学文网传统艺术篇1
丁杰的作品《石魂》对中国传统艺术作品的现状和发展方向是很有意义的。作为一个当代的传统艺术家，如果仅仅把一些传统技法拿到当代来用，是非常不够的。就中国传统艺术发展过程中的各个时期来看，各自都有不同的鲜明时代特征，都是某个时代社会生活的映射。因此，传统艺术发展到当代，必定是具有当代特征的，也就是对当代社会现状的反映。一个好的艺术家应当积极探索传统艺术与当代社会之间的关系，他的作品应当表现这种关系。
传承与变异是文化的两个基本能力，且两者不可分割。不传承无以继续，不变异则无法留存；有传承就可能引起变异，有变异才能够保证传承，任何文化失去两者中的一个就失去了生命力。世界上任何一种文化发展至今，都不可能仍保留它最古远的初始形态，文化的交融自近代以来愈发激烈，传统
丁杰，江苏人，毕业于南京师范大学美术系，并入中央美院国画系学习。现为中华海外联谊会理事、***基金会理事、文化部青联***、中国美术家协会理事、国家友好画院副院长、文化部青联美术工作委员会副主任、中国美协艺委会办公室常务副主任。曾出版多部画集，在国内外举办各种展览，作品多次获奖。的变异也特别明显。进入全球化的今天，文化与艺术的全球性传播，尤其是因跨国传媒的介入带来的艺术的边缘化现象，对所有的传统艺术都是严峻的挑战。全球化时代的传统艺术，只有融入全球化进程，在更大的文化背景下得到价值认同，才能恢复与重建文化自信；若依然封步于自我相对封闭的文化圈中自娱自乐，它们在新的文化环境与新的运转机制面前，往往陷入困顿。传统艺术家们认识不到这一点，也会犯闭门自怡的错误。
我为什么非常喜欢丁杰的作品《石魂》，最主要是因为它的现实主义精神内涵，他走着一条传承、变革继而创新的路。他在传统基础上寻找一种***，努力在根植于中华民族传统艺术的民族性的基础上，将传统艺术进行某种社会学意义上的变异，进而融入全球化的文化环境之中，这是非常可贵的。不管他的创作实践是对还是错的，他已经有了变革的观念。至少透过他的《石魂》我看到了现代社会的竞争，压力，纷纷扰扰以及奋发向上的精神，充分感受到了艺术家对当下人民生活的人文关怀。如果创作只具有传统的手法而忽略当下的社会变革所带来的变异，这种艺术现象和状态是虚有的，也是没有现实意义的。从这一方面来说，丁杰的探索是难能可贵的。
(责编 彭庆阳)
传统艺术篇2
许多的东方艺术家为之绞尽脑汁，例如张艺谋。张艺谋作品中那种质朴的乡土气息已经随着《秋菊打官司》和《大红灯笼高高挂》的结束而一去不复返了，取而代之的是像《英雄》、《满城尽带黄金甲》这样耗资巨大的商业大片，如此大班底制作，其目的不言而喻。即便是他在漓江上编导的那个“漓江印象”，也只是追求感官刺激的西方广场艺术的价值观，其与中国传统诗画中的烟雨村色的冷清空灵的情调已经相去甚远了！然而令人费解的是，这些影片往往一出来就招致骂声一片，远远不像前两部电影一样叫好又叫座。他不断揣摩西方观众的心理，迎合西方人士的口味。04年希腊奥运会的闭幕式上，中国艺术代表团有展示中华民族传统艺术的八分钟表演，以显示北京奥运会欢迎各国广大运动员去北京的美好心愿，结果，由张艺谋导演的，浑身上下披挂着中华民族传统元素的一群中国美女穿这喜事超短裙上台了，她们一面演奏着二胡乐曲一面不时翘起白生生的大腿，此画面一播出，国内舆论哗然。
当然，现在各种媒体的广告肆无忌惮的充斥着我们的生活，广告上的摩登女郎，眩目的色彩，配合着噪杂的重金属音乐……人们已经见怪不怪，并且习以为常，而这些东西无一例外，全都是西方的舶来品。WWw.133229.CoM张艺谋拍这样的电影，无疑是受到西方的影响，他所拍的古装片只是为了满足西方观众对东方古文化猎奇的需求，即便是张艺谋的《英雄》，讲的是中国古代秦王与剑客的故事，传得却是英国亚瑟王的韵！
在中国的艺术圈里，受影响的不仅是西画画家，也不排除中国的老艺术家。2005年11月11日，一致对外宣称蕴含着浓郁的中华民族传统文化特色的吉祥物面世了，结果，最能代表中华文化特色的龙落选了，而五个“福娃”则是西式的卡通娃，有的人甚至认为，这五个吉祥物模仿的是日本卡通“铁臂阿童木”。
不管是张艺谋还是韩美林，或是中国其他的艺术家，他们主观上希望在自己的艺术作品中努力表达出中华民族传统文化之魂魄，但是，在客观上又都走向了自己的反面，这究竟是为什么？
中华民族上下五千年的历史，然而却敌不过只有几百年历史的美国奥斯卡领奖台上的灼灼灯光！中华文明博大精深，然而现如今，有几个人能读得懂？就算在文艺界，越剧、吕剧、京剧、昆曲，又有几个人愿意从事这种行当？于当今大红大紫的流行歌手几百万甚至几千万元的出场费相比，几十元一场的国粹是不是显得有点尴尬？两者相比，前者如众星捧月，而后者观看者寥若晨星。这一切不只是戏剧演员的悲哀，更是我们整个民族的悲哀。在记者的采访中，许多祖传几代的民间艺术家都表示不愿意再让自己的后代吃这碗饭，因为太累，欣赏的人又少，他们所挣的钱远远不够糊口。当今的中国教育很奇特，***治公共课里的哲学理论，全部是外国的，中国的是没有的。在中医院校，不上中国的《易经》和养生学课程，而《易经》和养生学则是中医的基础啊。一个民族对自己的文化不加以保护，不加以宣传，任之自生自灭，这样的民族，永远不会有引领世界文化潮流的一刻！
