学文网艺术设计风格篇1
关键词：艺术设计；风格
艺术设计风格的多样性，也来自审美需求的多样化。由于欣赏主体存在着不同的社会层次、文化层次、年龄层次，属于不同的民族、不同的地区，造成审美需要的千差万别，反过来刺激和推动着形成不同的艺术风格。
艺术家作为艺术设计中的创作主体，他的性格、气质、禀赋、才能、心理等各方面的种种特点，都很自然地会投射和熔铸到他所创作的艺术品之中，通过创造性劳动使主体对象物化到精神产品之中，艺术家在艺术设计过程中或创作完成后的作品中都物化了艺术家的个性特点和认知原则。艺术风格是设计的时代风格和民族风格。
一、时代风格
中国古代的青铜器从总体上讲，都具有造型生动、纹饰精细、铭文清晰、装饰华丽等特点，但如果仔细区分，仍然可以从青铜器的风格中发现鲜明的时代特色。商周时代，是我国奴隶社会的鼎盛时期，青铜艺术也随之达到了极盛的阶段，尤其是商代晚期和西周早期的青铜器，一般体积庞大厚重中国明式家具在设计风格和审美特色上的迥异，也是由于不同文化的影响所造成。明式家具产生于明代私家园林这样一个特定的文化氛围和环境氛围里，而许多私家园林的园主，本身就是能书善画的文人墨客。他们以文人的审美要求和标准，对园林建筑内的家具设计风格进行整体规划，有的还亲自参与家具式样的设计。这就不仅使明式家具散发出浓浓的文人趣味和书卷气息，而且注入了更多的文人士大夫文化的内涵。明式家具是明代江南文人文化的一种物化。明代椅子由于造型所产生的比例尺度，以及素雅朴质的美，使家具工艺达到了很高的水平。家具整体的长、宽和高，整体与局部的权衡比例都非常适宜。明式家具为封建统治阶级所占有使用，例如有的椅子座面和扶手都比较高宽，这是和封建统治阶级要求“正襟危坐”，以表示他们的威严分不开的。 因此，每一个时代设计风格的形成，都与当时的文化发展有密切的联系，一个时代的文化氛围，是那个时代设计发展的土壤，一个时代的艺术设计，又反映出那个时代文化的面貌和特征。
在中世纪，一本圣经是统治阶级的宝典，文化的传播地是教堂，教堂的设计最能代表当时的西方文化。德国的科隆大教堂、巴黎圣母院是其中典型代表。它们都是哥特式的风格，从外观上看，它那高耸的尖塔直刺青天使人敬畏，阴冷的墙面和框架式结构使人震惊。教堂内部狭长窄高的空间，以及一排排瘦长的柱子形成一种腾空而上的动感，使人产生超脱尘世向天国接近的幻觉，再加上教堂内墙壁或玻璃窗上的基督教故事绘画，采用彩色玻璃镶嵌的窗户设计，以红、蓝、紫色为主配置成《圣经》题材的玻璃马赛克，营造了浓厚的宗教氛围。
在建筑中，法国18世纪中后期路易十五统治时期兴起的一种“洛可可”（或“罗可可”）风格，其在建筑外形上显得粗巧、典型，富丽堂皇，注重繁锁的雕刻装饰，这种雕刻上的现象便是“洛可可”建筑以奢侈豪华的反映，“巴洛克”建筑风格中的现象和本质也存在着这一时代风格。“洛可可”艺充满了异国的情调和奇思妙想，追求自由舒展、轻快活泼的自然主义情调。
二、民族风格
民族性是指各民族各地区在设计中体现的差异，它是由本民族的地理环境、社会状况、文化传统、风俗习惯等多种因素决定的，艺术风格的民族特色，体现出本民族的审美理想和审美需要，但归根结底还是根源于本民族的社会基础与经济生活。十九世纪法国著名艺术史学家丹纳在《艺术哲学》一书中，认为种族、环境、时代这三个原则决定着艺术的发展。法国后期印象派画家的代表人物高更，如果不是因为厌倦了上流社会的生活，毅然放弃职业和家庭来到南太平洋的热带岛屿上，亲身体验和经历了带有神秘色彩的风土人情，也不可能创造出富有原始情趣的民族绘画风格来。人类的一切审美设计活动，说到底就是民族的审美活动，这种审美活动的过程和结果，都打上了民族的印记。
设计要表达一种文化内涵，使之成为特定文化系统的隐喻并将时代的文化特色与社会现实融于设计中。斯堪的纳维亚的设计在30年代获得巨大成功，并获得了国际声誉。怀着创造美好生活的社会理想，斯堪的纳维亚的设计试着从家用产品着手，设计不仅要提供美观实用的生活用品，更要有力地引导消费者选择健康的生活、消费方式。将德国的严谨的功能主义与本土手工艺传统的人文主义相结合，使斯堪的纳维亚设计在1930年的斯德哥尔摩的博览会上大放异彩。50年代，斯堪的纳维亚设计因其朴素而有机的形态及自然的色彩和质感而产生了新的飞跃，并深受大众欢迎。总体来说，斯堪的纳维亚国家的设计风格有着强烈的共性，它体现了期堪的纳维亚国家多样化的文化、***治、语言、传统的融合，以及自然材料的欣赏等。斯堪的纳维亚设计就是对生活的设计，本着功能实用、美感创新和以人为本的设计风格，其设计已触经进了人们生活的每一个角落。
艺术设计风格篇2
简述荷兰“风格派”的艺术风格
1.风格派的形成背景
风格派是1920―1930年兴起于荷兰的艺术流派。第一次世界大战期间，各国的前卫艺术家纷纷来到当时作为中立国的荷兰避难。在荷兰，这些艺术家在各自的艺术创作中发展出新的风格。其中一批审美趣味相近的设计师、文化人和艺术家为了传播他们的艺术理念，创立了一份名为《风格》（De Stijl）的杂志。其主旨思想是拒绝使用任何具体的形象元素，提倡用纯粹抽象的几何形构***来表现核心的精神。艺术史上的荷兰“风格派”由此得名。
2.风格派的代表人物及其艺术思想
蒙德里安是风格派最具代表性的艺术家，以善于利用处于不均衡格子中的色彩关系而达到视觉平衡而著称，被誉为抽象绘画中“风格派”的领袖与非具象绘画的创始人。他曾说“直线和横线是两个相对的力量表现；这类对立物的平衡到处存在着，控制着一切。”他的很多作品都表达了这句话的含义。《红色的树》以扭曲的树枝布满画面，彼此呼应而有韵律感。那简略的线条有力且富有生命感；周围缀以黄土及红色的斑点，再以地平线显示出远距离感。海牙市立博物馆的镇馆之宝《胜利之舞》的画面中利用简单的红、黄、蓝三原色和众多大小不一的矩形，营造出舞蹈中节奏的变换和频率的高低变化，表现出超出视觉用精神感知的韵律。“通过这种手段，自然的丰富多彩就可以压缩为有一定关系的造型表现。艺术成为一种如同数学一样精确的表达宇宙基本特征的直觉手段。”蒙德里安认为只有非具象的“纯造型艺术”才能传达普遍的“纯粹实在”。一切构造的基础在于水平与垂直的骨架；所有色彩的根源在于红黄蓝三原色；摒弃一切对称，并排除所有能使人联想到情绪或自然界的要素。
《风格》杂志的创始人杜斯伯格是风格派美学思想的传播者，他概括了“风格派”的建筑设计思想，对包豪斯产生重大的影响。后期他放弃了新造型主义严格的造型原则，发表了基本要素主义宣言。他把矩形构***倾斜45度角，以追求一种更有动态的表现形式，这显然与蒙德里安的主张相背离，直接导致了两者的分化破裂。
红蓝椅是风格派最著名的代表作品之一，是家具设计师里特维尔德受《风格》杂志影响而设计的。将座椅简化成最基本的框架，包含简化宇框架两层意思。这把椅子整体都是木结构，13根木条互相垂直，形成了基本的结构空间，木条的端部漆成黄色，椅子的靠背是红色，坐垫是蓝色，各结构间用螺丝紧固而不用榫接，这些处理手段受了蒙特里安绘画的影响。这款红蓝椅具有激进的纯几何形态，像一件雕塑，还具有相当的功能性，对现代建筑设计与工业设计都产生了不可估量的影响。
3.风格派对现代艺术设计的影响
风格派与构成主义、未来主义、表现主义并列，对现代建筑于艺术设计都产生过深远的影响，其新造型主义形式法则广泛运用于现代设计理念之中。从《风格》杂志创立到停刊10年间，风格派把后印象派倡导的艺术秩序化与理性化主张做了进一步发挥，在抽象绘画的道路上走得更远，深刻影响了美术界以外的建筑设计领域，为20世纪的艺术设计风格奠定了重要基础。
