学文网色彩静物篇1
关键词：静物写生； 摆设； 组织摆放
中***分类号： G633．955 文献标识码：A 文章编号：1006-3315（2012）09-020-001
在色彩教学中，我经常遇到一些学生在写生和默写训练中会出现物体摆放凌乱、没有主次、主题不清晰的现象。我一直以为这是学生在构***上的问题，于是花费很多时间对构***知识进行讲解、分析，但结果并不明显。我开始否定自己、怀疑自己知识没有讲透，还是对学生没有足够的重视，这一问题一直在困扰着我。学校的墙壁上有句话“细节决定成败”启发了我：这不只是单一的构***问题，还应该和平常摆静物有关系。回顾自己的教学过程中的确有疏漏的地方，我于是在下面的教学中更加注重细节。问题解决之后，我将自己的做法整理出来：
一、摆设色彩写生静物时先确定主题
主题就是一组静物的中心内容。教师在摆设写生静物时，要设计好写生的目的：通过所摆物品来反应内容，还是有了内容再选择物品。内容和形式的统一是组成写生静物的重要原则，无论哪种都要做好二者的统一。一组静物的摆设不应该包含太多太复杂的内容，特别是一些意义上没有联系，形式上不协调的东西随便的拼凑画面，这些画面不可能出现什么明确的主题，也不会出现和谐的美感。牛奶面包、刀叉餐具、高脚酒杯葡萄酒或者咖啡具等组成的静物，会让人联想到西方人的饮食风貌，再衬以米色的、白色的衬布，又给人洁净、温馨的感觉，让进餐变得充满情调！如果拿掉面包，添上冬瓜，会给人牛头不对马嘴的感觉。
无论根据现有物品表现主题，还是由设定的主题选择物品，教师都要精心设计，根据实用和审美的要求进行摆放。选用的器物、瓜果要考虑它们的形状、色彩、大小是否合乎写生的要求，水果要避免形体、大小和色彩的雷同；再依协调的形式法则进行布局，使整体统一而具有美感的同时，整体上反映出不同时代、不同民族和不同地域人民的生活习俗，审美情趣和艺术风格。
二、摆设色彩写生静物时要确定构***的格局
有了物品，设定了主题，如何突出主题成了摆设的关键。这就是我们通常说的构***。一般来说先确定主体物中较大的器物的位置，因为较大的物体是构***中一个重要的因素，是画面中重要的组成部分。从美学的角度看，较大的物体不可以出现在画面正中间，以避免呆板的弊病；也不可以摆在太靠边的地方，以避免构***的不稳定。其他较小一些的器物组合时，大小的选择、横竖的放置要有讲究。S形构***、三角形构***、左右展开的横式构***和上下展开的竖式构***等等都要考虑构***的稳定、生动、新颖而不落俗套。
三、摆设色彩写生静物时物体要处理好主次、疏密关系
物体的主次、疏密关系就是指物体摆放的要集中，让物体前后有部分的遮挡，以显示物体的空间及前后关系。主题的中心部分一般摆放的集中，其他的物体可以放的疏离分散一些。
主要物体摆放太集中画面会产生不松动、闭塞的感觉。而物体摆的过于疏散，物体间会出现孤立、缺乏呼应、构***松散、画面缺乏中心、画面没有节奏等问题，难有美感，所以教师在摆放静物时要反复推敲每个器物的大小、形状(花瓶、杯子、碗盘等口子向上的器皿还要处理好朝向的问题)、位置、前后及物体间的呼应，力求达到理想的布局效果。
四、摆放色彩写生静物时要注意色调和谐
色调即色彩的调子，也就是色彩在画面总体组合中的色彩倾向性。色调是一种独特的色彩美感形式，对于表现画面的主题思想、情调意境具有无可替代的感染力和表现性。色调的类别很多，从色相上分：有紫色调、红色调、蓝色调、黄色调等等；从色彩明度上分：高亮色调、亮色调、灰色调、暗色调；从色彩的冷暖上分：有暖色调、冷色调、中性色调；从色彩纯度上分：有鲜艳的强色调和灰色的弱色调等。所以在摆设静物的时候应该根据教学的意***来考虑，从而摆出色彩和谐、有情趣的画面，激发学生对色彩美的感受及对色彩的表现欲。
色彩静物篇2
关键词：水粉静物；内涵表达；色彩表现
中***分类号：J225 文献识别码：A 文章编号：1001-828X（2016）007-000-01
前言
目前的高校色彩教学目的一般是画面的色彩表达以及整体关系表达，并不重视静物的内涵表达，学生只需要在静物的整体色彩关系、冷暖关系以及主次关系上掌握正确的观察方法和表现方法，因此强调水粉静物的内涵表达与色彩表现就显得尤为重要。
一、水粉静物画的意义
一般来说，静物画的画面内容都是司空见惯的生活事物，与人们的生产、劳动及创造紧密相连，反映了人们的物质生活和精神生活。作画者通过在静物画中反映人们的生活感受和情趣，确立有一定思想深度的主题，使作画者与观众之间产生情感共鸣和联想。因此，作画者在选择静物时，应着重选择与生活劳动联系紧密的物品或人物，比如父亲的旧烟斗、因为早已无人居住而长满了花草的老房子，这些对象具有厚重的历史沧桑感，向人们展示着过去的漫长岁月，睹物思人，牵动观看者的情感，让人联想画中物的故事，因此，表现出不同物像的不同气息和性格特点是学生在创作水粉静物画时最重要的任务之一。艺术的灵魂往往蕴藏在造型和色彩之中，比如，梵高的《向日葵》色彩强烈，表达了艺术家对光明的强烈向往。
二、创作水粉静物画时静物的摆设
在目前的高校美术教学中，水粉静物占据美术教学的重要地位，由于它具有各类色彩绘画技能的特性，能够适应美术教育在色彩方面的基础练习与创意探索，在学生掌握色彩画技能和提高色彩画创作水平方面占据重要角色，因此被广泛应用于高等院校美术专业教学中。而静物摆设可以分为三种。
（一）静物基础练习中的静物摆设
静物基础练习一般目的是为了初学者练习辨别色调层次和冷热变化，提高运用色彩塑造形体和把握整体色彩的观察能力，在选择台布时，应尽量选择色调倾向明确的颜色，比如橙、绿、紫、黄等，在作画者的绘画能力得到提高后，还可以改选一些质地粗糙灰白色的布，除了注意桌布颜色的选择外，还要注意桌上摆放物品的选择，尽量选一些简单易画的水果或罐子，要合理搭配瓜果的形状和色彩，让水果的大小、形状形成对比，对初学者而言，最好不要放置形状复杂的水果，比如榴莲等。
（二）静物主题创作中的静物摆设
在完成静物绘画基础练习后，作画者可以开始创作主题性静物绘画，在创作之初合理安排各个部分的关系，选择好所画主题，合理搭配色彩，安排形态变化，精心布置画面结构。根据绘画主题摆设静物，首先要做的是选择与主题相呼应的物品，形成绘画内容与形式上的统一，比如画向日葵，可用纯度很高的金黄色画花瓣突出热爱光明的主题，在向日葵花海边进行创作或将要画的向日葵放置于一片草丛中，使画面更具有自然协调性。如要在画中表现中国元素，则可以放置一些青花瓷瓶子，毛笔等物品。
（三）静物创新主题创作中的静物摆设
水粉静物绘画中静物的放置决不能一成不变，需要抛弃旧模式，进行创新，通过静物摆设传达艺术新思想和新观念，进行艺术创作最重要的就是创新，人们的目光总是会被新事物吸引，静物的摆放就是要达到这种效果。我们可以从两方面出发：首先，通过静物的摆设表达作者的情感，例如，20世纪的意大利画家乔治・莫兰迪在静物摆设中抛弃当时流行的球体、多面体组合，转向摆设简单的生活用具，比如杯子、盘子等等，以简单的物品及简洁的画法在绘画中创造平和的气氛，使观看者在欣赏画时也能感受到心灵的平静；其次，将没有联系的静物放置在一起，让人们感觉物品之间似乎有联系，产生联想空间。比如将一个比例失常的儿童和一罐奶粉联系在一起，观众首先会惊异于儿童的体型，然后就明白是毒奶粉让这个儿童身材比例失常，通过这样的手法讽刺社会现象，引发人们对儿童饮食安全的思考。
三、水粉静物创作中的内涵表达与色彩表现
水粉静物作为高校色彩基础教学，目的是提高学生的色彩认识能力和表现能力，但更重要的表现静物的内涵。而色彩静物的内涵很大程度上是通过静物摆放来表现的，静物的选择和摆放不仅影响画面效果，还会影响学生对静物绘画的兴趣，因此，教师在教师时，应注重将自己平时对生活的理解、观察等体验运用到静物摆设中，使静物形象更生动鲜活，激发学生绘画兴趣，比如在摆放《泡菜坛》时，选择灰白色的釉质泡菜坛，制作泡菜的材料，可以选取多种颜色，绿色白菜，红色胡萝卜、白色萝卜，桌布的颜色选用紫红色，通过不同的颜色搭配让画面令人耳目一新，深层次地表现这组水粉静物的内涵。
四、结束语
在水粉静物的训练中，首要关注的是学生对色彩的感受能力，，艺术审美能力和艺术欣赏能力，大部分静物画的画面内容都是司空见惯的生活事物，与人们的生产、劳动及创造紧密相连，反映了人们的物质生活和精神生活。作画者通过在静物画中反映人们的生活感受和情趣，确立有一定思想深度的主题，创造出作画者与观众之间的情感共鸣和联想。学生在创作水粉静物画时最重要的任务之一是表现出不同物像的不同气息和性格特点。艺术的灵魂往往蕴藏在造型和色彩之中，想要完整表达水粉静物的内涵，就不能忽视作画时的色彩结构及静物摆设。
参考文献：
[1]刘丹鹏.浅谈光线在水粉静物写生中的影响[J].和田师范专科学校学报，2015，03：59-61.