现今，后现代主义、解构主义龙卷风一样向我们袭来，对于这些，我们似乎也无需指责，尽管，我认为，这些无聊的东西在浩浩长河的艺术史中是留不下什么的，即便是留下，也只是很浅陋、很粗糙的一笔。后现代主义的兴起，是这个快餐时代的产物，说白了就是整个欧、亚、非、拉美文化的大杂烩，正因为如此，它的艺术是没有文化土壤的，落地不生根，只能浮于土壤之上，是现代工业社会的产物，然而令我疑惑的是，中国的艺术家非常热衷于这种肤浅的表现形式，放眼望去，众多的作品极其类似，没有自我。 更有甚者，一味讨巧西方观众，同众多的“伤痕文学”一样，搞起了“伤痕艺术”。“***”如一场梦魇，醒来之后依然无法抹去记忆中的伤痛。许多做“伤痕艺术”的人都出生于“***”之后，对于那段历史既不了解也无法进行准确的历史定位，只是人云亦云。的确，许多的外国人对中国的这段历史感兴趣，于是乎，就有人愿意“揭中国的伤疤给西方人养眼”，无论是油画、壁画、行为艺术还是99年蔡国强在威尼斯双年展上获奖的《威尼斯收租院》。中国上下五千年的历史，能够作为题材的岂止是“***”那一点点？即便是蔡国强在上海美术馆展出的作品《龙年》题材选的是中华民族的龙和火药，但给人的感觉依然是用中国的形传达的西方的魂！
传统艺术篇3
日前笔者在四川省成都市郫县的唐卡工作室了解到，在藏族唐卡噶玛嘎孜画派省级非遗传承人拉孟老师带领下，与一众画家、业余画师一起，开始以《莲花生大师本生传》为蓝本进行改编，设计并绘制1300幅莲花生大师生平唐卡。《莲花生大师千幅唐卡》项目于2007年启动，目前已完成300余幅作品。这个项目目的在于让唐卡艺术走向市场，让更多人了解藏文化，这项国家重点文化产业项目中，除了1300幅唐卡，还包括以此为蓝本开发的一系列创意产品：动漫游戏、绘本故事、藏品画册和数字电影等。诚如才让多吉老师所说“：一直希望能让更多人看到我们的成果，让更多人了解藏文化。”这个现代化的运用为当代唐卡艺术注入了意思新鲜的血液。
二、唐卡绘画的现代化应用思考
传统唐卡的功能，总结来看分为三个层次的基本功能，首先就是满足人们学习知识和基本常识；其次满足人们审美情绪，实现艺术交流；再有就是，教化和诱导民众的行为。根据上述功能，沿袭这一思路，在唐卡绘画中的色彩、形态、寓意等加以利用、创新在器物之上会产生什么样的艺术效果？
（一）平面印刷运用
虽然不同派别的唐卡绘画风格略有不同，但是绚烂多彩的绘画内容，寓意深刻的神话故事都吸引着人们去观赏、学习。经过笔者的研究总结，唐卡在平面设计上的运用，目前主要是以装饰画、染织为主，鉴于唐卡本身具有浓厚的宗教色彩，因此设计者在设计时要注意不要触犯宗教教义。装饰画方面，笔者认为可以在唐卡色彩的搭配和比例等方面加以借鉴，运用在现代装饰或者平面设计当中。甚至是服装、软装、纸质类印刷品等都可以进行开发研究。
（二）立体器物运用
由于某些宗教人物不可以随意使用在他物之上，因此可以在唐卡绘画当中的某些元素，或者符号，进行提炼运用到器物之上。例如吉祥八宝***案，作为唐卡绘画当中的常用元素，常常被使用在日常家具或者宗教用具上。通过现代设计的思路将这些元素符号进行夸张变形，可以运用到家具、交通工具、日用品、饰品等产品之上。
（三）动态传播运用
传统艺术篇4
1.培养学生创新能力和审美意识提高。
在现代艺术教育中引入风格淳朴的民间传统艺术，其本质并非让学生片面、生硬地追求与模仿艺术形象上的原始与荒蛮，而是通过强化这一方面的学习来实现对其内涵的理解和精髓的升华，借以充实自我艺术创造，使民间传统艺术在创新中与现代意识发生碰撞，达到审美层面上的互补和统一，焕发非一般的光彩。
2.中华民族传统文化与道德理念延续。
民间传统艺术在历史车轮碾过后，雄健的底蕴越发显现出来了，其将思想理性有机融合到鲜活的艺术形象中，用以宣扬正面历史人物形象、进行道德教育。融于中华民族传统文化中的人生价值理想，决定着民间传统艺术家肩负着启蒙教育的责任，而民间传统艺术那一股“寓教于乐”的独特方式与亲和力，不时启迪着人们的道德理念、人生价值和审美情趣，这便是民间传统艺术隐于艺术形象下的潜在价值，也是现代艺术教育中得以突围的亮点所在。
二、民间传统艺术对高校
艺术教育发展的影响
1.教育模式--灵活创新。
为实现民间传统文化与高校美术课程的高度结合，可一面组建以兴趣爱好为基点的学生社团，组织学生开展形式多样的集体活动，让他们利用课余时间自行学习剪纸、陶艺等民间传统技艺，再将这些学习成果带入课堂中进行交流探讨，互相促进学习，拓展课堂范围；另一面还可邀请民间传统艺术传承人走入课堂，为学生演示传统艺术作品的制作过程，讲述技艺的发展历程，也可借机向学生传达一些民间传统艺术正面临失传的现状，鼓励有兴趣的学生投身于传统艺术事业。此外，还可尽量挖掘本地民间传统艺术教育资源，利用乡土文化来感染学生，增加对民间传统艺术的热爱之情。
2.教育思路--广泛拓展。
现代科技的飞速发展成就了高校教育形式的深刻变革，足不出户也可将声音、***片、影像等多媒体元素与文字一起带入高校美术课堂中，创设丰富多样的教学情境来引入入胜，同理，民间传统艺术的形成过程、传统艺术作品的制作工艺等也都能在一方屏幕上得以生动呈现。不难发现，生活的周遭尽是可以取材的传统艺术素材，民间传统艺术的气息早已弥漫大街小巷，悄然影响着人们的行为方式。只要用心发现，有意识搜集，可利用的教学资源唾手可得，当艺术走下高不可攀的神台，紧密结合到生活点滴中，才能真正对人们思维方式、行为习惯产生引导作用，才能在生活这一不竭源泉的滋养下获得更为鲜活的生命，焕发更为绚丽的光彩，这对高校艺术教育思路拓展大有裨益。
3.教育理念--打破传统。
传统艺术篇5
关键词：传统艺术；数码艺术设计；特性；结合
世界正在走向全球经济一体化，科学技术和文化、资讯传播观念也随之快速发展，这使得数码艺术在人类生活中占据着越来越重要的地位，也成为了这个时代的新特征。数码艺术是艺术与媒体技术的结合，为人类的艺术事业注入了新活力。对当代文化和艺术产生及其重大的影响。