现代生活中大到城市规划，小到百姓的衣食住行等用品，大多出自机器的批量生产。在它们的造型组合中，不泛圆形、方形、球形灯几何形体，同时蕴含着几何抽象的构成关系。欧洲建筑界首先兴起了极少主义风格，反对任何装饰，主张依据建筑功能结构空间结构，大量使用预制构件，使建筑造型像机器一般简洁规整。形成风格派建筑最基本的特征：不对称，几何学的，平屋顶平墙面的建筑。
“风格派”对现代工业设计的直接影响则是缘起于其与德国“包豪斯”学校的思想碰撞。包豪斯的设计理念与“风格派”的思想是相通的，两者的思想都是改革社会艺术意识达到改变社会面貌的目的。因此，“风格派”的理想很容易在包豪斯找到共鸣，也正是“风格派”的影响，促进了包豪斯的教育改革，把“风格派”严格的富于数学性和谐的几何造型语言嵌入到构成教学当中，同时完全按照机器生产的要求来组织产品功能和形式。包豪斯的理性主义风格左右着德国以至欧洲的产品设计，成为现代工业产品的基本特征，并塑造了整个现代工业文明的美学品格。
“风格派”对现代平面设计影响在于其几何抽象风格简约，冷静的矩形构***，经过巧妙的分割与组合，使平面抽象成为一个有节奏、有动感的画面的艺术理念很好的诠释了平面设计追求几何形态的空间美，色彩的结构美、物象的理性秩序的精神。
Gentner出版社标志设计
1.Gentner出版社标志设计项目的由来
德国Gentner出版社主要从事环境资源、可再生能源和能源效率、引用水以及医疗保健预防等方面书籍的出版发行。总部位于德国南部城市斯***加特，另外还在波兰、南非、美国、法国有分支机构。为迎接出版社成立100周年，该社面向全球征集新标志，以适应出版社在新媒体环境下的发展理念。Gentner出版社为此次标志设计大赛共设置三个奖项，并提供奖金一等奖1500欧元、二等奖1000欧元、三等奖500欧元，同时一等奖获得者将被邀请免费赴德学习三个月。 2011年10月16日-27日，柏林艺术大学克里斯坦教授来到南京艺术学院开设了为期12天的Gentner出版社标志设计短期课程。
2.Gentner出版社标志设计过程
参加此次课程的学生共计46人，分别为设计学院平面设计一年级和二年级的研究生。课程的第一阶段，克里斯坦教授和助手吴霜老师先为同学们介绍了Gentner出版社的基本信息、原有标志及对新标志的诉求，并放映相关短片让学生深入了解目标客户的需求；第二阶段为创意和草***阶段，教授针对同学的创意点和草***提出进一步修改意见，并挑选有可能续发展的方案；第三阶段为制作阶段，学生根据草***制作电脑黑白稿，灰阶稿，再进行文字编排和色彩的尝试，最后为标志的延伸应用设计，包括名片、信纸信封和一些户外广告的效果***。
克里斯坦教授在授课过程中强调设计与实践相结合，通过一步步的引导，建议让学生深入了解为企业设计标志的各种要求，并将平日所学运用到实践中去。其中教授的示范标志案例就具有很浓烈的“风格派”特征，如下***：
3.体现风格派特征的出版社标志方案解读
从传统意义上我们总结的标志的表现形式有：
（1）***形表现形式
***形类标志是使用一种平实并且可识别的形象，这个形象本身可能暗指企业或产品，也可以是品牌属性的象征。***形表现形式中分具象和抽象两类，具象表现形式具有鲜明的形象特征，是对现实对象的浓缩与精炼、概括与简化，突出和夸张其本质因素；抽象表现形式是以抽象的***形符号来表达标志的含义，以理性规划的几何***形或符号为表现形式。
（2）文字表现形式
文字标志通常是指标志中不含***形或***片，标志就是***存在的字或字的组合，它可能是企业名称，也可能是首字母缩略词或简称，作为独特的视觉元素成为企业或产品的标志符号。从文字的起源来分类，可以分汉字标志、拉丁文标志和数字标志。
（3）***文结合表现形式
***形和文字共同组成标志的主体，两者并非简单的拼合，而是发挥各自的优势，相互衬托，相互补充。***形是对企业文化理念、行业特征等的描述，文字是对***形标志的补充。很多时候文字与***形融为一体，即文字的***形化处理。
在同学们最初的设计手稿中是有些具象形的标志草***的，但是基本都以各种原因湮没，到中期的方案探讨时就基本成了“G”字母的各种变形排列了，最后会上的方案展示中具有风格派特征的标志作品居多，例如：
荷兰“风格派”艺术风格对现代标志设计的影响
从以上方案稿中我们不难发现荷兰“风格派”艺术风格以抽象的几何新造型主义设计理念影响着标志设计者，使其在现代标志创作中体现出单纯的、理性美学。具体表现有：
1.抽象、几何化构成元素组成标志集合体，通过对这些构成元素做再构成来达到视觉统一。
2.常用折线、垂直和水平线，有时在折线基础上做少量弧线处理以丰富构成形式。
3.标志常用三原色，有时利用中性色、黑白灰作为调和。
4.标志形式常反传统、反对称，追求一种机械感。
5.标志组成各部件都是不同的、无规则的。
6.标志形式感大于内涵。
结语
“风格派”艺术在我们的社会生活中的影响无处不在，无论在服饰设计、家具设计、室内设计、视觉传达设计中都能找到它的影子。“风格派”的那种追求抽象、无寓意、简练、舒适、自由、畅快的艺术风格是值得我们设计师吸收并加以利用的。对于现代设计师来说，各种艺术中都有我们汲取的养分，我们要在不断学习中寻求适合的艺术表达方式，在设计过程中不断吸取前人的经验，更大的发挥我们自身的创造力，为我们今后的设计搭桥铺路。
（作者单位：安徽大学传媒与艺术学院）
艺术设计风格篇3
关键词：艺术设计;艺术风格;融合性
艺术设计的风格,一般是指艺术设计家在艺术作品中所表现出来的创作个性与艺术个性。它是人们社会生活的审美观念、素质层次、民族文化的总体需求与反映。对于艺术设计风格,涉及艺术家主观方面,诸如思想感情、性格气质、生活经历、文化修养和审美理想的特殊性。而所有这些,又受到国家民族的物质、精神文明在历史发展中形成的特殊性影响,受***治、哲学、宗教和美学思想的影响。艺术设计风格的多样性,也来自审美需求的多样化。由于欣赏主体存在着不同的社会层次、文化层次、年龄层次,属于不同的民族、不同的地区,造成审美需要的千差万别,反过来刺激和推动着形成不同的艺术风格。
艺术设计风格的形成有着多方面的原因,首先,艺术设计作为一种特殊的精神生产,必然要在艺术作品上留下艺术家个人的印记。艺术家作为艺术设计中的创作主体,他的性格、气质、禀赋、才能、心理等各方面的种种特点,都很自然地会投射和熔铸到他所创作的艺术品之中,通过创造性劳动使主体对象物化到精神产品之中,艺术家在艺术设计过程中或创作完成后的作品中都物化了艺术家的个性特点和认知原则。艺术风格是设计的时代风格和民族风格。
一.时代风格
艺术的时代风格,是反映某一时期、某一时代的科技、文化、审美意识的写照,艺术设计时代风格,是一个时代的文化观念、审美意识和价值取向在设计上的物化表现。商周前期青铜器装饰性较强,幻想的成分较浓,形象也更为怪异,颇具凝重森严,威猛逼人的气势。中国古代的青铜器从总体上讲,都具有造型生动、纹饰精细、铭文清晰、装饰华丽等特点,但如果仔细区分,仍然可以从青铜器的风格中发现鲜明的时代特色。商周时代,是我国奴隶社会的鼎盛时期,青铜艺术也随之达到了极盛的阶段,尤其是商代晚期和西周早期的青铜器,一般体积庞大厚重,尤其流行一种“饕餮”兽面纹,它既像牛头,又像虎头,既像某种凶猛的野兽,又像令人恐怖的妖魔鬼怪,它显出一种神秘的威力,一种狰狞的美,它带有明显的奴隶社会的印记,象征着奴隶主阶级统治的权威和秩序,这是时代精神的体现,正是在这种文化氛围中,才出现了“鼎”这样整齐、规范、条理、秩序的造型形式。
例如在中国虽然商代和周代同属奴隶制,但商代与周代的文化特征还有所不同。商代的文化更突出地表现在祭祀方面,它的生活内容、物质文化和精神文化,主要是围绕着祭祀来进行的。因此,殷商的青铜器,其造型的体积感和力度大大加强,以此适应祭祀的需要。而周代的“礼”,尽管也有祭祀,但它不同于殷商的“先鬼而后礼”,而是“敬鬼神而远之”,成为一种比较理性的、有着丰富伦理意识和严格的等级观念的礼仪活动。