[2]朱春桃.水粉静物画一般画法[J].美术教育研究，2012，22：76-77.
色彩静物篇3
关键词：色彩静物画；笔触；技法
色彩是美术院校入学考试的重要科目之一，色彩考试主要是考查学生对色彩的认识、理解以及表现色彩的能力。色彩考试内容多为我们常见的陶瓷品、玻璃器皿、金属器具、瓜果蔬菜以及鲜花和各式衬布等。然而笔触是构成色彩静物画的重要元素之一。无论是在色彩静物的临摹还是在色彩静物写生过程中，运用笔触塑造对象的形象是最基本的技法。随着社会对高学历人才的需求，招生规模的不断扩大，学习美术的学生数量不断增加，学生的素质存在着很大差异，有的基础好，有的基础较差，这样那样的问题较多，学习的态度、积极性也存在着很大的差距，过去又很少接触到色彩静物，对于使用水粉工具表现水粉静物较为生疏。因此，研究色彩静物画中笔触的运用对于提高学生的学习效率，掌握色彩静物画笔
触运用有十分重要的意义。本文是近几年我在教学过程中的几点感悟。
一、根据水粉笔的大小运用不同技法表现笔触
笔触虽为一种技术因素，但也传达出画者的艺术个性和修养。在高中色彩静物画中我们通常使用水粉绘画工具作画，其中我们使用的水粉笔有大小之分，在作画过程中画笔接触画面时所留下的痕迹就会产生各种各样的笔触。（1）利用大号笔顺着一个方向“刷”，这种方法适合用于明暗造型和铺整体色调时，这种大色块能够概
括归纳各个局部的色彩和起到一定程度的强调。（2）用中号笔按不同的方向一笔一笔地“摆”，常用于水粉静物中对物体的深入刻画阶段，运用中号笔大小适中的特点依据塑造对象的形状和体积走
势摆出厚重的笔触，这种笔触既能够覆盖住之前的不恰当的用笔，又能够丰富画面的色彩，可谓“尽精微，致广大”。（3）用小号笔快速地“扫”，在画面中物体的暗部边缘一般较虚，可以用小号笔扫出反光表现虚的效果，有时在画面中会出现较生硬的地方，通过运用扫的笔触也可以很好地衔接这些地方。（4）用尖笔“勾”或“点”，当物体之间关系不够明确或较细小的地方适宜勾或点，这些勾或点出的笔触能够很容易地表现出画者想要的画面效果。
在色彩静物画中，我们通常会遇到不同质感和肌理的物体，如，光滑与粗糙、软与硬等，通过笔触的变化可以表现出对象不同的质感和肌理效果，如，运用笔的大小和笔锋的不同表现出的笔触的方、圆、硬、软、揉、抹、含蓄和显露都可以与具体物像的肌理或质感相贴切。因此，灵活利用大、中、小号笔的笔触表现力，在很大程度上可以提高色彩画的艺术魅力。
二、依据画面的空间、体积运用笔触
首先，任何一幅色彩静物画均存在着空间和体积的变化。在空间上有近处和远处之分，在透视上就形成了近实远虚的效果，所
以，在画远处背景时可以运用较大且薄一些的笔触，表现出整体又虚的效果。在色彩上由于物象受到空气色彩的影响，远处的色彩纯度也会变低一些。此时表现远处背景笔触的色彩纯度相应也要灰一些。反之，前面的衬布和物体相对实一些，在笔触方面应该保持厚一些，纯度高一些，笔触的大小、长短、方向需变化而又统一，自然地表现衬布和物体的对比。由于笔触与物象表面贴切吻合，可以造成很强的真实感。所以，我们在塑造物体体积时笔触就应根据其结构、形状用笔。在画暗部笔触要稍薄且纯度略低，在亮部用笔纯度高、厚、肯定。其次，高光是亮部重要的组成部分，也表现质感的重要因素，不能过于简单和随便，以免破坏结构。画高光时应干净、厚重、果断，这样才能画出高光的闪烁感觉。在作画者明确静物画空间远近和不同体积情况下，灵活运用变化的笔触表现空间和物
体的体积，作画效率会得到很大提高，画面的视觉效果也会得到很大改善。
三、依靠速度、力度、情感的变化展现有节奏的笔触
大师刘海粟说：“节奏的韵律，不但是音乐的状态，也是在全部艺术中的一种状态。”色彩静物画、不同的静物组合总会给我们不一样的感受：兴奋、欢乐、宁静、凄凉等。同样不同节奏和韵律的笔触组织出的画面也能给人以特殊的审美感受。如，凡·高的静物画
《向日葵》，充分地发挥了笔触的作用，用他设想的一系列黄色的变
奏，采用简化的手法描绘物象。运用细腻的笔触渲染出较平面的背景，用勾勒的方法画出花瓣和花茎，每朵向日葵的籽粒又运用符合对象肌理的浓重色点，具有极强的视觉冲击力。正是凡·高那种激烈又粗重的笔触，强劲而扭曲的色彩线条，使整个画面洋溢着色彩和笔触的韵律感。因此，在作画过程中作画者可以在仔细观察的基础上，根据画面的层次、实虚、色彩、质感等提炼自己对画面的感受，注重运用笔触的奔放、细腻、轻重、缓急、干湿、浓淡等描绘眼中的静物。在这些情感、速度和力度等作用下形成的笔触如同运动中产生的力量，具有迸发力和旺盛的生命。这些独具多样性和复杂性的视觉感受就是被安排妥帖的笔触映射出笔力外在的节奏和韵律，使画面更具表现张力和艺术美感。
色彩静物篇4
关键词：静物色彩；灵光
中***分类号：G42 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）23-0218-02
一、西方静物画发展历史概述
“在人类文明发展的历史中，***画幅出现的静物画确切的说应该是在17世纪才确立和流行起来的。”①而静物画的出现与民族传统和家庭生活是分不开的。荷兰人由于热爱家庭生活，喜欢用单纯静物画布置家庭，因此促使了不少荷兰画家投入静物画的***创作，为西方绘画门类增添了新的表现可能性。最终使静物画这一题材在美术史上占有了一席之地。
从绘画表现形式上不论是早期的笔法精细，注重形状与质感的代表大师黑达.克拉斯或是在运用光色上堪称经典的荷兰画家卡尔夫，还是到了19世纪中期的德拉克洛瓦的躁动不安具有动感的笔触的运用，使人看后波动较大。尤其是在19世纪光学理论和实践的启发和带动下，出现了外光画家莫奈、马奈以及敏感的梵高和他笔下耀眼的金黄的向日葵。把外光色彩与内心情感表达到了极致，就好像内心燃烧的火焰。而塞尚的理性静物则更彻底摒弃了一切传统绘画法则，他用自己独特的绘画语言开创了现代派的新纪元。同时期又出现了马蒂斯的野兽派绘画风格，探索表现人的本能与潜意识。德国的表现主义绘画风格令那些具有叛逆、不受传统形式约束的画家们倾服。还有达利的超现实主义绘画又把现代绘画带入了精神恍惚的时空中。而这个时期俄罗斯的艺术大师却遵循着现实主义信条，这一传统绘画风格又曾影响了我国两代画家的成长。
二、学院附属中学色彩静物写生课程的现状
学生在进入美术学院或其它综合类美术系本科之前均有一到两次的专业基础课的入学考试。其考试的形式与内容均有所不同，甚至是大相径庭。有传统意义上的静物写生考试，有随便在地上放置静物让学生自己组合画面的考试，还有提供一幅劣质打印机打印的模糊不清的***片让学生参考的静物考试。也有毫无参考物的默写考试。等等诸如此类五花八门的考试，在此就不一一举例了。