数码艺术正在被越来越多的人们所接受，正在成为一种大众化的、平民化的艺术形势。无疑，数码艺术以它自身特有的视觉效果丰富、强大的互动性等特点带给人们极大的愉悦。同时，却也常常因为它在人文与内涵上的缺失而留下些许遗憾。而就传统艺术来说它的创作是建立在深厚的文化底蕴和历史渊源之上的，它蕴藏着众多的地域风情和民族文化。传统艺术形式丰富，包涵着深刻的文化积淀、民族情感、风俗习惯、审美观念及审美情趣。这些因素都在人们的心理情感交流上引发极强的亲和力，产生心灵的共鸣。传统艺术与数码艺术两者之间有着密不可分的联系。
1数码艺术的飞速发展
1.1数码艺术的发展现状与优势
数码艺术设计于二十世纪九十年代才逐渐在我国普及并广泛推广。如今，经过二十来年的发展，这一新兴艺术门类在我国已经日趋成熟，并在绘画艺术、影视制作、商业设计等领域占据了非常重要的位置，而其在这些领域的成功也印证了数码艺术设计在文化创意产业中的巨大作用。相对于传统艺术来说，数码艺术设计具有取之不尽的色彩、多维的艺术空间以及对现实的再创造能力，可以不必拘泥于传统绘画门类的限制，集诸多技法与表现形式于一身。这种创作手法的自由性决定了数码艺术设计必会呈现出丰富多彩的视觉效果，并在最大限度上扩展了设计艺术在未来领域的实践。
1.2数码艺术的不足之处
数码艺术设计在为人们带来新奇便捷的同时也不可避免地存在着诸多缺点，目前很多的数码作品只注重视觉冲击效果而忽视了其中内涵；数码艺术的商业性使得设计作品过多的注重了作品的商业价值，而其艺术价值难以得到充分体现；数码艺术是源于计算机辅助设计和辅助制造的，从诞生以来就是依靠商业来发展，也正是由于大量的商业需要才使数码艺术的发展如此迅速。由于数码艺术的功利性太强，不可避免地导致批量生产从而使艺术欣赏价值降低。
2传统艺术面临的挑战
相对于数码艺术设计的迅猛发展，传统艺术目前正面临着西方文化艺术所带来的强烈冲击。一方面，美国在二战后借助其强大的科技、经济、***治实力向满目疮痰的欧洲推广美国式艺术，先后树立起了抽象表现主义、集合主义、波普艺术、极少主义、观念主义等符合美国意识形态需求的艺术流派，并使之随着经济全球化扩张到世界各地。到了二十世纪的数码时代更是改变了人们的视觉角度、审美趣味以及创作方式，网络成为了现代人获取信息、休闲娱乐的主要方式，人们也迅速融入了这种方便快捷的娱乐方式。在这样的环境之下，传统艺术似乎成了老一辈人的喜好而与年轻人渐行渐远，传统艺术复杂的技法和繁琐的手工制作程序已经被他们束之高阁。这样完全西化的创作方式对我国传统艺术的继承来说显然弊大于利。
另一方面，在中国古代，艺术是士族、学者上流社会习以为常的生活方式，是人们生活的情趣，艺术作品中都富有作者的独特个性和人文情怀。而当今传统艺术创作出现工业化趋势，丧失了艺术作品当中及其重要的个性。艺术的受众所接触到的传统艺术品往往是大众媒体的导向。于是，传统艺术趋向边缘化。
3传统艺术的特性
（1）传统艺术的发展几乎贯穿了整个人类社会的发展史，在其漫长的过程中，它是人类以往智慧的结晶，也具有极高的艺术审美价值。审美是艺术区别于社会其他事物的根本性质。
（2）经过几千年的传承，传统艺术代表了人类的精神层面，也传达了一种社会的思想道德。
（3）传统艺术具有极强的文化价值，像书法、绘画、戏曲、传统服饰、剪纸等传统艺术里蕴涵了丰富的人文内涵，甚至成为了代表中华民族的艺术符号。
4传统艺术与数码艺术相结合
我国的传统绘画经过几千年的发展，有着自身的优势和别的创作方式所无法取代的东西，比如深厚的历史底蕴、富有诗意的文人情怀、张弛有度的布局法则、以及的极具内涵的艺术胜境，等等。因此，无论出现哪种创作方式和表现手段，都不应忽略传统艺术的存在。
随着社会、文化的发展与进步，艺术也必然不会停下它发展与创新的脚步，不同的艺术形式应该勇于借鉴、敢于融合、善于互补。传统艺术与数码艺术源于两种不同的艺术类别。我们既要尊重传统艺术的独特性，体现中华民族的审美心理，又要紧跟时代的发展，反映当代人的喜好和内在的精神追求。把数码艺术引入传统艺术领域，将赋予传统艺术新的时代内涵。
4.1现代设计中传统艺术与数码艺术结合的作用
（1）凸显艺术性。现代设计中，数码多媒体技术已成为展现艺术效果的重要辅助手段，借助数码艺术表现方式能通过虚拟显示等意象手法，传统艺术也能带给艺术受众全新的审美愉悦和视觉感受，同时也更凸显其中的艺术性。
（2）增强互动性。数码艺术的迅速发展不仅为艺术的创作提供了高科技的设计平台，同时也让艺术受众能亲自参与其中，更直观生动的感受艺术的无限魅力。
比如，2010年上海世博会中国国家馆的镇馆之宝《清明上河***》，就是中国传统艺术与数码艺术设计融合的典范，这幅“百米长卷”以宋代张择端的传统绘画版本为创作依据，以多媒体动画艺术的方式呈现在公众眼前。长卷中数百棵树和建筑严格按照原创制作，长卷共128米长，6.5米高，整个活动画面以4分钟为一个周期，展现出宋朝开封古城的白天与夜晚。借助大幅卷轴的数字化多媒体应用技术，将传统绘画《清明上河***》放大成巨幅3D动画，***中将近1700个人物被特效技术击活，映衬着墙壁底部的流水效果以及船上的人物对白，使整幅***变得流动起来。观众可以清晰地看到***中中国古代人物形象在日夜交替中，举止各异、栩栩如生，观众只要轻点画面中的人物，人物便会发出相应的说话声，再加上远处的水流声、风声，观众如同置身其中，使观众仿佛置身其中，穿越时光隧道游走在古城那条繁华的街道，这种互动拉近了观众与作品之间的距离。
