能具有这种能力)，而这种能力对许多艺术设计如:服装、汽车、日用品甚至许多平面设计(大型招贴所需要的多视角考虑)都是极重要的。我们从西彼勒·克歇尔(《。ltVetti》，990年)对意大利Olivetti设计公司的介绍中得知，意大利的设计师们通常首先创}陈作为建筑师，然后试***更肯定他们作为***艺术家的角色，“戏剧”被视为设计过程中的一个不可缺少的组成部分。他所说的“戏剧”实际上与英国设计师们提倡的叙事体和比喻特征相类似，都是一种加上了时间程序、节奏、视觉上的情节铺垫，冲突、矛盾、高潮起伏等，“戏剧话语趣味”的“空间感”想象化的设计。
应该说，当设计师具备了在多种复杂限制下全面考虑功能与形式的思考方式，多视角、多层面体会观察的空间感受能力以及以趣味化、戏剧化吸引人的构思，那么这些能力就已经不只可以用来完成建筑设计，而且更可兼顾几乎任何门类的艺术设计了。
*建筑学的社会性:
建筑常是令人瞩目的社会生产活动。一方面是因为它的大投人(财力、人力、技术力量)，另一方面是因为建筑活动是创造一种人工环境的行为，而人对环境的感受是一种强于对其它艺术物品感受的本性化感知能力，这一点可能追溯到人作为环境中的生物物种的生存本能。可能基于以上两方面，在人类历史的发展中，建筑物还常常被赋予许多思想上的、宗教上、***治上的、甚至是世界观、哲学上的含义。建筑物常常被用来表达某种思想，并集中体现出历史传统、时代、社会风貌及审美趣味(这一点在学术上还有争议)。人类历史早期对神抵的尊崇(古埃及、古希腊、古罗马)，文艺复兴时期“古典主义”建筑风格所反映的“人文精神”，由于***治原因18世纪英、法“古典复兴”对古希腊、古罗马建筑风格针对性的选择，以及二十世纪现代派建筑风格对时代风貌的追求·，·…用建筑来反映思想也许要比其它艺术品更能引人注目，更强烈并更具“历史标志性”。所以在西方，建筑思想常常被上升为某种“哲学观念”(这与音乐学有某种相似性，音乐学最终也被升华为哲学)。
艺术设计学篇8
1.更新观念，转变对实践教学的认识
面对我国高等教育从精英教育向大众化教育转变的现实，如何在本科教育中将理论与实践相结合,密切关注社会需求及行业动态,使学生的专业学习与其今后的就业紧密联系,成为今天高等院校不可回避的重要课题。这一点,我们可以从西方发达国家的艺术设计教育现状中得到有益启示。以美国为例，实践是美国艺术设计学院的课程灵魂，学生通过实践课程紧密结合社会需求从而能很快进入职业轨道。学生毕业的就业率是衡量美国艺术设计学院知名度的直接标准。在美国，许多艺术设计学院的职业角色教育从新生入学第一天就开始了，并且一直伴随学生到毕业。
2.建立完整的实践教学思路，改革和优化实践教学体系
要实现艺术设计专业实践教学目标，绝不是靠几门课程、几个环节就能完成的，我们必须建立完整的实践教学思路，不断改革和优化实践教学体系才有可能达成。
在美国，许多艺术设计学院都会在专业学习过程中提供各种职业实践机会给学生，包括暑期项目、国外旅游学习实践项目、纽约和欧洲工作室项目以及大量的与各大公司的合作项目。在许多著名设计艺术学院里，大量的教学课程就是与大公司合作的实际产品设计项目。这样，学生在专业学习过程中就已充分与社会接触，并通过各种职业实践机会为未来的职业生涯奠定良好的基础。以美国最具影响力的洛杉矶艺术中心设计学院为例，为适应社会及企业需求，其相应构建了企业型的设计教育结构，学院每学期都会有若干项目课程与企业密切相关（被称为“企业赞助项目”），同时，许多课程也是在专门工作室完成的。正是由于洛杉矶艺术中心设计学院构建起了特有的教学体系，学生的实践应用能力得到很大提高，学院的数码设计专业、平面设计专业及娱乐设计专业等，在全世界具有领先水平。
3.采取多种形式，培养实践教学队伍
缺乏高素质、稳定的实践(实验)教学队伍，是当前制约高校实践教学的瓶颈。对于艺术设计专业而言，要搞好实践教学队伍的建设，首先是要有意识、有计划地引进既有系统的理论修养，又有丰富艺术设计实践经验的"双师型"教师；其次，要有计划地选派专业教师，特别是青年教师到艺术设计行业的相关企业进行实际锻炼，以增强其专业实践能力；另外，还可以采取长期或短期聘用的方式，邀请国内外艺术设计行业的精英或专家来校讲学、授课，力争将最新的行业知识和信息传达给学生。通过上述多种途径的综合努力，我们就有可能培养出一支素质较高、相对稳定的艺术设计专业实践(实验)教学队伍。