作为学院大学教育体制下的附属中学，均有几十年的教学传统，其教学模式的稳定化、全面化、深入化和教师团队的专业化，为大学教育的衔接起到了乘上启下的关键作用。也为学院培养专业的美术人才起到了不可或缺的一环。如今附中教学的时间跨度为三年，教学大纲的设置是按照艺术的由浅入深，循序渐进来安排并进行教学实践，学生不仅能通过各类课程的写生训练进行实践练习，还能通过有效地时间进行消化并掌握所学的艺术实践与理论。例如附中一年级上半学期的色彩课程主要是简单静物的的色彩构成与色彩组织练习，其中包括色块练习、色调练习、色彩明暗对比练习等，下半学期的色彩课程在此基础上增加了较复杂静物的构***训练、色彩大关系训练、塑造训练以及中、长、短期的写生实践训练等。由此延伸至二年级、三年级的深入主动的写生训练。造就了学生坚实的色彩造型能力和色彩表现力。其次通过色彩静物理论知识的学习，如中外色彩静物发展史以及西方色彩发展现状与中国色彩发展现状的学习，及学院有大量的中西绘画的收藏和学院及附中建校以来的历届优秀学生留校作业原作可供学生亲眼目睹与学习。附中的教师不仅是学院毕业的优秀人才且经过多年艺术实践探索与教学研究，在绘画领域取得优秀的成果的教授、讲师等师资力量。足以保证学生的学习是深入和全面的。
十年树木，百年树人。教育是一个漫长的实践和探索的过程，在任何领域，培养人才或成就事业均需要充足的时间来做后盾，才能保证社会的和谐发展。随着商品经济的快速发展，只求效率不顾及其它的片面理念波及到各个领域。尤其是文化教育这片净土之中。短、平、快的发展模式，只看表面效果，抛弃实质的形式主义，哗众取宠蒙蔽了人们的精神之眼，伪学术、假论文、空洞的艺术等等。影响了人们艺术审美的标准改变了人们的健康生活。
三、学院附属中学以外的色彩静物教学现状
（一）学院以外的美术培训班出现的必然
进入21世纪之后，全国高校突然间进入了大扩招，招生比例的扩大，不仅冲击了以技术为生的专科院校，更是一种毁灭性的打击。而大学要突然间面对如此庞大的生源，不论从学校的硬件上还是从学校师资队伍的的软件上都无法像以前一样充分。为了弥补空缺，各校便不遗余力的发展起所谓的新校区。“深圳速度”用在这里都很难形容其建设速度之快。而具有符合大学教育的师资软件却无法复制“深圳速度”。大学如此，附中也如此。
突然间面对如此之多的报考艺术类高校的高中生、初中生，考大学、考附中。这时的高校以及校内的培训机构根本无法满足考前学生的学习环境及教学质量，私人考前班便是在这样的条件下顺势而生的。考前培训班的出现，大大缓解了大学内部培训的紧张局面，而且学生的绘画基础水平虽有所下降但矛盾并未凸显，因为此时的考前班老师基本是以高校在职教师构成的强大的师资队伍。但随着学院教学任务、创作任务、学术科研任务的多重压力下，这些资深教师逐渐退出了培训班的舞台。但是，培训仍得继续，继而便出现了实质意义上的“短、平、快”只求效率违背艺术规律的绘画艺术考前培训的模式化教学。
（二）学院以外的美术基础培训现状
首先，从校外培训班的教学硬件来进行阐述与分析，可以用一句话来概括“五花八门，参差不齐”。作为教学设施的配置，教学区主要集中在美术学院附近的城中村，大的培训班凭租大的民房进行略微的改造，小的培训班凭租小的民房且地理位置与生活条件相对较差，安全性毫无保障。“羊毛出在羊身上”，教学条件的好坏完全取决于学生人数的多少，培训费的高低上。虽然经过了大约十年的培训发展，个别培训班已有了数百人的规模，但却无法改变其教学条件，混乱不堪的生源竞争皆以利益为主导，培训费的标准天马行空，毫无规范。
其次是培训班的教学软件现状。教学质量的优劣不仅与教学环境有密切关系，更重要的是与教授学生的教师以及教学时段，教学大纲的安排有着必然联系，经笔者的深入调查，这些培训班的师资队伍大部分是以刚毕业的学生和在校学生所组成，个别培训班是由高校在职教师所开办的，但其教学的主力仍然以刚毕业的大学生为主，更有甚者是高考落榜的学生开办并进行培训。年轻人有活力，有精力是其优势，但有没有能力去教授绘画艺术最基础，是值得现今主管***门去深思的。正如高楼的地基交给毫无工作经验的工人去施工，安全吗？从教学的时间安排上，这些培训班一般只有六到七个月的时间对大部分是零基础的学生进行培训，而且还要保证学生的升学率。笔者在上文提过，绘画基础课的学习是需要一个长期的循序渐进的过程，色彩基础课训练亦是如此。但为何这些美术培训班能如此大的能力使学生在短短几个月便能顺利的通过大学招生考试。经过调查，首先，培训班的考前基础教学针对性极强，以色彩静物基础为例分析，考试考什么内容就只教什么内容；考试什么风格容易拿高分，便画什么风格：日日练习，最终能达到看到此物便能用所谓的模板套用。更有所谓“专家”专门调试出各种不同针对色彩静物的固定颜料，设计出固定的笔法，一成不变的色调等等新奇的绘画考试模式，考前写生训练变成了机械的模仿复制。
本雅明在《迎向灵光消逝的时代》一书中说：“什么是‘灵光’？时空的奇异纠缠，遥远之物的独一显现，虽远仍如近在眼前。静歇在夏日正午，沿着地平线那方山的孤线，或顺着投影在观者身上的一截树枝，直到此时此刻成为显像的一部分――这就是在呼吸那远山，那树枝的灵光”。②正如达芬奇画《蒙娜丽莎》，梵高画《向日葵》伦勃朗画《基督在十字架上》等作品时那一闪的“灵光”是从容，是激情，是爱。
我们当下静物色彩教学缺少的正是这份从容、激情、与爱。
注释：
色彩静物篇5
关键词：审美素养；色彩静物；审美能力；审美情趣
中***分类号：G633.955 文献标志码：A 文章编号：1008-3561（2015）32-0042-01
审美素养指人所具备的审美经验、审美情趣、审美能力、审美理想等各种因素的总和。审美素养既体现为对美的接收和欣赏的能力，又转化为对审美文化的鉴别能力和审美文化的创造能力。通过色彩静物画培养学生最基本的观察与表现方法，同时引导学生关注生活中常见的物品，为审美素养的形成奠定基础。从美学的角度来看，描绘静物是人们对日常生活物品审美需求的反映。静物画题材非常富于绘画性，有着***的艺术欣赏价值，在绘画基础训练中有着十分独特的地位。如果说素描是造型艺术的基础，那么色彩静物写生就可以被视为色彩训练最基本的手段。
一、通过欣赏古今中外优秀的色彩静物画提高学生的审美素养
美术教育的目的不仅限于培养艺术家，还在于培养有审美鉴赏能力的人。意大利静物画家乔治・莫兰迪就是一个很好的例子。莫兰迪一生孤寂、平凡，厮守着生活中的坛坛罐罐，用静物演绎艺术的真谛。诚如他自己所说：“我本质上只是那种画静物的画家，只不过传出一点宁静和隐秘的气息而已。”西方评论界认为，莫兰迪的画关注的是一些细小的题材，反映的却是整个宇宙的状态。看莫兰迪的画时，人会不由得全身心地安静下来，直抵人的心灵。莫兰迪的绘画几乎从来不用鲜亮的颜色，只是用些看似灰暗的中间色调来表现物象，给人朴素纯真的感觉。没有华丽的修饰，仿佛来自远古时代最质朴的本色。那些看似单纯抽象的物体无论是哪种色调的处理，都烘托出一股温暖的气息，像在万千人群中只是多看了一眼，就足以留恋而忘不掉它，静静地释放着最朴实的震撼力和直达内心的快乐与优雅。