（3）为设计者提供全新的思路。数码艺术通过人机互动的形式，构成了人与人、人与虚拟现实之间一种全新的关系，也将设计者们天马行空的想象变成了鲜活生动的艺术作品，更激发了设计者们更为大胆的创意思路。
传统艺术篇6
从广东省教育厅网站公布的我省76所高职学院网站了解到，有72所高职学院开设了艺术设计相关专业，占95%，设立了单独艺术设计类（院）系的高职学院有56所之多。专业设置方面，普遍以广告、装潢、多媒体等现代设计类专业为主，在传统工艺美术方面开设最多的专业为珠宝首饰类专业，但只有6所高职学院开设。其他60多所均没有开设传统工艺美术类相关专业。课程设置方面，仅有5所学院在美术教育专业中开设了漆画、手工艺等部分传统工艺美术相关课程。2011年广东省经济和信息化委员会公布了广东省传统工艺美术产业保护和发展基地12家、培训基地3家、产业展示基地5家，没有一家高职学院。
我省绝大部分高职学院开设了艺术设计类专业，但对传统工艺美术未引起足够重视，没有充分认识到我省对传统工艺美术传承、发展、产业化的高度重视及***策扶植对学院内涵建设、特色建设是一个重要的机遇，存在重现代艺术设计、轻传统工艺美术的现象。广东传统工艺美术高职教育存在的问题与对策为什么在高职院校会出现重现代艺术设计教育、轻传统工艺美术教育这一现象？一方面是因为随着市场经济的发展，平面设计、环境艺术设计、媒体艺术人才需求量增加，生源多，就业范围广。而且开设现代设计艺术专业硬件投入相对较少，而学费相对较高，因此，高职学院对开设现代艺术设计专业热情高。另一方面，高职学院面对传统工艺美术门类相对细致而专业技艺单一，在专业定位、课程设置、实训基地建设、招生就业等方面均面临一些问题。首先是生源问题。江门职业技术学院2010年开设陶瓷艺术设计专业，并建立了校内陶瓷车间，联合企业建立了校外实训基地，但当年仅招生15人，勉强能够开班，次年招生人数更少，无法开班，从而停止招生。2012年学院从服务地方经济的角度考虑，尝试从室内设计专业抽出一部分学生试办古典家具专业方向，但报名者寥寥无几，最终也没能开班。这是传统工艺美术专业创办初期可能会出现的情况。究其原因，主要是专业影响力不够强，宣传力度不够大，校企合作不够深入。
高职学院如果转变观念，不看重眼前利益，从长远考虑，从学院特色和内涵建设考虑，从传统工艺美术人才培养的社会责任来考虑，对传统工艺美术人才培养加大投入，加大宣传力度，争取上级扶持和企业支持，在传统工艺美术人才培养方面办出特色，扩大影响，生源问题就会迎刃而解，而且有成功的模式可供借鉴。如湖南工艺美术职业学院湘绣和陶瓷专业各从10多人的定单班开始，后来成立湘绣艺术学院、湘瓷艺术学院，被批准为部级非物质文化遗产湘绣传承与保护基地，招生情况良好。我省番禺职业技术学院也成立了珠宝学院，现已探索出一条成功的传统工艺美术教育之路。
（一）专业设置相对于现代艺术设计专业，传统工艺美术门类更多，分类也更细，在专业设置方面应考虑两个因素：第一是地方因素，应从传承、发展地方传统工艺美术技艺、服务地方传统工艺美术产业入手，开展具有地方特色的传统工艺美术教育。如广州“三雕一彩一绣”（牙雕、玉雕、木雕、广彩和广绣）、佛山陶塑、肇庆端砚、潮州木雕和潮绣、阳江漆艺、江门新会葵艺和古典家具、汕头内画等，都具有鲜明地方特色和产业特点。根据地方传统工艺美术产业特点设置专业，也是高职学院服务地方经济的需要，同时在教学资源和学生实训及就业方面具有较大的优势。第二是准确定位人才培养目标。我们培养的学生专业技艺既不能过于单一也不能贪大求全，既要考虑学生“零距离”就业的需要，也要考虑学生在专业方面的持续发展。笔者认为，在传统工艺美术专业定位方面，要解决“广”与“专”的矛盾，狭义的“X型”或“T型”人才模式可以作为传统工艺美术专业设置的参考。“X型”人才，即系统掌握两门专业知识，并有明显的主要的交叉点、结合部。如古典家具与雕刻、刺绣和编织、漆画与版画等，二者在工艺和艺术特色方面具有交叉点，可作为同类型人才进行培养，避免人才培养过于单一，也拓宽了就业渠道，有利于人才培养的持续发展。“T型”人才，即在本专业横向方面具有较为广博的知识和技能，纵向方面在本专业领域某一方面具备精深的技艺。从传统工艺美术方面来看，就是既要掌握老艺人传承下来的精湛技艺，又要具有全面的艺术修养，能创造出具有时代气息的传世精品。“T型”人才培养既有利于学生就业，也有利于学生的可持续发展。如江门职业技术学院2013年在珠宝首饰设计专业下开设珠宝玉石雕刻方向，从而在专业设置的“广”与“专”之间获得平衡。广东省经济和信息化委员会2011年公布了第一批广东省传统工艺美术品种和技艺目录，包括8个类别：工艺雕刻类、抽纱刺绣类、艺术陶瓷类、编织工艺类、漆器类、工艺家具类、金属工艺类、其他类，共53个品种，并明确了主要产地。在专业设置方面可以此作为参考，从地方产业特点入手，专业设置方面按“X型”或“T型”模式进行分类或整合。
（二）课程设置一是从上述“T型”人才培养的纵横两方面开设课程，兼顾“面广”与“精艺”两方面，在保证本专业必要的知识面的基础上，根据学生兴趣和特长帮助学生定位专业技艺，制定工学结合人才培养方案，提供良好的实训场所。二是将传统工艺美术课程融入现代艺术设计专业。传统工艺美术的***形、文字、色彩元素及材料在包装设计、广告设计、室内设计、产品设计中得到广泛运用，提升了现代设计的设计意境和文化内涵。在现代艺术设计教育中，根据专业特点开设传统工艺美术相关课程，如产品设计专业可开设金属工艺、陶瓷工艺课程，室内装饰设计专业可开设古典家具设计课程。三是开设传统工艺美术选修课。尤其是艺术设计类专业学生，至少应掌握一门传统工艺美术技能。四是成立传统工艺美术或手工艺兴趣小组，组织学生开展实践性教学活动。五是积极与行业企业联系，根据企业需要及时调整课程设置，培养适合企业需要的人才，探索“工学结合”和“订单式”人才培养模式。