4.注重与业界的横向联合，创造良好的实习条件
艺术设计专业是应用性很强的专业，其与社会相关行业的联系十分密切。如美国洛杉矶中心艺术设计学院和底特律创造研究学院的产品设计专业就与全球各大汽车制造商和产品制造商进行了广泛合作，为推动全球汽车和产品制造业的发展作出了极大贡献，而企业也为学院专业发展提供了资金上的帮助，如日本丰田公司每年资助创造研究学院的产品设计专业达100万美金之多。因此，针对艺术设计专业的特点，我们应在专业教学过程别注重与相关行业及企业的密切联系，并充分利用这些资源为学生提供良好的实习条件，以不断增强其社会实践及应用能力。
5.加强实验室及工作室建设，设立系统的实验教学课程
对艺术设计专业而言，为学生提供良好的实验实习条件，可以使学生通过实际动手或操作来检验理论学习的成效。因此，有必要加强实验室或工作室的建设，特别是基于艺术设计专业应用性强、行业发展迅速的特点，加大对有关实验实习设备的改造和投入力度。同时，我们还必须从基础课程和专业课程两个层面综合考虑，系统设置先后承接的、纵贯四年的艺术设计专业本科实验教学课程和环节，通过系统的学习提高学生实际操作和动手能力。
二、多维立体实践教学体系构建设想
艺术设计学篇9
随着社会的发展，为了满足人们的审美和情感表达的需要，艺术设计也随之而产生。除此之外，艺术设计不仅要满足人们审美的要求，还要满足人们心理和生理方面的要求，要充分的表达出人们所有表达的感情思想。具体来说，艺术设计是人们情感外在表现形式的一种，人们将自己的情感需求与具体的事物进行了创造性的结合，从不同角度来表达自己的感情需求，再设计的同时，力求将情感表达和科技融为一体，使其相对平衡，使得艺术设计产品在今后的销售当中既满足人们的审美需求又满足商家的利益需求。例如，手机作为一款大众化的产品，正逐渐从功能的追求向艺术设计需要转型。所以，手机市场上出现了很多具有丰富内涵的产品。例如LG的巧克力手机就受到了恋爱中的客户的青睐，究其原因，主要是因为设计中包含了情感，是情感和科技完美融合的一种体现。
2、实际应用中的形式美与功能美
2.1艺术设计中形式美的表现
在艺术设计中，相对于功能美来说，形式美更为抽象，功能美表现在外在形体中，而形式美却是对具体设计产品抽象美的创造，主要表现为在创造产品过程中，物体自然属性随机组合或者有机组合产生规律的集中反映，这种美的表现不仅是体现在实际物体上的，还要从实体产品上感受其观念的形成。从根本上来讲，形式美的审美观念超出了一般意义上的设计内容，除了需要保留设计产品本身的性格特点外，还要反映超越产品本身的审美含义。形式美的具体内容不仅包括了构***形式，还包括了色彩、造型以及艺术技巧这三个方面，这三者可以说你中有我，我中有你，是不可分割的整体，由他们共同组成了艺术设计中的形式美。产品要想脱颖而出，那么对形式美的要求也就应该越高。艺术设计产品的本质属性决定着形式美的高低，首先人们观察到的形式美表现为自然美，这种美属于人们对形式美的初级认识，通过艺术技巧将自然美升级，表现为更为高层次的美，这种艺术技巧就是产品的设计与审美统一，通过特殊的艺术表现形式来展现所要设计的内容，是功能美展现的艺术表现方式。
2.2艺术设计功能美的表现
功能美主要指的是人们在日常生活中产生的审美感受，任何物体之所以产生都具有一定的实际意义，从最初的简单造物到现在的科技造物，这不仅是设计产品功能应用的提升，更是产品设计产生功能美的过程。从一开始的应用造物，到现在结合艺术美进行的创造行为，无一不是对功能美的加工和提炼，这是一个漫长而悠久的发展历程。一般人们对功能美的定义为产品完成人们对预定功能的需求即可，只要艺术设计与功能完美的结合，人们就会认为产品具有功能美。因此当人们在运用设计产品的时候就可以既满足对产品功能的需求，又达到人们对产品审美的体验。所以，在艺术设计当中功能美相比形式美要更具有功利性的特点，具体表现在人们使用设计产品的过程当中，使其感到满足和快乐。从本质上理解，功能美其实就是人们在进行产品设计时目的性与规律性的有机结合，从而创造或者改造某些物品。
3、结语
艺术设计学篇10
[关键词] 学案设计 艺术性 教学效果
学案是教师为学生学习知识而设计的自学提纲,它包括问题探索、知识的整理、巩固练习和课外阅读等内容。内容既贴近课本又有创新意识,可以引导学生自觉地探索获取知识,是一种有指导、有目的、自觉地、有序地探索知识的过程。