二、通过摄影色彩静物提高学生的审美能力
摄影艺术是一种对现实高度概括、来源于生活而高于生活的影像工作方式，也是艺术家对生活的一种表达方式。一些看似平凡的物品，经过艺术家的拍摄、色彩的对比、光的处理等等，使它们变成美的艺术。对于新时代的中学生来说，他们不仅需要埋头读书，同时也需要通过摄影色彩静物让他们发现和体会美。美的创造来源于我们身边，只要我们善于去发现并带着美好的心灵体验和创造，就能发现美和创造美。例如，我们常常吃的洋葱，把它切开或是完整的一个，再和一些大小、高低不一的玻璃器皿错落地摆放在一起，玫瑰色的洋葱和透明的玻璃形成材质的对比、大面积的蓝灰色背景和玫瑰色又形成面积对比和颜色对比，通过摄影整合之后，整体画面富有情趣和意味。这样的静物在我们身边有很多，同学们可以试着从自己喜欢的物体着手，如书本、玩具、盆花……在学习疲惫的时候，动手整理一下身边的卧室或其他的地方，让这些静物经过摆放之后焕然一新，把这美好的画面拍下来成为永恒的画面，或者把这种美的摄影分享给自己的朋友和更多的人，从而体会到更多快乐，相信同学们的审美能力在这些点滴的积累过程中会得到锻炼和提高的。
三、通过写生色彩静物提高学生的审美能力
写生色彩静物是画者直接面对静物，调动内心的情感去表达，通过摆放的物体形成一幅有意味的画面。在绘画的过程中，需要调动自己的积极情感，通过不断地观察对比再通过色彩、线条、笔触等绘画语言创造出和谐的作品。如果说临摹是被动地去模仿别人的画面技法，提高自己能力的手段之一，那么，写生色彩静物更是一种人与静物的无声交流，在这个写生的过程中，画者会调动自己全部的认识，通过手中的画笔去传达自己眼中的“世界”，那一刻，繁华喧嚣的世界攸然远去，变得安静、澄明、温柔而美好。在写生的过程中，同学们要掌握色彩的基础知识，如色彩的三要素：明度、纯度和色相。一幅好的作品不仅仅是一种对比，有的时候会有很多种对比，如色相对比、明度对比、纯度对比等等。但是无论哪种对比都要和谐统一，在一种大面积的色调之中，这样的作品会更能形成一种视觉的震撼力，给人留下深刻的印象。
四、结束语
从古至今，无数优秀的艺术家都经历了从静物写生到以其他题材为主题的艺术创造。这些看似大家都熟悉的物品，却给学生提供了很好的学习机会。审美能力的培养可以有很多种方式，但色彩静物画更能传达出学生对生活、对世界的一种表达，主题不需要多么宏大，一花一世界。通过欣赏古今中外优秀的色彩静物画、通过摄影色彩静物、通过写生色彩静物，可以提高学生的审美能力。相信学生在色彩静物画的学习中，通过不断的欣赏、学习，最终会提高审美素养，会更多地分享到美、体验到美，从而成为一个创造美的人。
参考文献：
[1]***.全日制义务教育美术课程标准[S].北京：北京师范大学出版社，2012.
[2]苏珊朗格.艺术问题[M].北京：中国社会科学出版社，1983.
色彩静物篇6
关键词：美术教学；水粉静物写生；观察方法
在水粉静物写生中最重要的就是绘画者对于色彩的观察和把握，水粉静物写生也是训练和掌握绘画中色彩运用的基础。又由于绘画者的心理、生理、环境等的不同，会造成最终在色彩的观察过程中显示出一定的差异性。而在水粉静物写生中，对于色彩的观察是任何理论和经验无法左右和替代的。接下来，笔者将联系现实谈谈水粉静物写生的观察方法。
一、对于色彩的观察方法
在对水粉静物写生进行观察之前。绘画者应首先了解色彩的基本概念。色彩学主要研究的是自然界客观所决定的物理现象。它可以是光和空气形成的色光变化，也可以是环境等产生的化学变化。总之，色彩学涉及到的范围很广。因此，在学习水粉静物写生的观察方法之前，了解好色彩的基本概念是十分有必要的。在了解好色彩基本概念的基础上，还要注重观察色彩和物体的具体关系。
（一）观察前了解色彩的基本概念
色彩可以分为：原色、间色、复色、对比色、类似色、同类色以及固有色七种。首先来了解什么是原色、间色和复色，原色就是色彩中无法再进行分解的基本色。原色分为品红、青和黄色。间色是指由两种原色混合得到的颜色，也分为三种，紫色、绿色和橙色。复色是指由一种原色与对应间色混合或者由两种间色混合得来的颜色。由于所混合的各色比例的不同，会形成颜色变化的复色。在了解了原色、间色以及复色。再来了解一下，对比色、类似色以及同类色。所谓对比色就是指色环上180度相对的两种颜色，可以形成互补的关系。类似色则指色环上一种颜色与其相邻的120度颜色的关系。同类色是指色相不变，只在颜色的冷暖、明暗以及灰度上存在差异。比如黄色系里的柠檬黄与淡黄、土黄等。最后，我们来了解一下固有色，就是指事物固有的极具概括性的颜色。除此之外，色彩还具有色相、纯度、明度以及主观感受这四要素。本文就不进行一一介绍。
（二）注重观察色彩和物体的关系
在了解了色彩的基本概念后，就有了对色彩的基本理解和感知。有助于水粉静物写生的观察。除此之外，还需注意观察色彩和物体的关系。首先来谈谈色彩的空间透视，一切物体不仅形象特征会随着空间距离的改变而改变，其色彩特质也会随着空间距离的改变而产生变化。因此，在观察静物时，一定要注重观察不同空间距离给静物带来色彩上的变化。稍有不慎，将远处的物体颜色画的鲜艳浓烈，很容易使作品所表现出来的空间距离产生变化从而失真。其次，光线也影响着色彩的变化，物体在受不同的光线照射时会产生不同的效果，比如不同角度的明暗、颜色的深浅不同等。如果物体是在暖色光照射下，亮部会呈现暖色相。反之亦然。而画静物多在室内，接受的光源都是自然光，自然光通常是冷色光。但如果是朝霞或者夕阳的光则为暖色光。因此，在作画时要充分的考虑到光对于色彩的影响，并结合实际注意观察不同的光照条件下对静物产生的不同影响。
二、对于静物的观察方法
（一）注重观察画面的整体性
在进行水粉静物写生前，首先要对静物的整体进行观察，观察静物的摆放方式，并注重从不同的角度观察静物的特征。进行观察的时候，要在脑海里进行基本的构***构思。并以追求美感的心态进行组织。同摄影一样绘画中最忌讳的就是，主要因素的位置不准确，致使画面缺乏美感，没有中心。因此，在进行观察并构思的同时还应注重物体的绘画位置，要准确到位且不失美感。这就要求绘画者在进行观察的时候，要多角度多视角观察，最终确定最适宜的位置再进行构***。对静物整体进行观察，要求观察者对于整个静物有一个全面的掌控。
例如：对静物摆放相对位置的掌控、光线不同照射强度上的掌控、整体视觉效果上的掌控等等。只有整体上掌控整个静物场景，才能使之后的整体构思更准确到位。
（二）注重观察静物的质感