（三）实训基地建设探索***、校、企合作的实训基地建设模式。引入或建立大师工作室，建立项目工作室，与企业合作建立生产性实训基地、研发中心，并成立相关的职业技能鉴定认证机构和培训机构。在此基础上，争取***府支持，申报省级实训基地、广东省传统工艺美术保护和发展基地、广东省工艺美术大师示范工作室。在实训管理方面，校企双方共同组建管理机构，由双方单位主要领导担任实践基地的负责人，共同商讨确定基地建设目标和建设内容。校企双方共同制定人才培养目标或方案，探索建立可持续发展的管理模式和运行机制。据华商报消息，广东省每年从***府文化发展基金中安排1800万元资金用于传统工艺美术保护和发展。我省高职学院应利用自身优势，从传统工艺美术实训基地、保护和发展基地、大师工作室等方面申报专项资金，在传统工艺美术人才培养方面做大做强且做出特色。
二、结语
传统艺术篇7
现代艺术设计关于面的整合创新。传统艺术设计当中对面的处理达到了较高的艺术水平。但是这些成果并不能直接应用在现代艺术设计当中，而是应当经过必要的加工整合才能发挥出更加有效的作用。现代艺术设计中赋予面更加广阔的功能，面的宽度和广度两个特征被充分利用起来，而且面的厚度也被充分开发出来。在现代艺术设计当中发挥着更加重要的作用。在艺术当中，面具有一定的抽象性，而现代艺术设计就是针对这种抽闲属性进行切割、重叠，赋予其更加强大的表现功能，同时也给与这些面更为丰富的视觉效果。
2传统元素的几何特性在现代设计中的创新
几何***形是现代艺术设计中一个重要元素，同时对于几何***形独具匠心的艺术处理也是我国传统构***中的一个重要应用方式。几何语言是构成主义的因子，同时也承担着更为重要的表达效果和作用。几何语言虽然在表达审美思想方面存在诸多不完美之处，但是现代艺术设计的抽象性却能够在几何***形的构成中发挥重大作用。对于一些特定的主题利用几何化的语言形态表达出更加有效的主题和作用，使其成为更加有效的基础地位，这些都为语言的成功运用奠定了良好的基础。同时这些语言也为现代艺术设计增添了更为丰富的视觉效果。因此，在艺术设计的不同阶段，应当充分结合传统元素，以及这些传统符号背后最蕴含的意义和独特的特征。这些不同的方面应当具备更加积极的理想和现实意义。同时这些影响因素也成为影响他们关键技术的重要理论基础[2]。
3结语
传统艺术篇8
关键词：磁州窑；工艺技法；传统文化；工艺表现
一、磁州窑传统工艺综述
磁州窑造型丰富多样在几千年陶瓷艺术中，其制作工艺精湛，影响遍及中国乃是世界。其独特的工艺技法不但为陶瓷界留下了宝贵的财富和传统的工艺技法。它不但在物质方面起到改善人类的日常生活，而且从精神上激发着无限的动力。以其绚丽多姿的造型，精湛的纹饰，和简约的笔法，唤起人们精神世界的无限欣悦，中国陶瓷在历史上产生巨大影响，同时对世界文明做出了不可估量的贡献，从而使得中国传统文化进一步得到深华。在磁州窑的造型或装饰上都有着实用，美观的独特之处。随着不同时代的发展，产品多以日常生活必须的盘，罐，瓶，盆，为主，运用独特的工艺技能，使用绘、划、剔、刻等不同手法，不仅起到美化作用，还突出表现出民间艺术所共有的朴实的性格。采用大量的题字化装饰，表现出磁州窑传统工艺的精美。
二、磁州窑传统工艺技法
磁州窑的生产工艺有独特的方面同时也具有其他陶瓷生产的风格，大体上说，都要经过从原料的开采加工，到成型、装饰、装烧的工艺过程一系列系统烧制，从而生产出陶瓷产品。根据不断完善传统工艺，烧制出不同的风格的陶器。实际上，在陶瓷生产的整个过程中，对窑口的烧制和产品，除了遵循上述工艺流程外，由于使用原料的特别性，或产品需要特殊加工等，在每个流程中都有一些特殊的工艺方式，或者个性化的操作方式。通过这些因素的作用，从而使得不同风格的陶瓷产品烧制而出。正是这些独特的工艺造就了特定的艺术语言和艺术风格。
（一）特殊的颜料
磁州窑在使用原料加工上，就地取材，巧妙结合，灵活运用。在长期的制作陶瓷生产实践过程中，利用就地取材的粗质原料，在表面上加工白色化妆土，再通过涂透明釉烧制而成，形成特色的生产技术。正是这些基本制造特点，为磁州窑独特的加工工艺铺设了基础，造就了辉煌的磁州窑艺术。
（二）独特的湿法
湿法工艺是磁州窑一独特的生产工艺特点，湿法工艺就是生产过程中，从生产青坯开始，施白化妆土，刻画，绘画等装饰到施釉的整个工艺过程，需要在坯体保持相当水份的情况下来进行，这是由于使用原料的多元化和原料本身的特点来决定的。这样磁州窑的湿法工艺，即为装饰过程中提供了制约，又提供了便利。便利就是，含有一定水份的潮坯便于刻画和绘画、书法等装饰，只有坯体保持一定的水份潮湿的情况下，最容易操作，一但坯体过干，变硬，操作起来十分困难，磁州窑的工匠必须具备较高的素质和熟练的技艺，来适应工作的需要，才能产出好的产品来。
（三）独特的装饰工艺
磁州窑装饰艺术是一个划时代的创造。工匠们善于学习继承敢于大胆创新，发展了刻画花技艺，创造了白地黑花装饰，并发明了红绿彩低温釉上彩绘，开创了陶瓷低温彩绘的新纪元。磁州窑表现出物象特征，创造出具有唯美的工艺形象。由于这种民间瓷器是广大人民日常生活中的实用品，而各式各样的装饰纹样表现的灵活生动自然潇洒，更代表着人民群众的审美观念，表现了他们的艺术才能和不朽的制造技能。因此，在中国瓷器装饰艺术上有划时代的意义.
