学文网钢琴演奏是一门高难度的音乐表演艺术，其音乐结构复杂而丰富，要求演奏者有娴熟的演奏技巧，并能对乐曲进行分析研究，在演奏中对动态变幻无穷而又有着高度内在逻辑的音乐流程进行合理的组织与控制，这种综合能力即是钢琴演奏的结构感。
本文从钢琴演奏者如何感受音乐结构，使演奏更具魅力谈几点浅见。
一、分析理解作品
1、研究作品的结构与风格
分析理解作品，首先要搞清作曲家为表现音乐内容所选定的曲式结构，并进一步研究由主题发展而成的乐句和乐句组成的乐段；其次要研究各乐段的不同性质、不同结构特点以及各乐段之间的连接手法、过渡与转换关系；然后，精心构思全曲的高潮，这样的分析研究是成功演奏一首钢琴作品的前提条件。
一首钢琴作品在作曲家的一度创作中，作品体裁的选择、调式调性的安排、和声的进行等多种音乐结构因素的运用，是作曲家对音乐内容、作品风格的刻意追求，也是作曲家内心体验的再现。因此，要成功地演奏一首作品，应该要了解作品的时代背景，作者的创作意***，把握作品的风格与内涵，这样弹奏出来的音乐才有生命力和感染力。
例如：贝多芬的创作风格具有鲜明的时代感、宏伟的哲理性和极其丰富的音乐表现手法。他的钢琴作品的特点是和声声部变化较大，情绪转折较多，富有戏剧性和感染力，弹奏时不仅要注意声音大小的对比，更要注意到情绪的深刻变化。
2、认真准确地读谱
钢琴演奏的乐谱是作曲家表达感情、创造形象、表白心灵的重要手段，是曲作者和演奏者之间沟通的重要媒介，是演奏者了解作曲家思想感情、创作手段、音乐语言特点和各种微妙演奏意***从而进行再创作的重要依据，因此必须通过读谱，充分把握音乐的整体结构。
钢琴的乐谱是复杂的多声部，织体变化多端，音域很宽，记谱时常会有上下加线，而且高低音谱号经常变换，临时升降号经常出现，稍不注意，弹奏时就会出现错音，甚至扭曲作者的意***。所以一定要认准乐谱音符的高低长短、指法奏法、术语标记，还要弄清调式调性，并通过细心读谱了解作者是用什么样的曲式结构来表现什么样的内容、感情以及和这些感情的发展变化，最终希望创造出一种什么样的音乐形象。因此，在读谱阶段就要弄懂这首作品是在说什么，是怎么说出来的，这样在演奏过程中才能找到一种平衡感，有思考、有理解、有组织、有安排地去表现乐曲的内容。
二、准确掌握作品的节奏和速度
1、掌握好节奏
节奏是音乐的灵魂，是乐曲的脉搏，这一点在不同时代，不同国家，不同流派的音乐中都是一致的。有时我们听不同演奏家演奏同一首乐曲，会有不同的感受，是由于他们对音乐的处理和对节奏与速度的掌握不同，从而产生了不同演奏效果，因此，弹奏一首乐曲，只用一种速度、一种表情是不够的，必须把严格的节奏和乐曲的各种旋律形态、节奏型、织体变化在内心完美地统一起来，才能使各种音乐结构的发展变化与稳定的内心节奏律动感产生对应关系。
2、控制好速度
在技巧熟练、理解深入、表现自如的基础上，掌握好恰当的速度，往往能使乐曲表现更加动人。如果速度控制不好，即使在小的细节上节奏、速度的不统一，也会使人感到弹奏不严谨，甚至有损于音乐的完整。速度是根据作品性质决定的，一般地讲活泼的乐曲速度稍快，平静的乐曲速度稍慢；但是在有的乐曲中，抒情的不一定慢，激动的不一定快，这一切都要从音乐表现的需要出发。
例如：肖邦的《谐谑曲》（Op.31）第65―96小节是抒情性的，但又是生气勃勃的。不能弹得慢；而第309―316小节，富有激情，但它的速度并不快.