我们知道，不同的静物除了具备不同的色彩和形状外还具备不同的质感，例如质地光滑的瓷器、玻璃器皿、不锈钢制品等，质地粗糙的砂锅、木板等。这些物品的质感的不同导致其在对光的吸收和反射上存在着很大差异。这就需要观察者仔细分析各静物的不同特性，寻找出共同点以及差异性，通过对笔触、色彩明暗等把握描绘出充满质感的静物。只有这样才能让作品更贴近现实。
例如，在观察陶制品的时候，由于考虑到陶制品质地较粗糙，缺乏光泽度，这就造成了陶制品暗部反光较弱的特点。在观察玻璃器皿时，由于考虑到玻璃器皿的透光性强，对周围环境反映较强烈等特点，作画时就要注意在这些特点方面的塑造。在观察瓷器的时候，考虑到瓷器表面平滑光洁，很像一面凸镜。因此，与之相近的物体会受到这些因素的影响，在视觉上反射到瓷器表面的物体会产生一定的形变。类似这样的例子还有很多，这就需要在作画时，注重观察不同静物的质感和颜色，不同质感和颜色的静物在同样的光照和环境因素影响下会呈现出不同的视觉效果。只有细致观察并抓住静物的主要特征，才能使呈现出来的作品更真实更有美感。
三、结语
总而言之，在水粉静物写生中，观察是十分重要的。因此，就需要掌握正确的观察方法。正确的观察方法，有助于绘画者对色彩感知度的提高。掌握了正确的观察方法，会使得绘画者对色彩的把握更为敏感准确，对于静物的认知更为全面细致，对于绘画的前期构***更加精准到位。才能有助于更好的完成绘画作品，并使作品更真实更具美感。除此之外，掌握水粉静物写生的观察方法，还有利于提升绘画者对于事物的观察能力，有利于提升绘画者对于美感的感知能力，不仅是在美术作画上更是在实际生活中。由此可见，在水粉静物写生中，掌握正确的观察方法的重要性和必要性。
【参考文献】
[1]郑丽敏.美术教学中水粉静物写生的观察方法[J].内蒙古教育，2009（22）
色彩静物篇7
摘 要： 水彩静物画是一种基础训练，易学难精，具有较强的可塑性及高度的 组织性，一直以来都是水彩画家们喜欢表现的主题之一。当代水彩画家的静物作品都以鲜明的个性与不同凡响的风格彰显出艺术家各自的艺术美感与创作才情。文章主要从明暗光影、肌理质感、平面装饰、画面意境、思想寓意及生活气息等六个方面来探讨水彩静物画创作的不同艺术表现风格。水彩静物画不同艺术表现风格的探索与研究对丰富与拓展水彩画的形式语言以及对水彩艺术的传承与发展都具有极其重要的意义。
关键词： 水彩；静物画；风格；发展
水彩画，以水为媒介调和水彩颜料并用画笔在水彩纸上来实现创作目的的一种绘画艺术。水彩画与国画、油画甚至水粉画不一样，水色交融、清新淡雅、轻盈透明、流畅明丽、滋润空灵、挑战且富有趣味性等都是水彩艺术语言所体现的独特魅力。水彩静物画常描绘日常生活中的炊具杯盘、花卉水果、蔬菜鱼肉、日常用品等，是西洋绘画的一种题材。静物的造型呈现静态，因为静止，所以便于绘画，便于静下心来进行深入地思考和研究。水彩静物画是练习水彩画的入门，也是掌握水彩材料与技法的一种基础训练，但却易学难精，具有较强的可塑性以及高度的组织性。 当代水彩画家的静物作品都以鲜明的个性与不同凡响的风格彰显出艺术家各自的特色与艺术美感，探讨水彩静物画创作的不同艺术表现风格对丰富和拓展水彩画的形式语言具有极其重要的意义。
一、追求明暗光影的艺术表现风格
光是色彩的来源，明暗光影的组合与对比是水彩画丰富的艺术语汇，要想把水彩画得鲜明亮丽就要巧妙地处理好画面中的光影，光影的利用与强调已成为当代水彩画家所追求与研究的重要部分。美国当代画家卡罗琳・布雷迪的水彩作品《翡翠色的灯》中非常合理地设计了以一盏翡翠台灯为元素的光线，精心策划、特意组织，使明暗光影的塑造与处理成为了活跃画面气氛、增强画面空间感与表现力的创作因素。我国著名水彩画家蒋智南的系列水彩作品都是以光为主题进行表现与研究，注重光线在画面中的主导地位，利用光与影、明与暗的对比来引导视觉，强化中心，表达情趣，甚至把光线及光影的痕迹、光线在画面中所产生横竖交错的节奏感看成是画面结构不可或缺的组成部分。 通过光色与光影的变化来描绘阳光下的物象，捕捉阳光的感觉，烘托画面的气氛，表达自己的情感。灿烂阳光与绚丽水彩的交响融合予以作品新的和谐与生机。
二、追求肌理质感的艺术表现风格
现代科技在发生着日新月异的变化，对材料的探索研究能丰富并拓展水彩艺术语言，使其形成多样的形式与风格，凸显艺术家的个性魅力。英国当代著名艺术家唐・法雷尔热衷于各种可能性材料的实验探索，在他的《倾斜》、《金色标记》、《白色壁橱上的坛子》等代表作中善于对各种水彩颜料的综合运用、给画纸涂底色、使用以水为基础的凝胶和石膏粉等，通过对多种绘画材料语言的尝试、制造肌理的对比与增强物体的体感、量感、笔触感来营造画面的趣味性，提升绘画性。尝试使用混合材料来表 现水彩静物画创作构想，不仅能够丰富水彩画的本体语言，探讨对水彩语言的拓展与超越，还能让水彩静物画的表现形式丰富且多元化，使水彩静物画具有鲜明的艺术表现力与现代感。另外，由于玻璃、陶瓷、金属、花卉、纺织品等不同静物对光源色及环境色的反射能力不同会呈现不同的质感，因此，对不同材质静物的质感表现也是水彩静物画一项十分重要的研究课题。美国水彩画家维维安・蒂尔费尔德的作品《瓶子》、《蔬果》中就对各种瓶子与蔬果进行了细致入微地刻画，注重物体细节的把握，以对象的质感美为主要表现目的，绘画风格细腻严谨，精确地表达与纯熟的技法成功地将物体的质感塑造得美妙绝伦、惟妙惟肖。
三、追求平面装饰的艺术表现风格
将装饰风格与构成设计理念融入水彩静物画创作中，能使作品产生平面化、装饰化和归整化的艺术效果，达到自然色彩与理想色彩、客观色彩与主观色彩的完美结合。美国艺术家马克・梅哈菲的水彩作品《蓝・物IV》通过色彩的平涂与渐变、对比色彩的运用以及平面构成因素在画面形式中的注入，使作为绘画艺术的水彩画极具设计感与现代感。在美国当代艺术家简尼特・威斯的水彩静物画《赠礼》、《劳动果实》中充分运用几何***形、采用风格化的色彩及其韵律，将复杂物体中的体积、色彩归纳为多个渐变的块面，使画面具有一定的装饰意味。作品既是绘画也是构成，运用***形语言的平面化处理使其水彩静物作品别具风格。在著名水彩画家朱辉的静物作品《红辣椒、黄辣椒》中，作者运用红、黄辣椒散落在地的俯视构***，造型简练、色彩对比强烈，红、黄辣椒色彩的平涂处理增强了物体的平面装饰感。水彩画家邹正洪在其水彩作品中也注重追求平面装饰的艺术表现风格，如《静物・静悟》中就将平面的形式感与深度的幻觉空间融合，古典的写实与现代性的形式之间构成一种张力，丰富了画面的形式语言，增强了画面的艺术感染力。
四、追求画面意境的艺术表现风格