又如中国明式家具在设计风格和审美特色上的迥异,也是由于不同文化的影响所造成。明式家具产生于明代私家园林这样一个特定的文化氛围和环境氛围里,而许多私家园林的园主,本身就是能书善画的文人墨客。他们以文人的审美要求和标准,对园林建筑内的家具设计风格进行整体规划,有的还亲自参与家具式样的设计。这就不仅使明式家具散发出浓浓的文人趣味和书卷气息,而且注入了更多的文人士大夫文化的内涵。明式家具是明代江南文人文化的一种物化。明代椅子由于造型所产生的比例尺度,以及素雅朴质的美,使家具工艺达到了很高的水平。家具整体的长、宽和高,整体与局部的权衡比例都非常适宜。明式家具为封建统治阶级所占有使用,例如有的椅子座面和扶手都比较高宽,这是和封建统治阶级要求“正襟危坐”,以表示他们的威严分不开的。 因此,每一个时代设计风格的形成,都与当时的文化发展有密切的联系,一个时代的文化氛围,是那个时代设计发展的土壤,一个时代的艺术设计,又反映出那个时代文化的面貌和特征。
宗教是一种复杂的文化形式,它又自己创造出一种相对***的宗教文化,使得宗教文化成为世界文化的一种特殊形态,也是世界文化发展链上的一个环节。在宗教文化中,包含着形形色色的宗教艺术。涉及建筑、雕塑、绘画等各门艺术。在中世纪,一本圣经是统治阶级的宝典,文化的传播地是教堂,教堂的设计最能代表当时的西方文化。德国的科隆大教堂、巴黎圣母院是其中典型代表。它们都是哥特式的风格,从外观上看,它那高耸的尖塔直刺青天使人敬畏,阴冷的墙面和框架式结构使人震惊。教堂内部狭长窄高的空间,以及一排排瘦长的柱子形成一种腾空而
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上的动感,使人产生超脱尘世向天国接近的幻觉,再加上教堂内墙壁或玻璃窗上的基督教故事绘画,采用彩色玻璃镶嵌的窗户设计,以红、蓝、紫色为主配置成《圣经》题材的玻璃马赛克,营造了浓厚的宗教氛围。
欧洲“巴洛克”艺术的诞生是世纪末的文化现象,从世纪初到世纪开始兴盛起来,“巴洛克”艺术抛弃了严谨和谐的古典风范,致力于创造出富丽堂皇、丰满写实、富于强烈的动感和饱和色调的艺术境界。
“巴洛克”一词意为“畸形的珍珠”,它一反文艺复兴时期形成的追求高度写实与和谐端庄的人文主义传统,而追求华丽、夸张、怪诞和壮观的表面效果,以鲜明饱满的色彩和扭曲动荡的曲线,通过光线变化和形体的动感来塑造一种精神气氛,从而把现实生活和激情幻想结合在一起,创造出一种惊心动魄的趣味。
“巴洛克”建筑设计的风格是在形式上刻意追求反常出奇、标新立异的效果,外观自由奔放,线条曲折多变,建筑的构***节奏不稳定,常常不规则的跳跃,波浪形墙面都具有一种变化无穷的动势。爱用双柱,甚至以三个柱子为一组,开间的变化也很大。在装饰上“巴洛克”多取曲线,使用扭曲多变的纹样形式,成为复杂迂回的形状;喜用大量的色彩绚丽的壁画和姿势夸张的雕像,丰富和五彩缤纷的艺术结构,体现了神权中心的思想。
在建筑中,法国世纪中后期路易十五统治时期兴起的一种“洛可可”(或“罗可可”)风格,其在建筑外形上显得粗巧、典型,富丽堂皇,注重繁锁的雕刻装饰,这种雕刻上的现象便是“洛可可”建筑以奢侈豪华的反映,“巴洛克”建筑风格中的现象和本质也存在着这一时代风格。“洛可可”艺充满了异国的情调和奇思妙想,追求自由舒展、轻快活泼的自然主义情调。
世纪下半叶,随着启蒙主义思想的深入,资产阶级和封建贵族之间的矛盾日益尖锐。法国蕴酿着一场巨大的***风暴。在这个新的时代,娇柔纤细的“罗可可”艺术已同时代氛围格格不入,人们呼唤能与新时代相吻合的新艺术的出现。德国美学家温克尔曼很早就对古希腊艺术进行了大量的认真研究。世纪中叶发表了他有关古希腊艺术论文《关于在绘画和雕刻艺术里模仿希腊作品的一些意见》,以后又出版了《古代艺术史》一书,这些著述以及他有关古代艺术的美学思想在欧洲影响十分广泛。世纪中叶在启蒙思想和科学精神的推动下,意大利和其它地中海沿岸的古城一个个被发掘出来,尤其是世纪中叶罗马庞贝古城的发掘,人们看到了带有理性严谨特点和倡导英雄主义精神的新的艺术样式。世纪下半叶在法国掀起了学习和研究古代艺术的热潮,出现了一场新的复古运动,这个运动在艺术史中被称为新古典主义、新古典主义的源流是古代罗马艺术,意大利盛期文艺复兴艺术和世纪以普桑为代表的古典主义。这些艺术都体现出一种宁静、典雅和理性主义的时代精神。
二.民族风格
艺术不仅仅是时代的,更是民族的,民族风格的形成,是由于一个民族的文化传统,审美心理、审美习惯在设计上的体现。民族性是指各民族各地区在设计中体现的差异,它是由本民族的地理环境、社会状况、文化传统、风俗习惯等多种因素决定的,艺术风格的民族特色,体现出本民族的审美理想和审美需要,但归根结底还是根源于本民族的社会基础与经济生活。十九世纪法国著名艺术史学家丹纳在《艺术哲学》一书中,认为种族、环境、时代这三个原则决定着艺术的发展。法国后期印象派画家的代表人物高更,如果不是因为厌倦了上流社会的生活,毅然放弃职业和家庭来到南太平洋的热带岛屿上,亲身体验和经历了带有神秘色彩的风土人情,也不可能创造出富有原始情趣的民族绘画风格来。人类的一切审美设计活动,说到底就是民族的审美活动,这种审美活动的过程和结果,都打上了民族的印记。
艺术设计风格篇4
关键词:艺术设计;民族文化;风格
当今世界的艺术设计伴随着信息科学技术的迅猛发展和普及,“信息技术把世界日益变成一个地球村”。艺术设计因***形语言的交流便捷和获取信息的优势,及大地推动了艺术设计在世界范围内的交流与发展。
中国的现代艺术设计起步较晚,现代设计教育的年青化和不成熟,使设计教育体系中引用借鉴西方教学内容与方法较多,因而受西方现代设计观念与设计思维的影响较为严重。特别是对民族的传统文化教育的不够重视与忽略,导致了大多青年设计者民族文化底蕴的匮乏,缺乏自己的思想与创新能力。因而在设计创作中盲目模仿借鉴西方的设计形式风格导致了设计创作只流于表面形式,而缺少了作品的文化内涵和精神追求。没有自己的文化风格和艺术个性,更谈不上既有民族文化内涵又具中国特色风格的设计。
如何使中国的设计走向世界,创造出中国风格的艺术设计,把握和坚持设计中的民族性,将传统的中国文化内涵与现代的艺术风格有机的结合尤为重要。
我们提倡艺术设计中的民族文化与民族化内涵。民族文化是指该民族成员历代相传的共有价值观、思想意识,它是思想情感、风格习惯、审美情趣、道德观念、宗教信仰等因素的综合。而设计与文化有着千丝万缕的联系,它不仅反映着文化,就它本身而言,也是一种文化和文化的传播形式。
在世界的发展日益呈现多元化的今天,中国的艺术设计应在国际化艺术设计中将民族化的元素进行有益的补充,使本民族的设计文化得到发展,并创立出具有民族化特色的艺术设计风格,在国际艺术设计领域中,提升中国艺术设计地位。
国际主义趋势的同一性,必然形成一种单一、僵化的艺术语言,设计师的个性不能得到充分发挥,形成单一性,它必然导致视觉传达效果的削弱,不利于艺术设计的进一步发展。日本在民族风格溶入现代设计中取得了很大成功,日本的设计起步阶段也是西方化盛行,但最终还是回到了传统,创造了极具民族文化风格又是现代设计观念的艺术设计成为了民族特色与现代时尚观念相结合的优秀典范,使日本的艺术设计颇具世界影响力,在日本设计中,传统文化元素的应用是其最重要特征之一。