（四）高素质的磁州窑工匠
磁州窑艺术离不开磁州窑工匠。他们具有独创造性的工艺，在不断的实践中不懈创新。将中国绘画的技法成功运用到瓷器装饰上，创造出独特的工艺技能。如左***，表现出具有创造性，开拓性的工匠，具有高超的画工技艺。磁州窑工匠的内在素质和综合修养，集中体现在其装饰内容上和题材上，磁州窑产品装饰内容方面，题材丰富多彩。描绘自然山水风光、人物动物、花鸟鱼虫；或体现文学作品、历史故事、神话传说和宗教内容等，或揭示社会反应现实生活的诗词歌赋、民谣警句等，或体现人们喜闻乐见，象征对美好生活的追求和渴望的吉祥***案等，结合所用材料，大胆尝试去创新，利用具有人文精神的思想内涵不断去完善作品，形成独特的艺术风貌。通过磁州窑工匠的高超技法与社会文化联系在一起同时也与世界人民融为一体，成为人们生活实用和精神实质的体现。
三、磁州窑传统制造工艺烧制表现
磁州窑的窑炉主体是座落在底面上的半圆形和马蹄形窑样，几个相连接，黄土覆盖顶部，蕴藏着神秘和壮观。通过装窑过程，烧制产品不同窑具也不尽相同，经过精细的程序适宜的温度。烧窑是陶瓷生产的关键工艺，也是磁州窑生产的关键工艺。在陶瓷行业流传的一句经典的话“原料是基础，烧窑是关键”经过炉火纯青的烧制使得土质的变化，才显示出陶的不朽和神奇，也是从泥土到陶瓷的深化。人们对陶瓷艺术的烧制充满着很多描述和感慨，也使得人们意识到陶瓷也就是火的艺术。通过点火，可以是满窑的陶器变得光彩生辉。传统烧窑和现代大不相同，传统烧窑制作先先用耐火砖封窑门，只留一小尺大小的方孔作填火口作为填煤和看火用。通过点火，烧至一定温度，保温，火焰气氛的控制。到停烧后渐渐冷却卸窑。制品烧成必须经装窑，烧火，冷却，卸窑四步程序。
四、结语
磁州窑传统工艺不仅把中国传统工艺和制陶工艺相结合，从而使得宋代磁州窑具有强烈的地域性和浓郁的民间特色，磁州窑传统艺术不仅体现在民间艺术的清新自然，更是传统文化的精髓。通过朴实的自然与艺术写照，融入到瓷器装饰中，迎合大众的喜欢，展示了这种陶冶艺术美的强大生命力和感染力，磁州窑的继承发展，广泛传播，对陶瓷业的发展具有较高的借鉴和实用价值。磁州窑发展到今天，不仅使得在技能方面有很大的提高，而且着有力的为传统陶艺提高到一个新的境界。通过传统的制造独特工艺技法，显示出它卓越的艺术成就。同时从物质上和精神上相统一，在国内外产生巨大影响。作为追求艺术的我们，无论在绘画技艺上，还是民间装饰艺术风格上，这些自然生动的传统工艺，正是磁州窑永不枯竭的生命力，值得我们去借鉴，去研究。
参考文献：
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[4]李知宴.《磁州窑瓷器的绘画艺术》[J].考古与文物，1987（3）.
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传统艺术篇9
关键词：陶瓷；艺术；现实主义
中***分类号：J527 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）33-0027-01
现代陶瓷艺术，亦可归类于现代装置艺术，作为一种新兴的艺术门类存在又同时传承了陶瓷技术这一文化传统精髓。在传统陶瓷艺术中非常注重形体与釉色光泽的关系，如若其中某一点不符合这两大要素将被视之为废品，人类发展最初的阶段出现了容器这一概念以来便出现了以中高温烧制陶器来作为日常储存容器之用，陶瓷器皿以功能性诞生，后来追求奢华的宫廷用品由各地方设窑厂来进贡陶瓷器皿并没有从根本上改变陶瓷作为器皿的单一存在，直到当代各种门类的装置与室外雕塑的大量使用，使陶瓷作为一种表现手段走到了艺术的前沿。
当代陶瓷艺术，解构陶瓷的表现手法，单一的从选材，塑性开始到后期着色上釉，釉上彩或其他手法都可以作为一种***的表现手段实现，同理在当代油画艺术当中把传统油画解构成光影，肌理，色彩和***的黑白灰关系，其中的每一种都可无限的放大或者无限的缩小来作为艺术家表现题材的一种语言，这样的做法使作品更加的纯粹，更加新颖且具有视觉感官的冲击力度更强，在陶瓷艺术中也是一样。
塑形：塑形作为装置艺术中最重要的一个元素，也是陶瓷艺术作为新的装置艺术体系中一员的根本，手段一般通过光线与作品表面的关系来说明艺术家所要阐述的观点，也可用表面肌理的凹凸来体现，大致形体的塑造方面与雕塑无异，但与雕塑不同的是，现代雕塑可现取现用来制作，可以在制作的过程中直观的了解到最终的材质效果，而现代陶瓷则不行，在最初的塑性阶段仅仅只是塑形，对于最终出现的效果的把控性需要后面的几个要素同时进行，需要制作者对整个制作流程有很好的基础，在形的限制上也与雕塑不同，不能出现太过复杂的形体，尽量以简单的造型来说明问题。历代的作品中很多以片状的堆叠，简单几何结构夹带复杂肌理表面居多，单片式的作品也比较多，这样易于处理陶瓷技术上的问题。塑性完成后低温素烧，对形体进行最后定型，有些艺术家在素烧完成之后就完成了作品的制作。
釉色：在釉色的选取上，传统陶瓷手工艺人会制作大量的陶瓷色片，来直观的了解不同金属元素的釉质最终烧制完成会是怎么样的色彩，参考传统陶瓷的工艺即可了解，釉色的选取与形体的关系必须把握得当，釉质的厚薄与形体表面的肌理也同样有很大的关系，釉下彩和釉上彩的制作方法也各有不同，多用于物体表面彩绘和制作