水彩画与中国国画有异曲同工之妙，因此，追求意境的表达是许多中国水彩画家所青睐的艺术表现风格，尤其对于花卉题材的水彩静物画创作更具有一定的审美价值，更能彰显一个艺术家的才情与灵气。著名水彩画家张小纲的系列水彩花卉作品通过对画面中形体的大小、虚实、聚散的设计、借助水的流动及色的渗化与偶然趣味的生动体现，自然地水渍效果表现，不求形似、但求神韵，独特有趣、个性鲜明，使画面产生了比现实还要唯美的艺术特色。水彩画家杜筱玉的水彩画《花―果》，采用喷水的特殊技法，运用写意的表现手法，用笔泼辣潇洒、一挥而就，在似与不似之间把握韵律与节奏，整幅作品具有神秘朦胧的视觉效果。意境表达不仅仅是形体、线条、明暗、色彩、空间和构***形成的组合，也不仅仅是技法的娴熟运用，还直接关系到画家的艺术情怀与艺术修养，更是探索富有民族特色水彩画发展方向的重要途径。
五、追求思想寓意的艺术表现风格
丹纳在《艺术哲学》中提到过艺术目的是表现事物的主要特征，表现事物的某个凸出而显著的属性，某个重要观点，某种主要状态。著名水彩画家王肇民提倡“物当人画”，即赋予静物以生命；赋予静物以性格；赋予静物以品质；赋予静物以身份。他的系列水彩静物作品，如《背光的白桃》、《红壶》、《荷花玉兰》等运用油画的色彩与国画的笔法，中西结合、兼容并蓄、借物寄情，对于不同的静物予以不同的象征与思想寓意，体现了“小静物，大境界”的艺术情操。陈海宁的作品《俗物散记》就是追求一种寓物寄情、睹物思人的艺术效果。画面通过我们平常熟视无睹、见惯不惊的干面包、风干鱼的描述以及灰黄怀旧色调的处理，强烈直白地表述了生活的艰辛与生命的升华，启发观众联想，表达主题思想，隐喻了艺术家对当下人们生存状态及当下生活的深沉思考与深刻表现。除了自画像，静物画也许是最个人化的作品，因为在绘画中可以表现作者本人很多的东西。
六、追求生活气息的艺术表现风格
生活是一切艺术创作的先导，对生活的体验、发现与领悟赋予了艺术家创作的灵感，艺术源于生活更高于生活。美国当实主义绘画大师安德鲁・怀斯曾经说过：“从生活最平凡的琐事中，追求最大的启发与快乐。”水彩静物画创作可以表现人们的生活状态、反映人们的精神需求以及对生活的理想。安德鲁・怀斯的水彩作品《星期一的早晨》所描绘的就是画家生活场景中的一个角落――妻子洗完衣服之后将洗衣用的竹篮靠在墙角的情景，竹篮上留下了一层前夜覆盖的积雪，通过光影与竹篮质感的微妙处理，简单的构***形式使整个画面贴近生活，具有浓浓的人情味，敏锐的观察力与卓越的技巧暗示了画家对人生的体验。中国著名艺术家陈飞虎的水彩作品《路边小店》所描绘的是由废旧油桶制成的简易灶台，破旧的凳子上堆积着灰尘，冒着白烟的黑色锅子正煮着食物……，整个画面真切实在，朴素自然，生动地抓住了生活的瞬间，似乎又暗示着岁月的沧桑与生活的艰辛。水彩艺术家们如能对生活中的普通之物都有一种亲切的状态，就一定能创造出感人至深的绘画作品。
水彩静物画历来都是水彩画家们喜欢表现的主题之一，水彩静物画的不同艺术表现风格自然也体现了水彩艺术家们各自不同的创作个性与创作才情。他山之石，可以攻玉，艺无止境，任重道远。在学***典的同时超越经典，在水彩艺术蓬勃发展的今天，水彩静物画在传承与多元化发展中已逐渐成为具有***创作意识与多种艺术表现形式结合的绘画艺术。 （作者单位：湖南科技大学艺术学院）
基金项目：湖南科技大学教学研究与改革一般项目（G31335）
参考文献：
[1] 朱辉.水彩静物画教程[M].长沙：湖南美术出版社，1995.
[2] 周刚.水彩经典・世界水彩600年[M].杭州：浙江人民美术出版社，2010.
色彩静物篇8
【摘 要】色调是一种视觉感受，它关系到作品的成败。本文从色调与构***、色调与空间、三种调和关系、色调与光色环境、色调与情感等方面，分析了色调在油画静物画中的应用。 【关键词】色调；油画静物画；色彩；调和中***分类号：J213
文献标志码：A
文章编号：1007-0125（2016）06-0167-01油画静物画一开始是从属于历史画、人物画的，1490年美姆林画在一幅肖像作品后面的《瓶花》是已知最早的静物画之一，1573年卡拉瓦乔创作了非常写实的《水果篮》，为后来的静物画奠定了基础。17到18世纪是静物画的成熟与繁荣时期，代表人物是法国写实主义画派的静物绘画大师夏尔丹。19世纪，德拉克罗瓦、科罗、库尔贝这三位大师的静物画备受瞩目。随着印象主义的出现，静物画也被注入新的意义。后印象派的代表人物梵高、高更、塞尚都有大量的静物画。20世纪的油画静物更加多元化。色调在油画静物画中是指画面中物体与周围环境之间的明暗、虚实关系，色彩与色彩的组合搭配所形成的色彩关系。一、色调与构***构***是指画家将素材合理地安排在有限的画面中，在油画静物画中的构***就涉及到了一个个色块如何安排才能让画面的色调和谐稳定的问题。比如在三角形构***、梯形构***当中，物体相对比较集中，这样色块也相对集中，色调容易统一；在s形构***、水平线构***和垂直线构***当中，如果色块散乱无序，构***就容易出现不均衡。二、色调与空间绘画中的空间是指在二维平面上利用一些手段去展示三维空间。有研究表明，光波长的红、橙、黄等色在视网膜的内侧成像，它们的位置就会显得比实际位置离眼睛高一点点，而光波短的绿、蓝、紫等色则在视网膜外侧成像就产生显得远一些的视觉印象。就色彩在心理上形成的冷暖来说，暖色、亮色、纯色等具有膨胀、前进、轻盈的感觉；冷色、暗色、灰色等有收缩、后退、沉重的感觉。色块复杂的区域要比色块单纯的区域靠前；补色也可以在同一色域里去区别主体与背景，形成空间分离。三、色调的调和（一）单一色相的变化。只有一个色相，所以画面色调统一，十分有利于作品的主题表达。将色相进行明度、纯度、强弱、厚薄的变化，表现静物的素描关系，可使画面中的物体更加立体、有空间感。（二）邻近色的调和。邻近色是指在色相环中角度相距45度以内的色彩。一种原色与含有这种原色成分的间色，就互为邻近色关系。比如红与橙、黄与绿是因为它们相互渗透，又有色相上的变化，当并置时颜色就比较和谐统一。（三）补色的调和。补色是指在色相环上相距180度的色彩，位于色相环直径的两端。如红与绿、橙与蓝、黄与紫。将它们并置在一起时色彩关系强烈，有较强的视觉冲击力。生物学上有种视觉残像涉及到了两种色彩对比，一种是同时性对比，比如将红色和绿色并置，我们会觉得红的更加红、绿的更加绿。另一种是连续对比，例如在注视红色的物体一分钟后，再将红色的物体撤掉，我们的眼睛还会看一块淡淡的绿色，这种生理上的色彩反应证明了人对色彩需求需要一种生理平衡。如何在画面中将补色关系协调，可进行以下尝试：降低明度、改变面积、用中性色或间色调和。例如在互补色中嵌入黑、白、灰，或者在黄色与紫色中嵌入蓝色，塞尚的油画静物作品中的苹果就是由红黄绿这三种颜色来组织的。（四）色调与光色环境。物体的颜色是由光源的光谱成分和物体表面吸收和反射的特性决定的。在超市里看到的色彩鲜艳的水果拿回家颜色就没有那么诱人了，这都是柜台商店里的灯光在发挥作用。