从艺术的发展史可以看到任何主流艺术或文化的发展都曾受到民族传统艺术的影响和滋养。传统文化艺术能够流传至今,也证实了它具有永恒的生命力,坚持现代设计的民族性很大程度上要求对民族传统文化艺术的学习与借鉴。尊重传统,发扬传统,从优秀的民族传统文化中去吸取精华丰富素养,民族优秀的传统文化是每一个中国设计者的必修课。
民族文化是丰富多彩的,民族文化有共性,又有历史阶段性;同时也具有社会阶层性,民族的多样性。汉族和各少数民族共同创造了灿烂的中国文化,各少数民族文化是中国民族文化的重要组成部分,它个性鲜明、千姿百态,有着取之不尽,用之不竭的创作源泉。传统民间艺术的亲切感,是人与人、人与物、人与世界的直接接触与碰撞的结果。它即朴实又生动感人。因此,在每一件民间艺术作品中都融入了创作者们对世界、对生命、对社会的理解。它再现了每一代人的生活、观念与情感,成为最直接的艺术之源,所以说传统的民间艺术是最具原创力的艺术。
设计归根到底是为人类服务的,个性化是它的重要特征。设计不仅要有民族性,也要具有世界性,而且世界性某种意义上是民族性的归纳和概括。只有个性的,民族性的东西才能被世界人士所发现并在相互交流中得到认同。同样设计作品的民族性是其具有世界性的前提,这也是我们的中国画、书法、京剧等艺术能在世界艺术领域大放光彩的重要原因。
以我国传统民间彩色剪纸为例,它不仅是融绘、刻、染于一体的工艺美术品,也是极具装饰魅力的设计作品。在造型上,它追求自我完美的中国民族装饰形式美;在构***上,强调对称、均衡、有稳定感;在形式上,通过点线面的对比,色彩的映衬,效果上虚实动静,产生节奏和韵律感;方法上,重归纳和概括,将自然形态规律化,更符合装饰美的要求,手法上,多采用夸张变形,并赋予象征和寓意。用色上,色彩鲜艳,感情色彩浓郁,这些对我们现代艺术设计都起到典范和启示作用。
设计艺术的是在空间中的设计活动,其涉及的内容包括字体设计和插***、摄影的采用,把***形、字体、插***、色彩、标志等以符合传达目的的方式组合起来,用于传达信息及指导、劝说等目的,达到准确的视觉传达功能,同时给观众以视觉心理满足。由于民间美术与现代设计的某种巧合,以及传统艺术本身的艺术魅力,传统艺术受到了前所未有的青睐,特别是那些优秀经典的作品,往往以很高的审美价值引起现代人们的赞叹与兴趣,并对艺术设计起着一定的影响,以致在一些现代设计大师的作品中,我们不难发现传统艺术的踪迹和设计应用的经典范例。
有很多设计师就是把中国传统文化的精髓,融入现代设计的理念中去设计出了成功的作品。例:我国著名艺术设计大师韩美林先生为中国国际航空公司设计的标志就取材于传统的凤纹,该标志简洁有力,三条主线粗重,垂直稳健圆满,每一笔的开端和收尾都处理成尖头,使视感粗中有细、刚中与柔,飘逸的凤纹婉曲秀丽、妩媚生动,头部水平,胸部处理为垂直的线条,整体显得器宇轩昂,寥寥数笔刻画出一个姿势动人的凤纹,表明该公司能够像神鸟凤一样给人们提供舒适的飞行服务和安全保障,该标志属于现代设计中民族化风格的典范之作。再如中国银行的标志,整体简洁流畅,极富时代感,标志内又包含了中国古钱,暗合天圆地方之意。它巧妙地把中国的“中”字和中国传统的圆形方孔币作为金钱象征,结合在一起。这是一种很自然的运用传统寓意,这是民族、地域所拥有的“集体表象”,使设计显示出丰富的想象力与造型上的合理性。了解中国传统文化背景的人,就能从中一目了然地解读其标志的内在涵意,这个标志可谓是香港平面设计大师靳埭强融贯东西方理念的经典之作,他在对传统民族心理、民族感情的理解和研究基础上,把民族的内核与国际化的语言完美的结合在了一起。
综上所述,我们应该清楚的认识到在现代艺术设计中对本民族优秀传统文化的学习和传统文化素养的深厚积累,对一个中国艺术设计师来说是何等的重要。要创造出中国艺术设计的特色与风格,提升中国艺术设计在世界设计界的地位和影响离开了优秀的民族传统文化是行不通的。正如我国老一辈设计大师韩美林先生说的一样:“我始终坚信,我的路在中国。”
参考文献:
《装饰》总第117期 杨先艺《论设计文化》
《世界平面设计史》 王受之中国青年出版社
艺术设计风格篇5
摘要：在当今世界版面设计的舞台上，无论是站在信息化、视觉化抑或是艺术化的视觉高度来审视，版面设计是现代艺术设计的重要组成部分，是视觉传达的重要手段。版面设计是使书籍内容与形式相互衬托体现完美的过程。把握时代的脉搏，研究艺术风格的版面设计产生的影响就极具价值和意义。
关键词：版面设计；艺术风格；平面设计
[中***分类号]：G232.3[文献标识码]：A
[文章编号]：1002-2139(2012)-07-0105-01
书籍是从书写中延伸而来的，书籍是信息的载体，而版面设计就是信息的再次设计，也就有了今天对书籍乃至其版式设计的研究。对于一个平面设计师来说，对艺术设计历史的研究可以提供设计时的灵感，设计一直受到美术的影响，版面设计的理论与平面设计史也是分不开的。对于版面设计而言，有两个因素对其发展演变产生了重要影响：一个是绘制***形和文字的技术手段，另一个就是特定的文化背景。
1、“新艺术”运动
新艺术运动是20世纪初在世界范围内极具影响力的艺术流派，是一次影响面相当大的装饰艺术运动。“新艺术”是一场运动，但不是完全统一的风格却在设计上有重要的突破，就是对长期弥漫设计界的“历史主义”的否定。“新艺术”是历史上第一个完全抛弃对以往的装饰和设计风格的依赖，从自然中吸取设计装饰动机。
2、未来主义与达达主义
在人们企***以新的方式寻求平面设计的表达语言的同时，一批设计家以激进的观念和方法，进行设计和艺术方面的探索。1909年诞生的一个思想极端的艺术组织，他们相关的艺术与设计都崇尚都市主题，乐于表现速度，光线，现代社会的象征物等，领导者马里内蒂1913年在其《句法的颠覆》中第一次系统抨击了西方传统的版面构***样式，他说：“……去摒弃17世纪的手工纸——那里充塞头盔式保护手段，密涅瓦智慧和技术及其工艺之神太眼神，煞费苦心的红色词首字母、行尸般的人，神秘的经书丝带、铭文以及罗马数字……我的***还针对那些所谓的和谐的半面，因为它与页面风格的进退、跳跃和迸发等相违……多以在用一个页面。如果有必要，我们将使用3——4种颜色，甚至20种字体。比如，用斜体表达一系列形体相仿的情感变化，用黑体描绘***的拟声等等，我希望通过这些版式的变化好字体色彩的多元化来加倍增强文字的表现力。”未来主义揭开了自由主义版式构***的新篇章。
稍后发展起来的达达主义在思想上与未来主义基本相同，反对现行的艺术、反对理性，认为世界上没有规律可循，唯一可遵循的就是机会和偶然性。所不同的是达达主义更注重生活元素在构***中的呈现，包括充满意味的生活用品以及弃用品等。
未来主义和达达主义的设计家们将他们的理论运用在设计实践上，引起了很大的轰动。强调自我、非理性、杂乱无章和混乱就是其设计风格的基本特征，突出表现效果。
3、俄国构成主义与至上主义
构成主义设计是俄国十月***之后初期的艺术和设计探索运动，其最具代表的是李西斯基。他的设计简单明确，以简明扼要的纵横版面编排为基础，从来不在平面设计上搞装饰，字体全是无装饰线字体。
至上主义源于构成主义，主张以非客观的，以平涂色彩的纯抽象绘***反应精神意志。在1917年左右的俄罗斯，李西斯基等人以简洁的几何***形和字母为基础设计了大量的***书，杂志以及招贴，他们认为在那个文盲率很高的时代，这样的版面风格更容易让然看懂。
4、荷兰的“风格派”运动
《风格派》杂志诞生于1917，主编就是风格派的创始人杜斯伯格，其版面风格是将一种纯艺术风格嫁接于杂志设计的一种实验，蒙德里安的绘画***式深刻地影响了后续的风格派版面设计，三原色的运用，网格以及指教方块的构成风格是其重要特征。
5、包豪斯