但以上只是制作手段上的一些事项，而艺术创作而言，只有其手段只是纯粹的炫技，而技艺又不能达到古代官窑所烧制的瓷器的水准，就如同油画现实主义写实绘画，当代画家自知文艺复兴，巴洛克，印象派这些写实已经走到顶峰无法超越且其功能性为纯粹再现已经被后期的摄影艺术所取而代之，这只是从纯粹的再现功能性的说法，而转入更加注重作者本身想法和观念的作品中同样映射到现代装置艺术上，艺术已经离开了其再现的作用，转而进入表达想法传递想法的功能性，语言的选择性也变得更加宽泛，现代陶瓷艺术便是其中之一，在选择好题材之后又正好在陶瓷这一传统语言中找到恰到好处的元素。
传统艺术篇10
传统艺术教育始于欧洲，欧洲传统的艺术教育为大学艺术教育的教法理论做出了巨大的贡献，既为职业教学提供了教学理论和http://方法,又为学生提供了社会训练。
欧洲的艺术与设计教育是从传统艺术教育中延伸出来的，艺术与设计教育在西方开始于视觉艺术，也就是传统的绘画和雕塑。早期与艺术设计有关的教育，主要是传统工艺品的设计，它在很大程度上是受到了欧洲传统艺术教育基础的影响。在西方，如果追根溯源，最早的艺术学校是在公元前400年左右在希腊建立的，在帕拉***的著作中提及到有关画室教授学徒。欧洲传统的艺术教育中，就是以写实型的绘画训练为基础，我们称之为“学院派”，起因是出自于在17世纪中期就形成了这个教育训练方法的法兰西皇家美术学院。欧洲传统绘画的特点，就是再现与强调描述。长期以来画家们都是把如何有效地表现故事场景、描绘具体的情节或表达某种寓意来进行艺术创作的。
早在艺复兴时期，艺术教育在意大利就发展得比较成熟了。文艺复兴时期的艺术家们，在艺术教育的教学教法领域中提出了许多有价值的想法。在技法纯熟的艺术大师们不断地创作过程中，获得了独特的艺术教育的理论和方法,这些都是按照被保留下来的古代文明的碎片进行了整理和收集。艺术家们不仅恢复了博大精深的欧洲传统艺术,也为欧洲传统艺术教育创造了艺术教育历史上的里程碑,达到了人类不为所知的高度。在14-15世纪早期，画家乔托等就对大自然的景象进行了十分逼真的描绘，与当时的人文主义思想相结合，虽然有些呆板僵硬的痕迹，却也显示出了与中世纪所不同的现实主义风格。15世纪末到16世纪中叶，出现了达芬奇、米开朗琪罗、拉菲尔“盛期三杰”。 提香·韦切利奥被誉为西方油画之父，继承和发展了威尼斯派的绘画艺术，提香对于欧洲后来的绘画艺术有着很大的影响。艺术泰斗们使得这一时期的艺术水平达到了前所未有的高度,同时也到达了最为繁荣和鼎盛的一个时期。
14到16世纪间的人文主义是用来描述比较先进的思想，这段时间里文化和社会上的变化称为文艺复兴，而将教育上的变化运动称为人文主义。在当时的社会，是人们对于拥有崇高的理想和知识教养具有惊人的吸引力的时期,而要实现对于人文主义知识的尊重,就要联合起最不相同的人们：地主和穷人，艺术家和商人，贵族和知识分子。他们不按社会特征区分自己,甚至不按出生地位和财富而按照人文知识的态度来进行划分。人文主义成为了他们拥有对自我征服现实生活的完整性,而沉醉于人文知识的人文理想，为意大利佛罗伦萨的人文精神，没有疲劳和懒惰的感觉,允许他们毫无保留的杰出的创造，从而意味着获得真正的高尚。
在当时著名的人文圈子中,像公爵卡西姆.美帝奇那样,经过自己的学习教育和所有的著名的艺术家,诗人和哲学家一起使得文艺复兴驰名。
在文艺复兴时期，已经形成了传统绘画艺术的三个主要系统：透视学、人体解剖和色彩学，老师们通过工作室将这些技巧传授给学生，就是传统的艺术学徒制度，从此就形成了较为系统的艺术教育教学方法。到18世纪，欧洲大多数国家都设立了这样的美术学院，法国、荷兰、比利时、瑞典、波兰、德国、奥地利，一直到俄罗斯，都有美术学院的设立，并且基本都直属皇家管理，显示其艺术服务对象是皇室贵族。随着当时社会经济的发展，需要很多艺术装饰的专业技工，从而衍生出各种工作室，绘画，雕塑，建筑和各种各样的装饰技法。 到17世纪中叶，法国的皇家美术学院设立了绘画、雕塑、建筑三个学院，有了更加明确的专业设置，但是教育方法还是和文艺复兴时期意大利的画室制度相似，还是以视觉描绘技法为主要训练目标，这种画室制度至今都在影响欧洲其他许多国家。在19世纪中叶，因为皇室贵们族对艺术品、工艺品的需求量越来越大，各个艺术学院都增设了与设计有关的专业，比如家具设计、室内装饰、园林设计、首饰设计、陶瓷设计、编织和印染设计等等。虽然教授艺术技巧，各自所教的不同，但也都是通过教学提高学生的审美经验，注重提高学生的文化修养，在教学过程中，更加注意学生解决实际问题的能力，在这个基础上来培养学生创造性思维的能力。
所有的著名的艺术大师都拥有对在自己身边的学生的教育，对他们的艺术教育的实施负责,而这不仅仅是师教问题,教学问题和对学生们的教育问题。在文艺复兴时期伟大的艺术家阿尔布雷特·丢勒留下的艺术作品和著作当中,我们可以看到他无论是在艺术教育理论的领域上,还是在艺术教育方法的领域上，都创造了让人激动不已的巨大的价值。丢勒, 在世界艺术史上具有划时代意义的艺术家，他将意大利文艺复兴的形式和理论传播到欧洲，创造和奠定了德意志民族画派的传统和基础，并极大地影响了此后世界艺术的发展，也是欧洲文艺复兴时期最伟大的代表人物之一。