三、重视旋律的正确演奏
1、乐句的处理
弹好乐句是旋律表现的重要环节。音乐是一种特殊的语言，乐句的处理要像说话唱歌一样有呼吸、有语调、有语气、有句子长短、有各种表情。演奏中句头要有起句的动作，句尾要有收束感，两句之间要有“呼吸”，并且要在统一的节奏中进行。如果乐句较长，中间有大小几个连线、断奏或夹带休止符，在演奏中要做到音断而气不断，从句头到句尾一气呵成，并且还要在乐句中找出肯定、疑问等各种语气，把乐句弹得有内容，有表情。几个小乐句合成一个乐段后，音乐就会有向前发展的趋势，根据音乐的内容不同，要处理好轻重缓急、起承转合的关系，使整个乐段的结构显得布局合理。
2、旋律的表现
旋律是音乐中最富于表现力的部分，旋律的表现力要根据作品的内容来处理，旋律音有自己内在的联系，要用内心把所有的感觉表现出来。弹奏每一个旋律音都要听到它的余音，即使弱的音也要有渗透力，通过手指的感觉弹出千变万化的旋律来。
当然每个人对旋律的感受不完全一样，表现的程度也会不一样。表现比技术更难，有时表现不是一下子就能达到的，要经过反复推敲。艺术的表现到最后是简单的，或者说是洗练的，但这是从复杂中提炼出来的。感觉好的人也要经过艺术的加工处理才能在演奏中达到比较完美的境界。
例如：储望华改编的钢琴曲《二泉映月》，旋律非常有表现力。第一段是作者在叙述自己凄惨的遭遇，和声出来时不能有一个一个的重音，要根据旋律的进行让重心有倾向地转移，落在旋律音上，旋律要弹得平静、均匀。中间一段突破了原二胡曲的压抑感情，充分发挥了钢琴的特点，奏出挣扎、激动和强烈的悲愤感情。而结尾部分的旋律出现了休止符、附点、倚音等，又充分地表现了一种无力的挣扎和内心的哭泣。特别是休止符在这里是无声的音乐，是旋律的一部分，有深刻的含意。
四、提高听觉能力
1、注意倾听和声进行
钢琴演奏的乐曲有很多是用和弦来作为开始和结尾的，而且在乐曲的高潮处常常以和弦为主要支柱。在钢琴演奏中，旋律的表现与和声形成不可分割的整体，演奏者应力***去感觉和声的进行及其功能。初学阶段有的人往往把某个和弦的个别音弹错了也毫无察觉，这说明初学琴的人对和弦的整体音响听不出来。因此，只纠正弹错的音是不够的，要掌握和弦的性质及和声常识，倾听各种音响效果，并要认真倾听和弦连续进行中产生的功能和色彩感，以及从不稳定到稳定的解决、终止等。一个能很好地听到和声进行的人和对和声没有感受的人弹出的乐曲效果是完全不同的。
2、培养多声听觉能力
钢琴演奏是多声部的音乐，因此演奏者要具备指挥家一样的多声听觉能力，才能把握钢琴音乐复杂的结构。指挥家是和乐队合作完成音乐演奏的，乐队是真正演奏的执行者；而钢琴演奏的多声听觉是用于指挥监控自己的演奏的，无论钢琴演奏多么复杂，技术的难度多大，都完全由自己来演奏的和审听。因此，钢琴演奏者既是多声部音乐指挥，又要克服生理手指弹奏的各种困难，同时还要倾听自己对乐曲的完美演奏。当钢琴作品的音乐和技巧难度越来越大的时候，演奏者就会为克服演奏的困难而忽视多声听觉的发展，削弱了对音乐结构的敏感性和判断力，所以演奏者必须不断提高演奏技艺，并在弹奏简单的乐曲时就要养成全神贯注倾听音乐的习惯。培养多声听觉，把握动态的音乐结构是学习钢琴由初级到高级必须紧紧抓住的要点。
3、发展内心听觉
在多声部听觉的基础上要进一步发展内心听觉，使内心听觉在演奏时对音乐的记忆向前后延伸，让弹奏过的音符继续留在脑海里，成为音响的参照系，为正在演奏的音乐提供比较的依据，和将要演奏的音符在内心听觉和音乐的记忆中组成一个较长的线条，使演奏者对乐曲的每一个局部从主体到乐句形成一个完整的音乐形象。
总之，对音乐形象的不断追求是培养钢琴演奏结构的出发点和最终目的，只有演奏者、钢琴和作品融为一体，才能使钢琴演奏艺术得到升华。