在一组静物中，光源与物体的各个面的照射角度和距离不同会造成明暗的变化，明暗变化又会引起色相和冷暖的变化。其次，静物中的物体都是其他物体的间接光源，形成环境色，产生物体的反光。比如一块亮色的衬布反射的光线多，在白色陶罐上的反光就比较亮；反之亦然。同时人的眼睛对光有一种适应规律，当人从暗的地方一下子进入亮的地方，视力下降，不能看清物体，但随着时间的延长，眼睛适应了，就能够看清光线。这便是人的视觉适应性，同样反映在色调的感知上。四、结语色彩的变化按物理学观点来说，是受到了光、空间、环境等客观因素的影响，它们是色调形成的基础，但色调的形成不仅受到客观因素的影响，还有作画者根据自我感受和审美体验上进行的主观调整和改变。参考文献：[1]赵友平，李天祥.写生色彩学[M].天津：天津人民出版社，2004.[2]解基程.基础色彩[M].北京：中国纺织出版社2010.[3]耿立新.理性的色彩后印象派[M].天津：天津科学技术出版社，2008.作者简介：施黎明，女，四川师范大学美术学院研究生在读，主要研究方向：美术教育。
色彩静物篇9
关键词：静物写生寄情于物
作为一个特殊形式的绘画艺术——静物画，大约产生在古希腊时期，到17世纪初静物画发展基本成熟。17世纪以后在意大利、荷兰、佛兰德斯、法国等地景物画逐渐发展成为绘画的主要样式之一。在现实生活中，静物画常常以生活里使用的器物、花卉植物和动物作为描写对象而进行的绘画，不同时期的静物画体现着不同时代的形式和风格，体现着不同作者的思想感情和审美意识。静物写生时，构***是一个重要的环节，基本要求是必须美观。美观有无数个说法，仁者见仁，智者见智，不管怎么说，最终要使观众认可，比如画面构***稳定或者富有动感等。静物画要体现出作者的审美观，让别人能从画面中体会到作者的思想，通过画面中物体的摆放看出作者的匠心。所以，对待静物，我们要能寄物于情，寄情于物，把物拟人化。一组好的静物画构***，使人感觉到它们不是物，而是能表现出像人一样的组合，或者和谐，或者相互欺压，或者亲近，或者关系疏远，实际上这都体现了作者对物的一种感悟，一种赋之于人性的表现，也就是物我合一，心与神遇——从物中反映出画家所寄托的情思。这一点，在很多大师的静物绘画里表现得十分明显。例如，17世纪荷兰小画派的静物画家们，他们描写鱼、水果、花卉等物，虽画幅不大，但构***安排巧妙，使荷兰人看着特别亲切，这就是因为他们的作品反映了荷兰市民生活的安宁以及与自然物的亲密关系。静物虽然是些普通的东西，但它是人类在生活过程中创造的成果和大自然赐给人类的天然物品。画家通过绘画表达了心中的情感，才更容易引起人们对自然的共鸣。可见任何一幅优秀的静物绘画作品都离不开画家的情感表现，可是如何才能在绘画中寄情于物呢？
一、寄情于物要在物象组合及色调设计中体现。静物写生创作中，对整幅画的色调设计是应赋之于情感，色调设计必然是由画面中组合的所有物体的色相合成。唐代张彦远认为“经营位置，则画之总要”，因而在构***时，不同色相的物体摆放穿插组合需要周密考虑，不仅要考虑物体之间的高与低、宽于窄、方于圆的搭配，还要考虑物与物之间的色彩冷暖对比、色彩和谐、色调情趣等综合因素。例如，后期印象派画家凡·高的静物画《向日葵》之所以有独特的艺术魅力，就是因为他的画面里总是洋溢着一种发自内心的呼喊。凡·高一生画了多幅向日葵静物油画，但都表现出了生命对金黄色的日出和日落的光芒的向往，对太阳的光明的迷恋。对他来说，黄色就是太阳的颜色，就是光和热的象征，是光明和辉煌的象征。他通过绘画告诉了人们他一生都在追求一件世界上最简单、最普通又是最不平凡的东西，这就是太阳。在他的静物画里，他把颜料中的黄色“家族”运用得五彩缤纷、绚丽夺目。他的《向日葵》似乎把自己的爱情都灌入静物画里，让我们看到他仿佛在怀着火一样炽热的感情在描绘静物。我们可以看出，凡·高的静物画很注重自我精神的抒发和对创作主体的客观写意，因而在他的静物写生创作中，色调设计是重要的环节。
二、寄情于物要在铺大色调中去把握。在静物写生过程中，铺大色调时就应考虑寄情的因素来表现物与物之间的大的色相区别。另外，我们还要根据摆放的静物色彩组合，去分析、去感觉总体画面的调子到底是蓝灰还是黄灰，是绿灰还是红灰等，或者说是冷调还是暖调。它有时像音乐曲调一样能表现低沉、欢快、高昂、优雅和抒情等情调。画大色调时,用笔、用色要概括，要抓住大体的明暗关系中的色彩冷暖关系，对于初学者而言，要遵循素描中的五调子关系去分析色彩，去观察色彩，才能真正使色彩依附于形体，才能学会用色彩去表现物体的体积感、量感。此外，对物体进行概括归纳，对块面色彩推移，不要顾及小的细节，小的色点，要学会捕捉大的色相关系，从宏观入手，就像木匠师傅对一棵带有树皮的木头，首先根据需要劈出方形还是圆形的大致轮廓，而不是一开始就去精雕细刻。木匠如此，画家也应如此，做任何一件事都是遵守这样的规律。静物写生要寄物于情就必须在确定大色调的基础上再对每一个物体进行深入的刻画。
三、寄情于物在深入刻画中去追求。何谓深入刻画？木匠师傅建盖一间木头房子，先是把房子的总体框架穿抖竖立起来，然后再钉椽子、上瓦、装修门窗、放玻璃，最后做精细的雕饰。一幅画的深入刻画过程跟建盖房子的过程基本相同，在铺完大色调的基础上，才能对各个物体仔细刻画。深入刻画过程中，应该如何寄寓自己的情感，还要注意以下几点。
1.深入刻画时要注意保留第一印象。一般来说，在刻画中要尽量学会保留铺大色调时的色块，想办法在综合观察画面后，在刻画的部位寻找色阶的过渡面。这样的方法，既保留了一部分铺大色调时的色块，又保持着第一感觉，而且塑造速度快，画面会更生动。在绘画过程中，一方面尽可能地充分表现出物象精神实质的形象和色彩，另一方面更要珍惜和注意保留第一印象。
2.整体观察、局部进行。在大色块的基础上，在大面里寻找小面塑造，注意色彩关系的推移，色阶的过渡。初学者往往出现两方面的错误：一是在刻画时不认真去刻画细部，而且重复画大调，不去寻找形体变化和色彩渐变，这是方法欠缺或者造型能力差的表现。二是能深入刻画下去，但忘记了大的对比关系而孤立进行。最后，整个画面既无体感，更无色彩对比，处于混乱的局面，就像唱一首变调的乐曲。3.刻画物体的暗部要与亮部进行对比，刻画一定要符合大面所处于的关系。在色彩塑造中，要注意色彩的力度、色味，(转第131页）(接第118页）注意物体的体感、量感等。由于每一个物体的色彩关系都很重要，不仅要做到单个物体本身色彩和谐，还要与其他物体的色彩协调。与此同时，还要把握好虚实关系、色彩的强弱变化以及节奏与情调。钱松岩先生说：“章法，千言万语，不外‘虚’‘实’二字，其他疏密、轻重、浓淡、大小、长短、横竖同理，可体味音乐的节奏，当实则实，当虚则虚，即是多样的统一。”音乐是靠每一个音符去组合成曲调，一幅画的情调是由画面中的每一物体的神态来构成。因而在刻画每一物体的过程中应关注画面的和谐统一是否体现着情感的因素。