包豪斯的“形式追随功能”的主张深刻地影响了其版面设计的风格，由一开始受到构成主义、风格派的影响到纳吉和拜尔的设计，包豪斯终于形成自身独特的版面构成风格，体现出功能主义至上的“工业设计”特点，运用无衬线的简洁字体，提倡使用不对称和原创强烈的几何***形与直线的主题应用，摄影技术与集成相片技术成为版面插***手段。
6、“新版面”设计风格与瑞士国际风格
20世纪20~30年代的“新版面”设计风格将现代派美术的创作观念引入版面设计的领域，发展了一整套***性的方法，其关键人物是简·奇措德，他认为新时代的平面设计的主要目的是准确的视觉传达，而不是陈旧的装饰和美化；他认为越简单的版面会达到越准确和有效的视觉传达目的。他设计的版面没有任何的多余装饰，简单到了无所附加的地步，具有强烈的功能主义和减少主义的特点。
7、波普风格与迷幻主义
20世纪60年代的波普风格涉及绘画、设计、音乐文学等多个方面，波普风格的版面形式讲求与现实的物质生活发生关系，也讲求源自达达主义的嬉皮风格与偶然性。由于实验音乐与实验文学的兴起，有的设计师追求版面设计的“音乐气”和“文学性”的表达。
迷幻主义可以说隶属于波普风格，他强烈的呈现出一种“年轻的背叛”精神，版面设计充满了动感与光，充满摇滚音乐的实验性，破坏性甚至噪音特征让人达到一种“迷幻的虚无”，波普风潮的重要意义在于让人感受衣领了一种福特的版面设计风格。
8、新现代主义和后现代主义
新现代主义是一种成熟的现代主义，也指20世纪后期国际主义设计风格的修正与提升。后现代主义在平面设计领域提倡以设计为乐并以此确定设计特征，提倡不再去寻找单一的主导信息或视觉形式，而是运用混合***像和版面风格以及复杂的构成，所摈弃“装饰性”。
版式设计现在不再是一种单纯的技术性操作，而是通过整体视觉化和形象化的设计，传递出融汇着理念与感觉、效果与功能、秩序与超越的视觉体验。版式设计，为媒介传播提供了不可取代的效果附加值。在设计过程中，***像、文字等一切可以应用的元素，随着点、线、面的趣味性，不断地变化，显示出了版式设计的价值和意义。当然，设计必须传达信息和意义，只有达到这个宗旨，版面设计的价值才可以真正实现。
参考文献：
[1]、朱国勤，罗盛．编排设计．上海人民美术出版社，2004
[2]、王俊．版面设计．宋杰译．中国建筑工业出版社，2009
艺术设计风格篇6
关键词：游戏设计；艺术风格；玩家情绪；联系
一、游戏视觉设计和艺术风格
对玩家情绪的暗示和引喻作用游戏的视觉设计和艺术风格如同绘画一般，会传达给受众一种或多种心理暗示，起到引喻作用。游戏本身与玩家产生互动，在游戏过程中，玩家必将产生各种心理活动，对其情绪的影响不可小觑。1.视觉设计和艺术风格对情绪的暗示作用游戏过程需要玩家情绪的配合，不同的游戏阶段需要玩家配合不同的情绪。以《生化奇兵3∶无限》为例，从游戏开始阶段狂风暴雨的黑夜灯塔到天空之城哥伦比亚之间两种气氛和音效的搭配，完美地诠释了视觉设计形成的艺术风格对情绪的暗示作用，达到了设计者寄予的期望。在游戏序章中，开发者使用灰暗的色调和电闪雷鸣的声效，以及没有任何剧情提示的开篇，给玩家一种孤独、低沉、诡异、紧张的心理暗示，但是通过不到五分钟的游戏历程，玩家被发射到了天空之城，突然从灰暗色调的场景变成了阳光明媚、气势恢宏的天空之城，玩家顿时感觉豁然开朗，情绪有了巨大的转变。这也相当于文学中先抑后扬的叙事手法，即先使玩家产生低落的情绪，然后再发生极大地转变，形成巨大的心理张力，比直接出现天空之城给人的感觉有极大地不同。运用这种情绪暗示法，使游戏的开头特别生动，也因为这种极具张力的先抑后扬，使《生化奇兵3∶无限》的开头被IGN评价为“年度游戏第一序章”。2.视觉设计和艺术风格对情绪的引喻作用开发一款优秀的游戏，需要开发者在设计上耗费大量的精力。引喻能给予玩家很多提示，让玩家的情绪做好反应。依然以《生化奇兵∶无限》为例。在序章之后，经过洗礼的玩家苏醒过来，整个游戏开始进入正章，玩家第一眼看到的是三位美国国父——乔治•华盛顿、本杰明•富兰克林和托马斯•杰弗逊的雕像。需要特别说明一下，首先，这款游戏的设定是一个与我们世界平行的空间，但是没有美国，开发者设计了三个这样的雕像，就是希望玩家把游戏背景设定在美国；其次，游戏中，街上民众的衣服与20世纪初期美国的服饰相吻合，暗示了当时的时代背景。通过这些简单的引喻，使玩家了解了游戏的背景；第三，三位国父手中的物品也有一定的含义，如华盛顿手上的刀，代表了武力***，暗示着国家要靠***队来保持安定；富兰克林手上的钥匙，代表了智慧建国，暗示了一个国家不能只靠武力来维持，智慧是必不可少的因素；杰弗逊手上的卷轴，代表了法律定邦，完善的法律能维持社会的稳定。这三个雕像的引喻作用，也使玩家认识到通关的玩家需要具备的品质，即优秀的武力（刀的含义）、聪慧的头脑（钥匙的含义）、冷静的情绪（卷轴的含义）。也许大部分玩家不会注意到这种细节，但是或多或少会受到一定的情绪影响。对于一款FPS游戏来说，注重这些细节，代表了开发者的情怀，这是值得我们学习的。
二、相同游戏玩法的不同，视觉设计和艺术风格对玩家情绪的影响
不同的游戏视觉设计形成的艺术风格，会吸引不同的玩家。相同的游戏玩法，是指游戏设计的核心概念相同，在操作游戏的时候玩家会感觉是同类型的游戏，仅仅是通过不同视觉的设计及其显示的艺术风格，就能对玩家产生不同的影响。如手机游戏中比较畅销的跑酷类游戏《神庙逃亡》和《地铁跑酷》。通过对比游戏，我们可以很明显地看到游戏的玩法都是躲避各种障碍物，然后收集金币。但是，由于游戏视觉设计和艺术风格的不同，使得本来同样定位是休闲的两款游戏给予了玩家不同的情绪体验。如《神庙逃亡》的游戏画面使用了大量的重灰配色，使得画面看起来压抑而神秘，很好地表达了神庙逃亡这个主题；而《地铁跑酷》则反其道而行，画面使用鲜艳的纯色搭配，角色的动作设计趣味性十足，使得整个游戏充满了童趣。在玩两款游戏的时候，玩家可以感觉到在《神庙逃跑》中的紧张，在《地铁跑酷》中的放松，情绪明显不同。除了休闲类游戏会出现视觉设计和艺术风格的不同之外，一些网络游戏也会出现类似情况。蝉联了多年“中国国产游戏第一宝座”的《梦幻西游》就是这样，它是《大话西游》的姊妹作，据说早期这两款游戏的开发核心是相同的，都是2D回合制网络游戏。但由于《大话西游》的艺术风格模仿了《传奇》的写实风格，在初期获得了不错的成效，但无法超越《传奇》，于是网易设计团队便设计了一款与《大话西游》相左的风格——Q版《梦幻西游》。一样的系统、一样的角色、一样的设计思路，仅仅只是画风不一样，《梦幻西游》一问世，就获得了国内玩家的好评，一改早期的游戏设计对象是男性的传统，打开了一个潜在的市场群——女性玩家群。正是由于网易对玩家情绪心理的重视，才开发出了适合不同玩家的两款相同玩法的游戏，使得这两款游戏在长达十多年的运营中长胜不衰，成为国产游戏中少见的常青树，至今仍是网易的支柱型收入项目。这也证明了，针对相同游戏的玩法，不同视觉设计的艺术风格会对玩家的情绪产生巨大的影响。
三、结论
玩家情绪受游戏设计艺术风格的影响，有着良好的游戏设计风格，才能全方位地调动玩家的情绪，使玩家更好地形成代入感，才能吸引更多的玩家，获得更好的口碑，迅速地占领并扩大市场。因此，在重视游戏设计的艺术风格的同时，游戏开发者需要深入市场，探索玩家心理审美的主流价值观，确定与之相适应的游戏设计和艺术风格，把良好的精神和健康的思想观念传递给玩家，因为优秀的游戏设计和鲜明的艺术风格会影响一代人的精神。
参考文献：
[1]王蔚.电子游戏的教育性分类和评价体系[M].北京:科学出版社，2010.
[2]陈灼.上帝掷骰子:欧美角色扮演游戏史[M].上海:文汇出版社，2008.
[3]星星.视觉设计心理[M].福州:福建美术出版社,2000.