学案设计的艺术性在于它艺术地设计了若干的探索性问题,能引发学生的学习兴趣;学案艺术地设计了“知识的整理”的范围,要求学生达到学习的目标,提高学生分析、总结、概括和逻辑思维能力,使知识条理化、系统化。学案艺术地设计一定数目的“巩固练习”,既源于课本又不拘泥于课本;学案艺术地设计了一定的“阅读内容”,将化学的发展史、科学家的贡献、科学发展的热门话题,紧密地联系在一起,让学生走进科学,走进科学家,走入现代科技发展的行列。
一、学案艺术的指导思想
学案设计的目的是使学生能够***完成并掌握所学内容,充分调动学生学习的积极性,获得最佳的教学效果;学案设计的艺术性在于设计生动的、引人入胜的情节,能引起学生对学习化学产生浓厚的兴趣和良好的求知欲。另外,学案设计注重挖掘知识的内部结构及外延,使其条理系统,培养学生观察问题、分析问题的能力。
二、学案设计的艺术性
学案设计的模式是问题探索――知识整理――巩固练习――阅读思考。探索是学案设计的关键,巧妙地设计探索的内容和情节,能引发学生浓厚的学习兴趣,起到抛砖引玉的作用。
1.问题探索设计的艺术性
问题探索的设计可分为直接探索、引伸探索、讨论探索、实验探索。
(1)直接探索:根据课本内容和教学大纲的需要,设计的内容要求学生在阅读课本内容的同时,发现直观的知识点,内容设计的艺术性是紧贴课本,抓住重点。同时结合日常生活中常见的问题由浅入深地引导,慢慢地培养学生的阅读能力,让学生知道读什么,怎么读。
(2)引伸探索:在已有的知识的基础上,将设问进一步引伸,上升搭配从理论上解决问题的高度。引伸探索的艺术性在于能充分调动学生的积极性,使学生在积极地思考、分析研究的过程中获取知识。例如,学生已知Cu可与浓硝酸反应,与盐酸不反应,可设计:[向KNO3溶液中加入Cu片没有明显现象,再加入适量的盐酸则看到Cu片很快溶解]。学生必须通过认真地思考分析才能得出准确的结论,这样的引伸讨论既巩固了基础知识又开阔了学生的思维空间。
(3)讨论探索:设计综合能力比较强的问题,要求学生通过积极的思维和激烈的讨论才能完成,有的甚至要通过教师的引导来完成。内容的设计的艺术性在于能引起学生之间的相互交流,造成良好的学习氛围,既要新颖又不能超出学生的授课范围,有助于学生理解教材。
(4)实验探索:内容的设计的艺术性在于它具有相当的科学性、启发性、严格性,从仪器的选用、操作的规范性、现象的观察和结论的得出,都要恰到好处。例如:[设计一定体积一定浓度的稀硝酸与铜反应,收集NO气体,描述实验操作过程和实验中观察到的所有现象]。设计时必须让学生考虑到仪器的组装――系统气密性的检验――溶液中的现象气体的颜色变化――溶液的颜色变化――从量的角度考虑到固体是否有剩余。这样的设计可以使学生加强对实验的认识和理解,为准确地观察实验,分析实验结果提供了足够的理论依据,同时也开阔了学生的视野,增强了实验意识。
四种探索课型可同时应用,也可应用其中之一,问题的设计艺术性在于它有极强的科学性、启发性,有一定的层次和梯度,使学生基本上能通过探索的过程掌握知识的要点,并通过这一种途径提高学生学习技能和技巧,提高阅读能力、思维能力和自学能力。
2.知识整理设计的艺术性
知识整理的设计包括:知识点的归类的设计、内在联系以及系统规律总结的设计。知识整理的设计应使零散的知识点变的系统条理,便于掌握和记忆,达到巩固课本内容的目的,避免机械地照抄课本的内容。通过知识点的整理,使学生阅读思考与知识整理归类相结合,培养一种科学的逻辑思维能力、概括能力和准确的书面表达能力。
3.巩固练习设计的艺术性
巩固练习是在探索整理的基础上,为巩固探索的效果设计的。设计的艺术性是针对性强,灵活性强,既有简单的知识点的回顾,又有综合能力的检测题,同时还要兼顾不同层次学生的思维能力的差异,设计若干个开发智力的题目,能引起学生的学习兴趣,达到使学生掌握巩固基础知识的目的。
4.阅读思考设计的艺术性
阅读思考是探索型学案开辟的新的学习天地。巧妙地设计与所授内容有关的科学家的发明创造,化学发展史,著名科学家的最新科研成果,现代科学的热门话题等优秀的小短文,使学生了解化学的过去、现在和将来,培养学生为化学视野献身的精神。阅读思考的设计具有科学性强、可读性强的的教育意义。
所有问题的设计的艺术性在于都有明确的意***,主题鲜明,描述准确、设置合理,并且尽可能地让学生理解教师的意***,教师尽可能地研究学生的学习心理,使学生的学和教师的教同步进行。
三、学案使用体会