4.寄情于物立足于最后阶段的调整。静物写生的最后阶段是调整，这是重要的一个阶段，也是画家很难处理的阶段。这涉及画者的审美观的高低，因此，我们要博览群书，多学习前辈作品的艺术表现规律，要明确自己追求什么样的画面效果，让观众从画面中看出自己的思考，自己的表现意***。要根据自己的意愿进行调整，在深入刻画中注意细节，更不能忽视大的整体关系，调整过程中要把影响整体画面的东西去掉。然后再根据画面的情感需要去加强塑造某些物体的部位和调整某些物与物之间的色彩关系。伟大的画家塞尚，他画静物就是为了表现物象的本质，在画面的调整中往往是删繁就简，夸张提炼，用圆柱、圆球和圆锥几何体处理画面的各种物象，力求表现出一种永恒和有秩序的情感。他在静物绘画创作中追求绘画的形式感、造型的结构感和色彩的坚实感，创造出静物画的新形式并赋予情感。在欧洲静物画坛上，除了凡·高和塞尚，还有夏尔丹、高更、莫奈、马蒂斯等画家，他们的静物写生创作也都赋予自己内心的情怀。他们终生致力于静物画的探索，留给后人许多不朽的惊世之作。调整阶段是一个很难的阶段，它体现作者的思想、追求的目的和个人审美意识，因此，我们要不断地加强自我修养。中国宋代画家李嵩在他的《花篮***》中就精心描绘了堆满花篮的各种春花，给人以春意盎然、百芳争艳、万物复苏的感觉。现代画家齐白石在他的《蔬菜》里，虽寥寥数笔，却深刻地抒发了画家对生活的无限热爱。这让观者自然联想到人们日常生活中所触和所需的一些物，联想到江南初夏麦黄季节的美好***景。就是这样，绘画大师总能在他的作品里寄予着一定时代的生活情趣和自己对人生的感悟。他们在画器物、动物、植物花卉中，每一幅画可谓画物寄情，睹物思人，画面总能体现出一种情思，一种对生活的无限热爱。这些事例都说明只有寄情于物的艺术作品才能有强烈的艺术感染力，才更能打动观众。
总之，在静物写生创作中，无论用油画还是用国画、水彩水粉等绘画形式来表现静物，这只是形式上的区别，都应该赋予情的追求，不要为画物而画物。无论在画面表现上追求写实还是写意，无论笔触是快慢疾驰还是粗糙细腻都要体现作者绘画时的情感变化。所以，作者在静物写生过程中，无论是画面的物象组合、色彩对比还是笔触肌理变化都能展现出作者画物的情感追求，这才做到了物为我用，借物抒情。
参考文献：
[1]吴作人.怎样画静物[M].人民美术出版社，1983.
[2]陈通顺.美术鉴赏[M].人民美术出版社，1983.
色彩静物篇10
关键词：初中美术；素描静物；水粉静物
水粉与素描在初中美术教学中的教学地位十分重要，如何能够做好初中学生素描静物画与水粉静物画的教学呢？
一、素描静物教学
1.引导学生了解透视法则
首先，教师应该引导学生掌握圆的透视和一点透视与二点透视的基本规律。改变石膏几何体的摆放位置与呈现角度，并对其各边透视变化进行理解与分析。此外，还可以将生活中常见的现象或事物列举给学生，如，在笔直的马路上，站立并望向远方，对马路的透视现象进行观察（近大远小）；如果接着对其进行横向截取，便呈现出类似立方体表面平面摆放时的现象。为了能够对物体透视实现清晰把握，并且能够对静物、角度以及视点三者之间的关系进行准确掌握，教师应该要求学生将不能直观看出来的部分用画笔勾勒出来，并且引导学生明白静物圆锥体或是圆柱体都是通过“切割”长方体得来的。
2.结构组合的正确分析
在我们的日常生活中，通过几何形体的分解、组成或部分组成简化任何常见生活物象。教师在素描静物教学的时候，应该引导学生对周边事物进行细致观察与分析，使其明白其中大多数物体都是可以简化为立方体、圆柱体、球体或是各种几何体的组合形体。例如，鸡蛋虽然既不是球体，又不是严格意义的圆柱体，但它的外观是介于两种几何体形态之间的；如果削去立方体的四个棱角便成了圆柱体，再将圆柱体的顶部与底部进行削切便呈现出球体模样。除此之外，教师还应该引导学生明白任何复杂形体造型都能够通过一个或多个简单几何形体组合而成。例如，画出一个简单的立方体，便可以将其设想为方盒子；画出一个简单的圆柱体，便可以将其设想为圆形石柱；画出一个简单的球体，便可以将其设想为篮球。这种方法可以引导学生通过简单的几何体设想出各种事物，再将几何形体进行分解组合便可以创造出更多的客观事物。
3.熟悉物体的明暗色调变化
有了光照才会生出暗影，也就有了物体的明暗色调变化，需要注意明暗色调是有着特殊节奏变化规律的，教师应该引导学生明确在作画过程中对物体及光影的观察与表现必须贯穿始终。教师在指导学生怎样明暗深入的时候，应该提醒学生对亮部、暗部以及中间色之间的渐变节奏规律。简而言之，就是暗渐变，最终形成有秩序的明暗变化。
二、水粉静物教学
1.明确构***重要性
在水粉静物写生中，如果不能做好构***则会对于后期的画面调整带来一定困难。因此，教师在水粉静物教学开始之前就必须将这一关键因素向学生进行反复强调。其次，对于初中阶段的学生而言，水粉静物对于他们来说还比较陌生，所以把握构***便相对困难。针对这一现实情况，教师便应该在对静物进行摆放的时候，增加多角度静物构***，并且在教学中给学生介绍构***的简单常识。例如，稳定坚实的三角形构***、通常用于大场面表现的平静庄严的水平线垂直线构***、优雅流畅的“S”线或是弧线构***。
2.色调掌控
首先，色调是一幅美术作品的总基调。因此，在对色彩静物绘画进行教学的时候，便应该强调学生对色调掌控的学习与训练。小色稿练习便能够很好地帮助学生迅速提高色调把控能力，要求学生将眼光投入到整体画面中，现将大的色调画出来，再深入对色彩进行训练。为了进一步强化学生色调掌控能力，教师还可以要求学生进行色彩变调练习，促进学生对色彩关系的理解与分析。训练过程中，教师可以将同一组静物作品进行多种不同色调的改变要求学生进行练习，并在完成后鼓励其相互评比，找出各自色彩关系的正确与否，经过如此反复训练，可以帮助学生迅速提高对色调的掌控能力。
3.画面整体调整
在基本完成画面的时候，教师应该要求学生站在远处对自己的作品进行检查，观察画面色彩关系以及整体结构是否能够协调统一，是否能够发现跳出整体画面的色块，主体物是否突出，有无明显拉开画面层次。教师应该引导学生作画前将冷、暖色调考虑清晰，现将大块面的色彩画出来，考虑整体布局，再细画后整体。并且，画面色彩应该要具备对比性，如果静物背景是冷色调，那么前面便需要用暖色调，反之亦然；静物关系也需要相互形成呼应，如果选用的是蓝色衬布，那么静物也应该添加蓝彩；静物的光泽度也需要进行细分，并且使光泽度不同的静物相互之间存在色彩联系，如此才可以使整体画面得到协调。
总之，素描与静物是初中美术教学中的重要组成部分，在初中美术教学中要以此为教学重点，深化教学开展，引导学生做好素描与静物绘画学习。
参考文献：