就像伟大的古希腊画家认为：“在艺术创作中，不应该只是停留在普通认为的视觉的表像上,而是必须在依靠准确的科学知识上来进行理解和表现。”和丢勒同一时期的艺术家和素描理论家列尼桑斯·列奥·巴基斯特在《关于绘画的三本书》一书中写到：“我认为拥有高尚头衔的年轻人开始学习绘画时，都必
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须要知道古代画家巴姆非的格言，他认为一个好的画家要想能真正画的好，就必须要很好地懂得绘画理论。”丢勒在自己的格言中也提到：“关于在平面绘画基础上的原理以及正确的教育理论，要给予科学的教学方法…”同时，他也认为http://绘画并不是像机械训练那样只是对照实物描绘，而是要像智慧的科学训练。这个科学的艺术教育宗旨反映在以后的米开朗基罗的话中：“用头脑去画，而不是用手。”
在所有的艺术教育发展过程中，丢勒的建议是从认识实物再到平面绘画上。在古希腊时期，这个原理就奠定了古希腊艺术教育着手于学生们和拥护者们从主观观察自然，到归结为客观认识自然的景色，这也是艺术教育教法确立的初期，从只是对照实物绘画的基础上转变为真正的依据科学理论来进行分析绘画。这个新的艺术理论在当时的欧洲艺术教育中产生了很大的影响。伟大的建筑师弗罗列·布鲁涅列斯基和伟大的雕塑家多纳泰罗在对古希腊和古罗马艺术完美性的寻找研究中，从佛罗伦萨到罗马，在那里他们开始测量建筑的细节和绘制教堂的计划。著名的圣母玛利亚教堂的穹顶就是这位天才建筑师布鲁涅列斯基归结为对自己这一研究的明确结论，并且认为这个巨大的从容不迫的建筑就是他毕生所为之奉献的志向。
而意大利雕塑家多纳泰罗则是真正的改革者，他用自己探索领域的广泛性和多才多艺的天赋在欧洲立体艺术后面的发展中有着巨大的影响力。多纳泰罗在关注建立浪漫派教会浮雕的基贝尔基的工作室教学，他很快的就形成了其独特的艺术风格，并开始创立***工作室。多纳泰罗去罗马的旅行还促进了他对古代艺术的更深层的理解，也促使了欧洲传统的艺术教育处于佛罗伦萨教堂讲坛中那些浮雕艺术的实现。
也许，古代欧洲的马克·阿弗列里亚的纪念碑，正是鼓舞多纳泰罗在意识上重新认识到艾拉茨莫·达那勒尼骑马的浮雕，这是位于巴杜阿教堂广场上的第一个骑马的布鲁涅列斯基纪念碑，它也是以后时期在欧洲城市建立的所有骑马的浮雕的始祖。
后来的本·罗基欧继续创作这个题材时，他的工作室就成为了运动解剖学的人文研究的中心之一，在那里得到了文艺复兴时期的伟大创始人莱昂纳多·达·芬奇的指导。达·芬奇在其身后留下的诸多教学笔记和素描中，可以证实关于他的包罗万象的天才智慧。《绘画论》是达·芬奇最著名的理论著作，这部未完稿的理论著作在素描艺术教育教法的发展中具有相当大的影响力，是文艺复兴时期理论研究的重大成果。在这部著作中，包含了有按照解剖学的主张和展望来发展绘画艺术的教育，他努力寻找能够使人体运动协调的结构和规律性，依据科学理论研究出色彩关系和反射作用。他像严肃看待科学的学科那样来看待素描绘画艺术。然而达·芬奇指责阿里列勒基和丢勒借助于计算的绘画方法，他明确的回答这个绘画体系对学生有害，但这个绘画体系的发明是由那些不会***绘画，只会用自己论述的观点和理论去进行艺术教育的人。因为在那样的情况下，受教育者会使用懒惰的方法来进行绘画，他们是对自己智慧的危害，有这个的帮助任何时候也不会创造出一个好作品。如果能够继续按照知觉绘画的道路那样用稳固的训练方法来学习，就会有循序渐进的表现，也是艺术教育的根本。在达·芬奇的追随者和学生中间没有任何一个在艺术天分上能够超越他的；在对艺术的***看法被基本剥夺的情况下，他们仅仅只能是表面上领会达·芬奇的艺术方式，真正的艺术精髓也许永远也无法有人能够领会。
而无论是丢勒还是达·芬奇，他们都是已知的艺术形式的代表之一，从早年在父亲的工作室，随后向画家沃勒基姆特和一直在德国土地漫游的丢勒吸收德国15世纪的艺术遗产，但是大自然还是成了他最重要
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的老师。
丢勒总结的艺术教育的形式中提到，建议素描训练作为艺术教育的基本。他建议在艺术教育开始阶段把造型结构训练看作是重要的基础部分。对于现在来说，这个方法是完全可以接受的，整个艺术教育师范教育和对学生的http://培养问题在文艺复兴时期的画家中很少有人会去思考这些。在达·芬奇的《绘画论》一书中提到：丢勒如同一位教育家一样，对学生的艺术修养教育的所有的基础观点，按照这一点阐明如何实现学生们应该得到的教育。他写道，“在教育的最初阶段要好好地教导他们，然后一边告诉他们培养的方法，一边讲如何用最好的和最善良的语言，用赞扬或鼓励的方式来教导他们。”丢勒在确立欧洲传统艺术教育的《音乐的改变》一书中，划分出了特殊的意义：“为了让他们不看见什么不好的，而只有用好的东西来削弱他们的智慧，这个想法是在美术学院以往的自身发展中获得的。”