艺术设计风格篇7
蒙德里安的新造型主义艺术，是脱离自然的外在形式，以表现抽象精神为目的，追求人与神统一的绝对境界，亦即今日我们熟知的“纯粹抽象”。他的新造型主义艺术被人们称为“冷抽象艺术”或“几何抽象”。1913年后蒙德里安的绘画以几何性符号式的绘画为主，他在平面上把横线与竖线相结合，形成直角或长方形，并在其中安排红、黄、蓝三原色及灰色。这些新造型主义的抽象艺术及其理论，不仅影响了西方抽象绘画和雕塑，还对现代广告、服装设计、家具设计、室内设计和建筑设计产生了深远的影响。 一、蒙德里安的新造型主义艺术 （一）蒙德里安的方格子是最具代表性的 “抽象和简化”创作蒙德里安早年画过写实的人物和风景，后来逐渐把树木的形态简化成水平与垂直线的纯粹抽象构成，从内省的深刻观感与洞察里，创造普遍的现象秩序与均衡之美。他崇拜直线美，主张透过直角可以静观万物内部的安宁。蒙德里安在经历了荷兰画派、印象主义及表现主义的洗礼后，于1917年创立风格派，发展出他独特的构***理念，将绘画的基本元素，结合几何***形的排列，建立组合成大大小小不同的方格，产生富有节奏感的画面。单纯的造型结构，诠释出主题的活力与律起独树一帜的新造型主义艺术。何***广在《世界名画家全集——蒙德里安》一书中对新造型主义艺术进行分析时写道：“在蒙德里安的几何画作中，多变的自然景象被带领到有限的造型表现中，使直线与颜色互动，引导我们突破旧有形象的桎梏，释放我们的视觉，去发现生活真实的本质。”（何***广2003）他的作品表现了对画面空间进行控制、和平共处、抽象安排的天赋。他素有“抽象派宗师”之称。 1.美与艺术 “美”和“艺术”是相对的概念，美之所以如此之伟大，在于它的意义是如此之深远，如此之无穷无尽，以至于它总能以新的方式表现出来，它的能力总能增加。安虞在他的《世界艺术ABC蒙德里安》一书中写道：“在蒙德里安的艺术理念中，美是和谐，是统一，是动态活动的均衡，是形和色彩的张力。”（安虞2004）美从艺术作品的主题中***出来，它所依靠的只是真正的造型表现手段。这种超于物外的理性美感，是表述性的东西和自然本身都不能创造的，它仅仅通过构成、色彩和形的确定而建立。 2.传统与革新 如果说传统的艺术具有自然的美，那么造型艺术则达到了一种理性的、精神的美。通过蒙德里安的格子，我们看到了一种倾向于直线和平面化原色的表现方法。这与传统的在作品中尽可能强调形体轮廓的做法几乎背道而驰。尽管内心的冲动来自同样的根源，这些作品仍呈现出新的面貌。逼真写实的造型逐渐被绷紧了：形被拉紧，色彩被强化。由此出发，我们看到了蒙德里安那些看似平凡的格子构***里潜隐的意义的光芒。他在用他独有的方式诉说一个深刻的思想：艺术，就如同生活本身一样，是一个持续变化的过程。没有什么事物可以以同样的方式再次出现，也不会遗留下什么同样的东西。因而，艺术本身是同所有保守主义相对立的。 3.造型与艺术 “造型不能理解为‘塑造形体’，而是要理解为‘用线、面、体这些手段构成一个形象’。”蒙德里安最初开始尝试他的艺术理念是在1914年，此时，他完成了作品《蓝色建筑物的正面》。在这幅画中，他已经完全排斥了曲线的作用，纵横排列的直线错落地交织成一个个小的区域。中间填以低纯度的粉黄、粉绿等色彩。而到了晚期，他的造型手法愈加纯熟。在《百老汇爵士乐》中，画面的节奏感来自长短不同的矩形色块，在棋盘似的结构中，红色、黄色和蓝色的色块均衡和谐地跳动着，体现了强烈的音乐感，也反映了画家对喧嚣的都市生活的体验。他以大量“构成”/“构***”的题材进行创作，画面极为简练单纯，红、黄、蓝三种原色以及白色和灰色均衡地分布在画面里，另以坚实挺括的黑色线条将它们分割开来。在矩形或菱形的构***中，通过直线、原色、直角等绘画基本元素的奇妙组合，把一种凝固的律动感传达了出来。 （二）色彩与线条的奇妙组合 1918-1919年间，他创作了一系列矩形格子作品，苦苦思索如何利用垂直—水平结构的动态平衡，利用原色矩形色块表达一般概念的问题。 他似乎找到了：利用贯穿矩形色块的浓重线条使结构不受色彩左右，从而同时控制了色彩和空间。整个二十年代，他都尝试着变换色块位置，探索谐调与强烈，精确与均衡的问题。开放式的构***是他的一大发明，没有外框的构***必须在画面内部实现均衡，才有适合视觉的效果，所以在原色与黑白、灰色之间，垂直与水平结构之间产生动态平衡是必要的。蒙德里安非常有幸获得了这一成果，在《色彩构***A》和《红黄蓝之构***》中，无论是白色、灰块，还是最肯定的红色，都被控制在合适的地方，没有任何跳脱的不稳定感觉。他以通神论哲学关于线条的理论和数学造型原理为依据，利用最基本的绘画语言——直线、直角、三原色（红、黄、蓝）、非彩色系列（黑、白、灰）和结构比例组织画面，建立完美的构***，表现千变万化的自然形态后亘古不变的纯粹的真实。 二、在建筑外观设计中应用蒙德里安的新造型主义艺术 （一）里特维德在建筑外观设计中应用蒙 德里安的新造型主义艺术以风格派的大师里特维德（G.Rietveld）的施罗德泽为首的一系列经典住宅。施罗德泽最鲜明的特色自然是使用大面积的玻璃以及明朗轻快的颜色和立体构成。这种风格源于荷兰风格派画家蒙特里安的绘画作品。时至今日，这种风格对现代建筑的影响依然深远。设计人G.里特维德是家具设计师兼建筑师，受荷兰当时“风格派”影响。 风格派艺术家倡导艺术作品应是几何形体和纯粹色块的组合构***。这座施罗德住宅是风格派艺术主张在建筑领域的典型表现。由光光的墙板，简洁的体块，大片玻璃组成横竖错落，若即若离的构***，与当时著名的荷兰画家蒙德里安的绘画有十分相似的意趣，如同一座三维的风格派绘画。施罗德住宅对许多现代建筑师的建筑艺术观念有不小的影响。#p#分页标题#e# （二）设计最有创意也最具时代感的建筑 采用蒙德里安式绘画墙面深圳家具研究开发院建筑设计以生态、环保、绿色为主题，建筑、室内、家具和室外环境一体化设计，崭新的理念、系统的设计使其建筑模型在2003年3月第13届深圳家具展会上亮相，就吸引来一片赞誉的目光。来自芬兰库卡波罗-方海设计事务所的方海博士请他全面介绍了该项工程的总体构思和设计亮点。以各色油漆竹胶合板构成的蒙得里安式绘画墙面，以钢管及玻璃随意造型的康定斯基式绘画墙面，以及入口处的克利式玻璃墙面，这些墙壁与玻璃幕墙、绿墙以及楼顶花园系统，构成了大楼完美无缺的外表设计。 （三）北海运动会所外墙的魔方效果设计 和美集团把蒙德里安的新造型主义艺术运用到外观建筑上，在不动原来外立面的基础上，使运动会所外墙具有魔方效果，醒目、经济、易于施工，蒙德里安的外立面的构***是一种新的尝试。运动会所后面的游泳馆和羽毛球馆也沿用了蒙德里安的新造型主义艺术，使之成为北海市建筑中的一个独特亮点。外墙设计达到了具有魔方的醒目效果，给人强烈的视觉冲击力。 三、在室内设计中应用蒙德里安的新造型主义艺术 （一）依姆斯夫妇在室内设计中应用蒙德 里安的新造型主义艺术 如今在南加州备受推崇的建筑是美国设计师依姆斯夫妇于1949年选址建造的，它最初被作为《艺术和建筑》杂志倡导大规模预制生产的著名栏目“房屋案例”的个案之一。内奥米.斯汤戈在他的《依姆斯夫妇》一书中写道：“此建筑的室内设计极具个性，做出了出人意料而又合乎情理的设计，在家具和地面都演绎了蒙德里安的新造型主义。他们的创作眼界非常开阔，其新颖巧妙的设计手法对家具和室内设计的显著影响长达五十多年。（”内奥米.斯汤戈.依姆斯2002） （二）家居中的蒙德里安立体空间 王氏夫妇很年轻,他们的别墅设计得相当反传统，家里的色彩非常鲜明丰富，而且这个家里没有几房几厅的概念，用餐区域、会客区域、睡眠区域等都在一个空间里。王氏夫妇家里是空间的蒙德里安。设计师演绎了这块蒙德里安地毯，将其延伸、立体化、把它的这种色彩关系做到家里的空间里面，并且彼此形成同构的关系。这种立体的东西，所以就产生了设计上的极少主义风格。 阳台上晾晒的毛巾的***案、排列形式，与室内的设计，也形成一种同构关系。主人有意无意间，就出现了对蒙德里安地毯喜爱的延伸。地上铺的马赛克，含有黄、红、黑等颜色，也是从室内的色彩里面延伸出去的，与室内空间的色彩具有同构关系。 （三）“金之岛”精巧小户型设计中的蒙德里安乐曲 一系列的色彩和马可波罗瓷砖相结合，线面、色块的虚实结合，通过家具本身的形式与色彩的搭接形式，鲜明而优美，这使客厅和卧室具有独特的个性，像一首蒙德里安式的乐曲。把蒙德里安的色彩和平面构成大胆地运用到居室中，简洁而现代，适合年轻人的张扬个性，黑、红、白等色彩构成鲜艳而和谐。几何块的吧台也可当餐桌用，节约空间又给人休闲放松的感觉。卧室中的一块蒙德里安的平面构成***把卧室装扮得别具一格。 四、在家具设计中应用蒙德里安的新造型主义艺术 里特维德是将风格派艺术从平面延伸到立体空间的重要艺术家之一。他在1919年推出的《红蓝椅》具有激进的纯几何形态和难以想象的形式。《红蓝椅》在形式上是蒙德里安的作品《红黄蓝相间》的立体化翻译，该画家以利用处于不均衡格子中的色彩关系达到视觉平衡而著称。这把椅子整体都是木结构，13根木条互相垂直，组成椅子的空间结构，各结构间用螺丝紧固而非传统的榫接方式，以防有损于结构。这把椅子最初被涂以灰、黑色。后来，里特维德通过使用单纯明亮的色彩来强化结构，使其完全不加掩饰，重新涂上原色。这样就产生了红色的靠背和蓝色的坐垫。设计师可以给功能赋予诗意的境界，这是对工业美学的阐释。里特维德的设计风格除了将建筑式的空间创新概念引入家具设计，还将家具和艺术作一结合，以颜色展示物料的精神，他的家具最常涂上黑、白、黄、红、蓝等颜色，设计极富创意。 五、结语 总之，在蒙德里安的作品中，原色总是被强化。原色在这里是一种象征，表示以其最基本面貌显示出来的色彩。这种色彩从个性以及个别情感中解脱出来，只表现普遍性的、平稳的情感。艺术家把外表上的色彩进行心灵化、内在化的处理，于是色彩不再描述自然的东西，而保留了真实。蒙德里安的新造型主义艺术单纯化、水泥方块般的明显特质，恰巧能与现代建筑、室内、家具相得益彰，彼此吸纳、活用、唱和，具有能搭配冷硬、孤傲线条体系的气质，刻板僵直配上明快亮丽，所以能协调平和，深入人心。这就使蒙德里安的新造型主义艺术在建筑、室内、家具及其他领域中产生了深远的影响。
艺术设计风格篇8
一、陈幼坚平面设计作品的艺术风格
1.民族风格陈幼坚经常将一些传统***案作为素材，根据设计需要对其进行加工和处理，使作品得到了既传统又现代的表现。如陈幼坚为香港乌龙茶设计的标志中，就采用了“龙”的***案，龙是中华民族的***腾，也是中国的标志和象征，陈幼坚的这幅作品中刻画的是一个略带抽象的龙形。从整体上看，整个龙的身子呈弯曲状，而且这种弯曲的力度很大，龙的尾部已经弯曲到了头部的下方，整个曲线饱满粗犷，力度十足。同时，龙的头部呈向左下方倾斜状，从而获得了整体的稳定感。从局部上看，陈幼坚采用了剪影的手法，对龙头进行了描绘，龙的嘴巴微微张开，眼睛炯炯有神，充满了一种符号化的象征意味。再结合设计本身来看，一方面，龙和“乌龙茶”的名字有一致之处，而且作为中国茶叶来讲，只有乌龙茶的名字中带有“龙”字，看到茶叶和龙的形象，自然就会想到是乌龙茶；另一方面，作品中龙的嘴巴部分是微微张开的，意在表现乌龙茶的香醇，可谓是一举两得。除了对传统***案的运用外，传统的色彩、汉字、书法等元素都广泛出现于陈幼坚的作品中，使作品呈现出鲜明民族风格的同时，客观上也推动了传统文化的继承和发展。2.创意风格陈幼坚曾在各类访谈中多次提到，自己一直在走一条创意化的设计之路。一方面，唯有源源不断的创意，才能让客户满意；另一方面，设计本身就是一种创新，也只有具有创意的作品，才能获得长久的生命力，并最终形成设计者所特有的风格。所以陈幼坚的很多作品中，都有着令人拍案叫绝的创意。如陈幼坚为罗西尼手表设计的海报中，手表上的刻度既不是阿拉伯数字，也不是罗马数字，而是一个个“残缺”的汉字，每当时针和分针走到这些刻度的时候，都会“添上一笔”，和原来的残缺部分组成一个完整的汉字，用这种趣味、创新的手法表现手表，当真是前所未有的。又如其为一款地毯设计的广告，一眼望去，画面中的地毯似乎和普通的地毯没有什么不同，但是仔细观察后会发现，这款地毯的四个角上画上了四个高尔夫球洞，这一点睛之笔一下子将一块普通的地毯变为了高尔夫球场，站在上面，就像是站到了球场上，脑海中也会浮现出球场上那一望无际的绿色，从而使产品的安全性和生态性得到了突出。当面对设计对象的时候，陈幼坚总是能够对其进行全方位的思考，进而产生一系列创意思维，在此基础上再根据具体的表现需要进行梳理和细化，并最终使作品呈现出鲜明的创意风格。3.简约风格陈幼坚曾表示：“越简单，越能表达我所说的话。”一方面，他认为设计本身就是一门简约的艺术，唯有简约才能给观众留出思索和体会的空间，如果将所有的信息全部堆砌在作品中，将会使作品的艺术性受到很大的影响；另一方面，他认为在今天这个视觉***像的时代，各类纷杂的视觉信息已经引起了人们的视觉疲劳，唯有简约才能使作品得到关注。所以陈幼坚的很多作品都有着十分简约的形式，并能够用最切题、最得当的手法让主题得到最精准、最深刻的表达。比如1997年的香港回归，其标志着香港真正回到了祖国怀抱，很多香港设计者都从多个方面对其进行了表现。但是陈幼坚的作品却与众不同，整个画面中只有两根筷子，一左一右，平行排列，两根筷子之间则是用楷书写成的“香港回归”，可谓是真正的简约而不简单。一方面，筷子是中国文化的代表，也是人类文明史上一项值得骄傲的发明；另一方面，筷子都是成双使用的，只有在两根筷子的相互合作下才能进食，以此来体现出一国两制的思想，暗示着香港在与祖国母亲的相互合作与包容下，一定能够获得更大的发展。创作者仅仅用两根筷子和一行文字，就将一个厚重而深刻的主题表达得淋漓尽致，获得了“四两拨千斤”的艺术效果。又如他为上海外滩三号休闲会所设计的标志，画面上是一个海滩的景象，然后是三条代表道路的曲线，一种色彩，三条曲线就构成了作品的全部，但是却足以表现出设计的主题，“外滩”“三号”两个关键词都得到了艺术化的表现。正所谓方寸间见功力，这种简约的背后，其实是陈幼坚丰富的设计经验和大胆的艺术创新，以及对现代审美风格的准确把握。4.融合风格陈幼坚是一个土生土长的香港人，他虽然对中国传统文化十分推崇，但是在其成长和创作的过程中，不可避免地要受到西方文化的影响。难能可贵的是，陈幼坚并没有将这两种文化相对立，而是积极主动地对将两者进行融合，曾先后提出了“东情西韵”和“中西合璧”的创作理念，所以他的作品中都有着鲜明的融合性风格。如他为可口可乐设计的中文标志。2002年，可口可乐的中国区总裁邀请陈幼坚设计可口可乐的中文标志，陈幼坚在仔细思考后认为，一个西方品牌，要想使其体现出中国风格，就必须从融合入手，他从原来英文标志的字体中获得了灵感，认为cocacol这几个字母的飘带和弧度正是连接中西方两种风格关键所在。在选定了这个关键点后，他以此为基础，对可口可乐四个汉字的笔画和走向进行了细致的处理，使之基本和原来的英文字母相一致，真正实现了中西两种风格融合。又如2008年，陈幼坚为北京奥运会所做的宣传海报中，画面的主体是北京的标志性建筑物——天坛，这是世界上现存规模最大、最完美的古代祭天建筑群，在世界上享有盛誉。陈幼坚并没有用具象的表现手法，而是对其进行了写意的处理，只是用红色对其外形进行了概括的描绘，在天坛的外侧，则用油画的罩染法描绘了出了五条光晕，分别是黄、绿、蓝、黑、红五种颜色，正是奥运五环的颜色。
二、结语
综上所述，通过对陈幼坚多部作品的分析可以看出，他从业三十多年来，始终将创作植根于民族文化的沃土中，对传统文化资源进行有机的运用，并结合现代人的审美需要做出了一系列的调整。这种探索和坚持是合乎文化发展和设计创作本质规律的，所以陈幼坚的作品才能获得广泛的认可，并呈现出鲜明的艺术风格，为当代平面设计者提供了借鉴。
作者：马俊 单位：上海中侨职业技术学院应用艺术设计系
艺术设计风格篇9
“马一角，夏半边”的艺术通过有限的空间，巧妙的构***思维，传达表现出无限的意境。马远、夏圭是北宋画院名家，其构***简练概括，多一角、半边之景，笔墨粗犷豪放，超出全景山水的窠臼，对景物做适当的裁剪，以局部映带整体，以空白暗示辽远的空间，使画面中融入了浓重的诗意。
2《马一角，夏半边》的艺术价值
2.1艺术构***形式
“马一角，夏半边”的艺术在于构***的形式，多一角、半边之景，对画面适当的裁剪，使艺术完美地融合于建筑景观设计装饰中；构***富有变化，独具匠心，充满诗意，在变化中寻求艺术的美感。正如宗白华先生评价“马一角，夏半边”的艺术所说的“中国画很重视空白。剩下的空白并不真实，是海、是天空，却并不感到空，空白处更有意味。”将“马一角，夏半边”的艺术构***融入建筑景观装饰中，具有民族特色，给建筑景观设计装饰融入情感和思想，再现中国古典美学在景观设计装饰起到的重要价值。创造出带有美感、艺术感的建筑设计的景观装饰艺术，使得景观设计过程中真正可以体现出艺术的内涵、价值的体现。中国传统元素极富意象之美，可以很好地满足人们在传统文化方面的追求，在建筑景观装饰中的运用，为之有效强化建筑蕴含的文化底蕴，具有极高的艺术和文化价值。
2.2意境之美
意境是美学的基础，也是人们的审美标准。“马一角，夏半边”的意境运用于景观设计中，做到画中有景，景中有画的美妙，画景交融，达到意境之美。“马一角，夏半边”的意境讲究应物象形，经营位置，留白处的处理，诗意的表达。在建筑景观设计装饰中使得景观设计形神兼备，通过“马一角，夏半边”的意境之美，易使欣赏者联想，在心灵、情感上产生共鸣，是景观设计装饰中不可或缺的设计元素，符合景观设计中意境的表现。正如王国维先生所说的“能写真景物，真感情者，谓之有意境，否则谓之无意境。”利用“马一角，夏半边”的艺术意境，能够突出主题的意境美，熏陶人们的情感世界，从而表现出艺术境界，景观的意境之美，景观设计中饱含诗情画意。
3“马一角，夏半边”在景观设计中的应用，以苏州博物馆为例
苏州博物馆的景观设计，惟妙惟肖，栩栩如生，是贝津铭大师的收关之作。北墙之下独创“假山叠石”，别具一格，位置构思独具匠心，巧妙地利用墙体对景色进行修剪，用白墙、湖水、假山、树木的巧妙结合，情景交融，充分的体现了“马一角，夏半边”的构***艺术效果、意境之美。在二维的平面上表现三维的空间效果，“假山叠石”很注重边角之景的构***形式，意象的设计，景物丰富，画面中大量的留白，是中国山水画的审美特征。假山、片石、树木成为点金之笔，体现对画面的精心布置，构***思维独具匠心，建筑造型艺术表达，画面中留白的半边之景产生了新的含义，令人遐想，体现了“马一角，夏半边”的构***所产生的意境之美，是中华文化的符号。
4结语
“马一角，夏半边”艺术的运用，极大地提高景观设计的审美性，传统的艺术在景观设计发展，对传统的传承有着深远的意义。在景观设计中要注意：（1）注重边角的比例安排，构***设计要求要富有变化，位置构思要独具匠心，带有美感，符合审美特征。（2）做到画中有景，景中有画的美妙意境，画景交融，突出主题的意境美，熏陶人们的情感世界，景观设计中饱含诗情画意，达到意境之美。充满诗意建筑景观设计装饰中既要传承民族文化符号，也要突出景观设计的审美诉求，还要兼顾景观设计装饰技巧的运用在经济价值中的作用。通过“马一角，夏半边”艺术表现方式，在景观设计装饰空间突出了凝固的文化和景观建筑装饰技巧的应用，利用多边角和半景表现空间突出了这种技巧的视觉效果和经济价值，用多元的艺术和技法反映景观装饰艺术的现代美感和物理空间的应用。
作者:黄许好 贾晓晨 单位:湖北文理学院美术学院
参考文献
1柴宏伟.马远、夏圭山水画风[M].天津人民美术出版社，2003
2曹昌武.绘画结构[M].山东美术出版社，2004
3田为平.现代装饰艺术[M].黑龙江美术出版社，1995
艺术设计风格篇10
关键词:艺术风格;服装设计;应用;分析
中***分类号:J04 文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2009)30-0039-01
一、艺术风格
所谓服装的艺术风格,就是服装设计者在整体创作中所表现出来的思想与艺术上的稳定的个性,这种个性标志着设计者的作品步入了成熟阶段。
二、艺术风格在服装设计中成功应用的范例
(一)波普艺术风格
波普艺术(pop art),其中的“pop”通常被视为(popular)的缩写。它所代表的是流行文化。 波普艺术是在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动,多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。波普艺术反映了美国在二战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观,力求表现自我,标新立异的心理。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的好材料,面对商业文明的冲击,艺术家不仅要正视它,而且应该成为通俗文化的歌手。说到波普艺术,国人大多会感到陌生,其实,波普艺术就在我们周围。例如在上世纪80年代的服饰中,就有很多印有格瓦拉、梦露、可口可乐瓶等***案,这就是波普艺术在服装上的反映。后来在街看见有的开始印***了,不知道这是不是波普艺术的本土化。
(二)新古典主义艺术风格
新古典主义艺术风格兴起于18世纪的中期,其精神是针对巴洛克与洛可可艺术风格所进行的一种强烈的反叛。它主要是力求恢复古希腊所强烈追求的“庄重与宁静感”之题材与形式,并融入理性主义美学。这种强调自然、淡雅、节制的艺术风格,与古希腊的题材形式结合所发展出的服饰,也随即在法国大***后,跃升为服装的代表。特别是在女装方面。例如,以自然简单的款式,取代华丽夸张的服装款式;又如,排除受约束、非自然的“裙撑架”,等。因此从1790年到1820年之间,所追寻的自然之美,在服装史上被称为“新古典主义风格”。
(三)巴洛克艺术风格
巴洛克艺术风格原本是指17世纪炫耀财富、大量使用贵重材料的建筑风格,也因此牵动影响到当时艺术全面的变革。巴洛克的字义源自葡萄牙语,意指“变了形的珍珠”,也被引用作为脱离规范的形容词。巴洛克虽然承袭矫饰主义,但也淘汰了矫饰主义那些暧昧、松散的形式。由于受到巴洛克艺术的影响,在服装史上,甚至用“巴洛克风格”一词,来代称17世纪欧洲的服装款式。
三、提高艺术风格在服装设计中应用的重要性
中国的自主品牌在国际上缺乏知名度是不争的事实,而这种事实让我们的服装企业在国际市场上处境十分尴尬:一方面,在服装的设计和流行趋势的上,欧美国家占有主导地位。他们利用这种优势占据着世界服装的高端市场,并获取高额的利润。另一方面,南亚等国制造业的崛起,使得以廉价劳动力为主要竞争手段的中国服装制造业面临巨大挑战。
就中国服装业的整体而言,无论是服装设计、相关人才还是品牌质量都与国际知名品牌存在较大差距。服装设计能力的薄弱,是中国服装企业中普遍存在的软肋。中国服装设计还远远落后于国际水准,中国也没有具有世界影响力的服装设计师。大多数企业的服装样式只能依靠仿制国外设计,这样就很难形成自己的风格。
在这种国际形势下,中国的服装制造业如果想要在国际市场上拥有更大的竞争力、取得更大的话语权、提升品牌内涵、提高品牌国际形象,就必须提高艺术风格在服装设计中的应用。如果说中国服装企业在十年前需要解决的是如何去做的问题,那么在未来十年则要解决如何做好的问题。由此可见,增强服装设计中的艺术性必将在中国服装制造业中处于越来越重要的地位。
四、如何提高艺术风格在服装设计中的应用
(一)展现最完美的服装形式
在确保符合商业要求的前提下将服装以最完美的形式展现出来。在我国,评价服装设计是否成功在很多时候并不是以销售业绩作为第一要素的,所以也就谈不上服装的艺术风格和商业的完美结合了。以旗袍为例:旗袍以贴身、能很好的反映女性的曲线美、具有民族特色作为主要卖点受到了不少女性的青睐。同时,旗袍也存在着穿着场合较少,与现时代人们生活距离较远的弊端。曾经有一些服装企业不顾现状,对旗袍进行了一番简单的“现代化”修改就开始大批量生产。结果呈现在我们眼前的是既失旗袍的端庄优雅又缺乏现代筒裙性感风格的“新产品”。这样不顾商业要求的“设计”在社会上的反响是可想而知的。
因此,作为优秀的设计人员,在设计之前必须要有一个正确的设计理念――艺术风格和商业要求在服装设计中是为互补关系的两个要素。任何不顾这个前提而单独强调其中之一的设计都不可能创造出优秀的作品。艺术性和商业性在服装的设计中所处地位应该相同,但如果一旦出现矛盾,那么商业性享有优先权。
也许有人会问,一味的强调服装的商业要求,会不会艺术风格在服装设计中所占的比例的减少。我的解释是:服装是一件艺术品,但更是一件商品。一项设计的好坏最终要由市场、由消费者来决定。只有此项设计符合他们的需求,那么在服装中所加入的艺术风格才有意义。如果只是一味的提高艺术风格在服装设计中的应用而忽略了服装的商业性,那么上面举的“旗袍”的例子就将会重演。只能积压在仓库里的艺术如何称得上是成功的艺术呢?
(二)提高自己的艺术修养
提高自己的艺术修养是提高服装设计所包含的艺术风格的先决条件,服装设计师应该充分认识到提高自己的艺术修养的重要性。冰冻三尺非一日之寒,提高自身艺术修养需要长时间的积累,不是一两天能完成的事情。设计师在认识到提高自身修养的重要性的同时还需要不懈的努力。
能否使设计出的作品饱含艺术风格还在于设计师的理念。设计师的任务应是用他的设计理念,设计出的作品来引导消费,而不是在消费潮流中当墙头草。在国内经常可以见到这样的畸形流行:流行运动服,全城的人都成了运动员,流行尖头鞋,结果进城就像进了马戏团。由于我国国民并没有完全摆脱封建思想的束缚,出现从众现象也是正常的。但设计师如果也有这种思维,那么他的就不是在进行设计,也不是引导消费,最多只能算是“复印”加工。自然无从谈及设计中的艺术风格了。一名优秀的设计师应该突破固化思维,从新的角度创造出新的艺术风格。我国有着悠久历史和灿烂文化,现代社会也创造了极为丰富的物质文明与精神文明。历史上,我国曾被誉为礼义之邦、衣冠之国,从宏大的汉唐之风到两宋的清丽;从雄伟的故宫到别致的苏州园林;从各民族各具特色的民族服饰到不同地貌产生的雄奇的自然美……为每一个设计师提供了丰富的灵感来源。皮尔卡丹从中国故宫飞檐得到灵感,创造了风摩世界的时装翘肩;帕克拉邦纳从长城得到启发,设计出了独具一格的长城领。同样的东西,中国的设计师能否站在一个全新的角度创造。这将提高艺术风格在服装设计中应用的最重要的一环。
五、结语
通过此文介绍了艺术风格在服装设计中成功应用的实例,分析了当前形势下我国服装制造业所面临的新挑战以及应对的方法,相信大家对于提高艺术风格在服装设计中的应用的重要性和方法已经有了一个初步的了解。中国服装业要更快更好的发展,需要每一个设计师刻苦钻研,***思想,以及不懈的努力。机遇和挑战同时摆在我们的面前。相信作为炎黄子孙的我们定能打造出属于我们中国人自己的国际品牌。
参考文献:
[1]【英】阿黛尔,朱方龙译.时装设计元素:面料与设计[M].北京:中国纺织出版社.2010年版.